25 größten Kurzfilme aller Zeiten

Es gibt viele, die nicht 90 bis 120 Minuten pro Tag einplanen können, um einen Film anzusehen. Sie sind beschäftigt und haben eine Vielzahl von Aufgaben zu erledigen. Nun, Kurzfilme sind eine perfekte Auflösung für solche Leute. Es gibt Leute, die Alternativen in verschiedenen Kunstformen in Betracht ziehen, aber die Hardcore-Filmfans müssen eine visuelle filmähnliche Erfahrung haben und ich bin am Ende des Spektrums. Glauben Sie mir, ich weiß, was sie durchmachen. Ein Film oder ein Film ist eine Reihe von Standbildern, wenn er auf einem Bildschirm angezeigt wird, der die Illusion von bewegten Bildern erzeugt, und es gibt keinerlei zeitliche Einschränkungen.

Als begeisterter Lernender muss man verstehen, dass alles mit einem Kurzfilm beginnt, einem Experiment, um sein eigenes Talent zu messen und gleichzeitig zu unterhalten. Einige gute Kurzfilme haben das Kino in einem Ausmaß beeinflusst und definiert, von dem viele nichts wissen, und sie fangen normalerweise die Essenz eines blühenden Regisseurs sublim ein. Mit den Einschränkungen an Ihrer Seite und der filmischen Leerheit haben Sie immer die Möglichkeit, Kurzfilme zu erkunden, und einige der größten Filme wurden nach den Kurzfilmen konzipiert. Es gibt Tausende von Kurzfilmen im Internet, von denen nicht unbedingt alle von Qualität sind, und es ist eine Aufgabe, aufgrund der minimalen Belichtung ganz offensichtlich mit den minimalen Informationen zu suchen, die über sie bereitgestellt werden.

Als Horrorfilm-Fan neige ich immer dazu, nach Shorts zu suchen, die mich erschüttern und nicht nur dazu dienen, mich zu erschrecken. Man muss zustimmen, dass Sprungangst nur während ihrer Dauer aufregend ist, aber keine denkwürdige Wirkung hat. Psychologische oder atmosphärische Horrorfilme sind normalerweise die besten und trotz ihres vergleichsweise geringen Budgets schwierig, weil sie Finesse durch Technik erfordern, während die Technik visuelle Bilder oder Geschichten oder Performances sein kann.

Vor diesem Hintergrund finden Sie hier die Liste der besten Kurzfilme, die Sie umhauen werden. Sie können einige dieser besten Kurzfilme online auf Youtube, Netflix, Hulu oder Amazon Prime ansehen.

25. Code 8

'Code 8' wurde 2016 von Stephen Amell (Arrow) und Robbie Amell unter der Regie von Jeff Chan produziert, der auch 'Operation Kingfish', den Prequel-Kurzfilm zu Call of Duty: Modern Warfare 2, drehte. Die Amell-Brüder und Chan machten diesen Kurzfilm Film als Teaser für einen Spielfilm in voller Länge, den sie geplant hatten, und beabsichtigte, dieses Video zu verwenden, um ihr Projekt Crowdfunding zu erhalten. Die Entscheidung, den Indie-Weg zu beschreiten, bestand darin, die vollständige kreative Kontrolle über ihren Film auszuüben, da die Einmischung der Produktionshäuser in Filme stark zugenommen hat. Der Grund, warum ich es mochte, war, dass es nicht voll mit seinen Cyberpunk-Elementen ist, sondern irgendwo zwischen unserer Welt und der in 'Blade Runner' liegt, ähnlich wie Carpenters 'Escape from New York'. Der Film hat auch ein ähnliches Konzept wie 'X-Men', wobei eine Minderheit mutierter Menschen der Hauptlast der ausschließlich unterdrückenden Regierung ausgesetzt ist.

24. Jiminy

Menschen, die mit der Figur von Pinocchio vertraut sind, müssen sich Jiminy Cricket bewusst sein, und hier erhält der Film seinen Titel. Jetzt hat die Geschichte von Pinocchio zwei Versionen, die ursprüngliche, die trostlos und verstörend ist, und die von Disney, die für ein breiteres Publikum abgeschwächt wurde. 'Jiminy' ist eine futuristische Neuinterpretation einer Welt, in der Menschen Cricket-ähnliche Kontrollchips haben, die ihnen eine Alternative bieten, um jede Aufgabe perfekt auszuführen. Die Chips auf der Oberfläche scheinen sehr hilfreich und unterstützend zu sein wie die Version von Disney, aber im weiteren Verlauf erfassen wir das Ausmaß der Kontrolle, die sie über die Denkweise der Menschen haben, und verwandeln sie in einen geistig hohlen Zustand in ihrem Defizit.

23. Darth Maul: Lehrling

Als ich verschiedene Kurzfilme durchgesehen habe, war dies ein Name, für den ich mich in einer Million Jahren im Allgemeinen nicht entschieden hätte. Als Fan des Star Wars-Films „21. Jahrhundert“ kann man nur das Geringste erwarten. Aber ich war von der Qualität des Films überrascht und um ehrlich zu sein, ist dies eine der besten Live-Action-Arbeiten von Star Wars, die ich je gesehen habe. Als Star Wars-Fan verachtete ich die Behandlung von Darth Maul als Sprungbrett für die schreckliche Entwicklung von Anakin Skywalker. Hier können wir sehen, wie der geschickte Krieger zu einem Sith-Lord heranwächst und dabei eine vage Version von Obi-wan und seinen Schülern tötet. Die Kampfszenen sind sehr gut choreografiert und mit einer Beweglichkeit ausgeführt, die von Menschen erwartet wird, die ihr Leben der Kunst gewidmet haben.

22. Kung Wut

Ich weiß nicht, was mich erfrischt hat, nachdem ich 'Kung Fury' gesehen habe, die Hommage an die Retro-Unterhaltung der 80er Jahre mit ihrer groovigen synthetisierten Atmosphäre oder die Tatsache, dass ich endlich die Quelle der 'Hackerman' -Memes gefunden habe. Der Kurzfilm von David Sandberg streift in die phantasierte Zukunft und parodiert ähnliche Filme aus der Retro-Ära. Kung Fury, unser Held wird vom Blitz getroffen, der ihn zu einem unschlagbaren Kampfkunstkrieger macht. Als nächstes werden Sie nur glauben, wenn Sie es sich ansehen. Der Film wird am besten mit einer Auflösung von 240p abgespielt, damit Sie sich von der VHS-Nostalgie verschlingen lassen können. Wenn dies nicht ausreicht, macht der Ritterreiter David Hasselhoff auch einen Cameo-Auftritt.

21. Frankenweenie

Leider habe ich diesen 30-minütigen Klassiker von Tim Burton aus der Zeit vor dem 21. Jahrhundert gesehen, nachdem ich 90 Minuten lang durch die abgerissene Version von 'Corpse Bride' gesessen hatte. Dies war die Zeit, in der Burton nicht jeden Zentimeter des Bildschirms mit einer von der Expressionisten inspirierten Palette füllte. Dieser Kurzfilm wurde vom Regisseur entlassen, weil Disney ihn für das junge Publikum als unangemessen ansah. Es funktioniert als moderne Wiedergabe von Frankenstein mit einem Hund, der von seinem jungen Freund mit gebrochenem Herzen wiederbelebt wird. Hund war der treueste Freund des Menschen, und man kann Erwachsene fragen, wie viel ihnen ihre Haustiere aus Kindertagen bedeuteten und ob sie etwas tun würden, um ihn zu retten. Erwachsene mögen sich zwar mit dem Tod abfinden, Kinder jedoch nicht, und dies bietet eine sehr solide Grundlage für den Zweck des Films.

20. Der Nostalgiker

'The Nostalgist' kann tatsächlich Fans von Steven Spielbergs 'A.I. Künstliche Intelligenz'. Der Film spielt in einer dystopischen Welt, in der Menschen modifizierte Visiere verwenden können, die eine virtuelle Realität darstellen. Der Film zeigt die Verbindung zwischen Vater und Sohn und ließ mich darüber nachdenken, wie subjektiv der Begriff „Vater-Sohn“ ist. Tatsächlich kann der eine den anderen als Vater lieben und für ihn sorgen, und der andere kann den Respekt erwidern, der mit Söhnen verbunden ist. Obwohl dieser Film 17 Minuten lang ist, ignoriert er zusammen mit den neuesten Science-Fiction-Filmen, was als „Voraussetzungen“ für eine Beziehung angesehen wird.

19. Ich bin hier

Ich habe Shel Silversteins 'The Giving Tree' gelesen, als ich ein Kind war, und obwohl ich auf verschiedene Versionen davon gestoßen bin, ist keine so groß wie Spike Jonzes Kurzfilm. 'Ich bin hier' spielt Andrew Garfield als Roboter in einer Welt, in der sie als Unterlegene behandelt werden. Sie werden nicht 'missbraucht', sondern als Freaks angesehen. Garfields Sheldon ist ein Introvertierter, der ein eintöniges Leben führt und Theodore aus 'Her' ähnelt, das diesem Vorbild nachempfunden war. Sheldon verliebt sich in den rücksichtslosen Roboter Francesca, der das genaue Gegenteil von ihm ist, und der Film untersucht seine bedingungslose Liebe zu ihr. Im Gegensatz zur Geschichte ist Francesca nicht egoistisch, sondern macht unschuldige Fehler, die das Paar viel kosten.

18. Elektronisches Labyrinth: THX 1138 4EB

Obwohl George Lucas für den Start des Star Wars-Franchise bekannt ist, bleibt sein Debütfilm „THX 1138“ sein bestes Werk und einer der besten Science-Fiction-Filme aller Zeiten. Der Film war nicht nur eine erschreckende Darstellung der Orwellschen Welt, sondern trug auch dazu bei, eine Kategorie von Filmen zu starten, die Science-Fiction mit sozialer Satire mischten. 'Electronic Labyrinth' ist die Basis für das Feature, und Lucas hat es für sein Filmuniversitätsprojekt gemacht. Obwohl es aufgrund des knappen Budgets an Qualität mangelt, hat Lucas Zugang zu eingeschränkten Navy-Quartieren und fühlt sich daher wie eine Projektion einer fernen Welt an.

17. Eine Reise zum Mond

Es ist 115 Jahre her, seit A Trip to the Moon gemacht wurde. Nehmen Sie sich einen Moment Zeit und lassen Sie das einwirken. George Melies schilderte die Raumfahrt im Jahr 1902, Jahrzehnte bevor die erste Rakete gebaut wurde, die große Entfernungen zurücklegen konnte, und mehr als eine halbe Jahrhundert bevor jemand überhaupt auf das Design kam, das den Menschen in den Weltraum schicken könnte. Wenn dies nicht genug war, zeigte er sogar einen Marsmenschen, der Außerirdischen ähnelte, auf dem Bildschirm. Melies war ein wahrer Visionär und seine Arbeit zeigt frühen Surrealismus und magischen Realismus, und seine Verliebtheit in Geometrie ist fast hypnotisierend. Es ist sowohl in Schwarzweiß- als auch in Farbversion auf YouTube verfügbar. Ich würde das erstere empfehlen, da sich das letztere aufgrund des immerwährenden Wiederherstellungsprozesses der Authentizität beraubt fühlt.

16. Der Jetee

Ich nahm eine Hypothese an, angenommen, Chris Marker hätte La Jetee eines Tages als Kind in einem örtlichen Theater gesehen, und Jahre später, wenn er in die Vergangenheit geschickt wurde und erkannt hätte, dass er der Schöpfer war, würde er die Art und Weise ändern, wie der Film war gemacht? Ich habe gehört, dass er sich keine Videokamera leisten konnte, und habe mich daher für die Zusammenstellung der Standbilder entschieden, was meiner Meinung nach sehr gut mit dem plötzlichen Zeitfluss aus der Sicht des Protagonisten übereinstimmt. Interessanterweise konnte er es seiner eigenen Schöpfung zufolge nicht, denn egal wie vage und metaphysisch die Zeitreise im Film ist, es gibt einfach kein Entrinnen aus der Gegenwart. Ihre Ebene der Existenz ist auf die Gegenwart beschränkt, was wahrscheinlich das einzige ist, was zählt, weil es das einzige ist, was Sie beeinflussen kann. La Jetee ist experimentell, es gibt kaum etwas Realistisches an dem Film; Die Prämisse, der Prozess, die Liebe, alles ist nur eine Übung der Täuschung.

15. Alexia

Beginnen Sie mit „Alexia“, einem argentinischen Kurzfilm mit einer dominierenden Social-Media-Cyber-Horror-Handlung. Es enthält eine übernatürliche Darstellung von Ereignissen, die nicht genau genug ist, aber ihre Mängel mit viel Liebe zum Detail ausgleicht. Alexia war ein Mädchen, das Selbstmord begangen hat, nachdem ihr Freund (die Hauptrolle) sich von ihr getrennt hatte und wir sehen, wie er ihr Profil durchläuft, ein Zeichen von Schuld und Zuneigung, das wahrscheinlich in ihm wohnt. Nachdem er sich online mit seiner jetzigen Freundin unterhalten hat, beschließt er, Alexia zu entfreunden, was dazu führt, dass sein Computer durcheinander gerät und Nachrichten von der toten Alexia, einschließlich eines von „Ringu“, abgerissenen Bildes.

Die Kameraarbeit und der Schnitt sind phänomenal, da die Nahaufnahmen die völlige Verwirrung in den Augen des Leads und seine zunehmende Angst durch seine Finger und die verzögerte Cursorbewegung einfangen. Die Kamerawinkel und das Umschalten sind leicht übertrieben, aber sie erfordern die richtige Aufmerksamkeit und schaffen eine verwirrende Stimmung. Technisch gesehen ist der Film sehr solide, und der VFX täuscht trotz seines Budgets nicht den Intellekt des Publikums. Der Geist und die Irisaufnahme sind schöne Erfolge. Alexia ist mehr als nur ein Virus, der den Computer durcheinander bringt, und die Aussicht am Ende ist erschreckend und lässt Sie über das Schicksal des Leads nachdenken. Das Drehbuch ist nichts Besonderes und basiert auf Sprungangst, aber die wahre Wirkung des Films findet nur statt, wenn Sie ihn auf einer gewöhnlicheren Ebene in Beziehung setzen und darüber nachdenken, ohne sich dem übernatürlichen Aspekt zuzuwenden.

14. Der lächelnde Mann

'The Smiling Man' stellt ein Kind gegen den Teufel, und das Kind besitzt keine Superkräfte oder Fähigkeiten, die für einen Hollywood-Film charakteristisch sind. Nein. Das Kind muss sich dem reinen Bösen und der Geburt des Terrors stellen, weil das Wort „Angst“ in der Kindheit auf Geister und Hexen beschränkt ist und dies alles mitten im Tod stattfindet. Ich habe nicht die Absicht, die Handlung zu diskutieren, da es keine Möglichkeit gibt, sich auf wichtige Handlungspunkte in ihrer 7-minütigen Laufzeit zu konzentrieren, da dies die Erfahrung völlig beeinträchtigen würde.

Intrusion ist ein Routinethema für Horrorfilme, und was einige von ihnen auszeichnet, ist die Art und Weise, wie sie gedreht werden. Von Anfang an erhalten Sie einen Eindruck von der Anwesenheit einer übernatürlichen Kraft, aber was Sie entdecken, ist eine physische Verkörperung davon und keine gasförmige Kreatur oder unsichtbare Präsenz. Es verwendet jeden Trick im Buch für Clowns, um das Kind zu einem äußerst unglücklichen Ereignis zu locken, und diese Behandlung kann keine Sprungangst hervorrufen, stört Sie jedoch, und ein Horrorfilm funktioniert nur, wenn er in Ihrem Kopf verweilt, nachdem Sie damit fertig sind es. Dieser Film ist nicht für Personen vorgeschrieben, die dazu neigen, sich in Gesellschaft von Clowns zu verunsichern.

13. Er nahm mir die Haut ab

Es wäre eine Schande, es nur unter Horror zu stellen. Dies ist der Teil der Liste, in dem wir abgenutzten konventionellen Horror beiseite lassen und uns auf den durch Materie und ihre realistischen Eigenschaften induzierten Horror konzentrieren. Der 12-minütige Kurzfilm hält an seinem Titel fest und konzentriert sich auf einen Mann, der seine Haut abnimmt, um seine Liebe zu seiner Freundin zu beweisen. Unterstützt von einem fantastischen Make-up und der Verwendung von CGI ohne Verwendung ist der hautlose Protagonist ein unvergesslicher Anblick (in Bezug auf die Technik für das Publikum und emotional für seine Freundin, die ihre Reaktion auf seine überwältigende Schönheit nicht ausdrücken kann). Der hautlose Kerl geht dir zwar unter die Haut (Wortspiel beabsichtigt), aber dies wird langsam durch die Akzeptanz des Paares für die Situation, die als dunkle Komödie wirklich gut funktioniert, erschöpft. Weiter im Film wächst die Spannung und die Modeerscheinung nutzt sich ab und hinterlässt überall Spuren davon, Spuren, die sie nicht fühlen wollen, da sie sich damit nicht mehr wohl fühlen.

Der Film ist reizend mit makellosem Schreiben, Schauspiel und Kameraarbeit (die Nahaufnahmen von gebratenem Fleisch und die lange Aufnahme von Abdrücken im ganzen Haus sind sehr clever) und kann als Metapher für Transparenz interpretiert werden. Indem er seine Haut abnimmt, entblößt die Führung alles und bleibt ihrer Beziehung gegenüber ehrlich, indem sie sich öffnet, auch wenn sein Partner sich nicht revanchiert. Am Anfang werden sie mit der Wahrheit vertraut, die ihre Bindung erhöht, aber im Laufe der Zeit bemerken wir Selbstzufriedenheit in ihm, da sein Partner nur hilft, seine Angelegenheiten zu lösen, ihm aber nie folgt, bis zu dem Punkt, an dem es eine offensichtliche Spannung zwischen ihnen gibt, die zu der führt schockierende letzte Szene.

12. Canis

Canis ist ein Stop-Motion-Horror-Kurzfilm, der sich um einen Jungen dreht, der in einem Haus gefangen ist, das von Hunden umgeben ist, die in „Nacht der lebenden Toten“ die perfekten Haustiere für die Ghule gewesen wären. Es ist trostlos, herzzerreißend und ein großes NEIN für Menschen, die Gewalt nicht ertragen können, weil es undenkbar ist, Gore zu erforschen, aber dies sollte Sie nicht von dem Meisterwerk ablenken lassen, das es ist. Die Kulisse fühlt sich postapokalyptisch an, weil es um überlebenswichtige Handlungspunkte wie Lebensmittelkonservierung, Ruinen der Zivilisation, Geburt eines Menschen, tobende Tiere und das verblasste Monochrom geht.

Die Charaktere wurden aus Draht, Stoff und Holz hergestellt und durch Stop-Motion-Techniken von Anna Solanas und Marc Riba zum Leben erweckt (eine sehr harte Aussage). Trotz seines nihilistischen Tons hat es ein Ende, das dies zu Recht als Märchen einstuft, wobei der „Märchenteil“ so dominant ist wie eine Prise Blut im Ozean. Eine Coming-of-Age-Geschichte, die ein 'R!' Die Bewertung von Vergewaltigung, Arten-Dysphorie, Mord an einem geliebten Menschen, Menschenfressern und abgetrennten Körperteilen ist alles andere als ein Film für Kinder. Technisch gesehen kann es nur durch die Nummer 1 auf dieser Liste mit tadellosen Details zu Produktion und Sounddesign verbessert werden. Jede Narbe ist mit der perfekten Menge an Wahnsinn durchgeschnitten und ein einziger Blick kann die Geschichte dahinter vermitteln.

Als Teo zur Handlung übergeht, überlebt er mit seinem Hund und einem alten Mann (der möglicherweise sein Großvater sein könnte) und findet es schwierig, sich mit der Schwere der Situation auseinanderzusetzen, in der sie stecken. Alles ändert sich, wenn ein Fehler zu seinem führt Der Tod des Wächters an den Kiefern der wilden Hunde, und er muss sich verstärken, um ihn und seinen Hund zu schützen, indem er Eindringlinge tötet. Er wird von einer Frau vergewaltigt, die sich als Hund verkleidet, um zu überleben, und auf Hundefleisch zurückgreifen muss, während sein Hund aufgrund der Widrigkeiten zunehmend unruhig und wild wird und das einzige, was ihn von den anderen Menschenfressern trennt, ist eine bloße Erscheinung. Die Geschichte entfaltet sich in einer noch grotesken und quälenden Phase, die schließlich den Abschluss von Teos Verwandlung in einen Mann anzeigt, der bereit ist, die Welt zu erobern.

11. FUCKKKYOUU

'FUCKKKYOUU' ist ein verstörender surrealistischer Film und ein Beweis für den Einfluss des Lynch-Horrors. In körnigem Monochrom mit verschwommenen Visionen und der Partitur von Flying Lotus, der die Symphonien von „Eraserhead“ spielt, ist dies ein Film, auf den Lynch stolz sein würde. Der Film beginnt mit einer Orientierung, die an Horrorfilme der 30er bis 40er Jahre erinnert, und einer entstellten Kreatur, die „The Elephant Man“ ähnelt. Ich fand es schwierig, eine Theorie zu konstruieren, die die Ereignisse erklärt, und meine Gehirnzellen waren vollständig vom Element der Überraschung angezogen, und ich musste mich auf virtuelle Quellen beziehen. Der Film dreht sich im Wesentlichen um eine humanoide Kreatur, die mit ihrer Identität und ihrem Geschlecht zu kämpfen hat, wenn sie mit Ablehnung konfrontiert wird, die durch wechselnde Zeiträume stattfindet. Die Vergangenheit ist ein Verfall der Realität, nachdem sie durch die Injektion gedreht wurde, die wir am Anfang gezeigt haben.

Der Film ist voller kreischender Schmerzen und heulender Verzweiflung, mit der seelenlosen Musik, die wirklich in der Lage ist, die Scheiße einer vernünftigen Person zu stören. Der Titel des Films ist ein Insider-Witz, der während einer Sitzung auftauchte, in der Flying Lotus zufällig Melodien jammte und einer von ihnen wie „F * ck you“ klang. Es kann auch als der letzte Schrei des mutierten Wesens interpretiert werden, eine passende Antwort auf die Pflanzen, die ihn durchreißen. Da Ihnen die Worte fehlen, kann ich Sie nur bitten, es selbst zu überprüfen, da die Erfahrung spannend ist und Sie möglicherweise nichts daraus machen, aber es wird Ihnen den Verstand sprengen. Verlass dich drauf!

10. Momente schneiden

Ich hätte 'Cutting Moments' wegen seiner höchst verstörenden Grafik und seines Themas etwas höher auf die Liste gesetzt, aber 'The Big Shave' als Hauptinspiration dafür hatte eine größere Wirkung zu einer Zeit, als nur Peckinpah es wagte, das zu verwenden Farbe rot mehr als normal. Cutting Moments dreht sich um eine amerikanische Familie, die von außen normal aussieht. Ein Mann, seine Frau und ihr Sohn leiden jedoch unter Problemen, die eine beträchtliche Anzahl von Familien in der westlichen Gesellschaft plagen und zu Schlagzeilen führen, die Sie zum Zittern bringen.

Sarah und Patrick leben mit unterdrückten Emotionen und bevorzugen die Isolation, wobei Patrick Sarahs Existenz völlig leugnet. Die Kälte zwischen ihnen ist sowohl physisch als auch emotional, wobei Patrick während eines vage dargestellten Ereignisses seinen sexuellen Drang gegenüber seinem Sohn abweicht. Sarah versucht sich erotisch zu verkleiden, um Patrick zu gefallen, aber wenn dieser Versuch fehlschlägt, scheitert auch ihre geistige Stabilität. In einem völlig zusammengebrochenen Zustand gibt sie sich als letztes Mittel einer schweren Selbstverstümmelung hin, auf die Ereignisse folgen, die einfach undenkbar sind und Lars von Triers 'Antrichist' in gewissem Maße beeinflusst hätten.

9. Die große Rasur

Martin Scorseses erster Kurzfilm ist das perfekte Vorwort zu seiner Karriere. Durchsetzt mit seinem typischen katholisch-extremistischen Subtext von Sünde, körperlicher Demütigung und dem inneren Kampf zwischen Glauben und Wirklichkeit, der von Themen wie Gewalt, Strenuosität und Spannung überlagert wird. Der ganze Film spielt in einem Badezimmer und in seiner 5-minütigen Laufzeit handelt es sich bei 'The Big Shave' um einen Mann, der sein Gesicht zweimal einschäumt, einmal mit der Absicht, Gesichtshaare loszuwerden, und das nächste Mal mit der Absicht, sie loszuwerden selbst. Es ist experimentell und es gibt zu viele Nahaufnahmen, als Scorsese normalerweise verwenden würde, aber er bringt es in die richtige Balance zwischen direkter (Spiegel) und indirekter (Rasierklinge) Darstellung der Handlung, was ihm eine Identität verleiht, die sich von einem auffälligen Hippie-Film unterscheidet .

Jetzt werde ich die Handlung diskutieren, da sie als Metapher fungiert, die in ihrem alternativen Titel 'Viet 67' versteckt ist, der im Abspann gezeigt wird. Viet 67 ist ein Hinweis auf den Vietnamkrieg, ein stark kritisiertes Thema während der Zeit, in der ein klares Bild des Krieges gedreht wurde und Präsident Johnson dem Land enthüllt wurde. Die Selbstverstümmelung spiegelt die selbstzerstörerische Beteiligung der USA am Krieg wider, die zum Verlust von 1 Million Amerikanern führte, Männer, die normale Menschen wie das Publikum waren und nur minimale Kenntnisse über die Ereignisse hatten, denen sie sich stellen mussten.

8. Sakramentales Melodram

Absolut ekelhaftes und abscheuliches Stück Kino. Melodrama Sacramental ist eine 17-minütige Aufnahme von Alejandro Jodorowskys gleichnamigem Stück mit seiner Theatergruppe The Panic Movement. Die Gruppe kann als Kult angesehen werden und ihr Motiv war es, das zu erreichen, was Bunuel und Dali in den 20er Jahren taten, indem sie das Publikum schockierten und den Surrealismus wiederbelebten, der zur Kleinbürger geworden war. Darin war vor allem Jodorowsky zu sehen, der als Motorradfahrer verkleidet war, und er zeigte zwei Gänsen die Kehlen, klebte zwei Schlangen an seine Brust und ließ sich ausziehen und auspeitschen. Andere Szenen waren nackte Frauen, die mit Honig bedeckt waren, ein gekreuzigtes Huhn, der inszenierte Mord an einem Rabbiner, eine riesige Vagina, das Werfen lebender Schildkröten ins Publikum und Aprikosenkonserven.

In der Verkleidung der Originalität beinhaltet dieser Kurzfilm Tierquälerei und sexuelle Abstraktion, aber im Gegensatz zu Bunuels Werken ist er so roh, dass er die Kunstform weder schockiert noch ihr surrealistisches Pathos verleiht. Es funktioniert wie 'Human Centipede' oder 'A Serbian Film', sinnlosen physischen Horror zu verwenden, um nichts zu erreichen, und dies ist ein sehr überwältigender Beweis für Jodorowskys ungewöhnlich großartige Vision, die durch 'El Topo' und 'The Holy Mountain' vermittelt wurde. Ich mag es nicht, ich zitiere Rick Blaine 'Wenn ich darüber nachdenken würde, würde ich es wahrscheinlich tun'.

7. Sechs Männer werden sechsmal krank

David Lynch Der erste Film, der mit einem Budget von 200 US-Dollar gedreht wurde, war ein animierter Stop-Motion-Kurzfilm, der ihm beim experimentellen Mal- und Skulpturenwettbewerb seiner Filmschule einen Memorial Award einbrachte. Der Film besteht aus einem animierten Gemälde, das sechs dysmorphe Figuren zeigt, die nacheinander mit dem Klang einer Sirenenschleife im Hintergrund wieder erbrechen. Kritiker haben es als hilfreiches Paradigma für Lynchs Erzählsinn beschrieben, wobei viele auf die Ähnlichkeiten hinweisen, die es mit 'Eraserhead' teilt.

Die eigentliche Handlung (der Einfachheit halber) dauert eine Minute, wobei der Zustand der Figuren transformiert wird, ihre inneren Organe sichtbar werden und ihr Magen mit einer bunten Substanz gefüllt wird, die bis zu ihren Köpfen wandert und sie zum Erbrechen bringt , und dies wird 4 Mal gespielt, um die Laufzeit von 4 Minuten zu berücksichtigen. Beachten Sie die abnormalen Erscheinungen, die Absicht zu ekeln (Erbrechen), die Verwendung von physischem Horror (Darstellung innerer Organe), das boomende Sounddesign, das in seinen früheren Filmen vorhanden war, und der lustige Teil ist, dass einige Zuschauer sich nach dem Anschauen möglicherweise krank oder desorientiert fühlen Dies und Leute, die damit vollkommen in Ordnung sind, so oder so, der Witz liegt bei Ihnen und Sie repräsentieren die sechs Kranken.

6. Liebe existiert

Obwohl Maurice Pialat selbst ein Meister des Kinos ist, hat er sich ebenso weithin bekannt gemacht wie bereits bestehende Filmregeln. Diejenigen, die mit seiner Arbeit vertraut sind, werden jedoch zu schätzen wissen, wie eindeutig sein Einfluss auf unzählige moderne Filme ist. Es ist schwierig, Pialat in eine konkrete Kategorie einzuteilen, da seine Filme in einem Realismus verwurzelt waren, der so unsentimental und emotional dicht war, dass er formalistisch wirkte. Eines seiner frühesten Werke ist der 20-minütige Dokumentarfilm L’Amour Existe, der seinen Kommentar zur Zersiedelung im Nachkriegsfrankreich und dem zugrunde liegenden Klassenkonflikt enthält. Es konstruiert eine Schuss-für-Schuss-Erzählung der schmutzigen Realität der Pariser Entwicklung, wobei die Vororte vernachlässigt werden, mit einem Voice-Over von Jean-Loup Reynold. Pialat hebt mit ausgefeilter Geduld hervor, wie düster das Leben in den Vororten in der Nachkriegszeit war, als Werbung die Realität übernahm und die Menschen ein materialistisches und langweiliges Leben annahmen.

L’amour Existe weist auch darauf hin, dass die Pariser Mittel- und Oberschicht nicht nur akademisch, sondern auch kulturell besser ausgebildet ist, während die Vorstadtkinder keinen Zugang zu Theatern oder Konzertsälen haben. Pialat beschreibt die neuen Wohngebäude, die schnell entstanden, als „Konzentrationslager“ mit winzigen horizontalen Fenstern, von denen aus man nichts sehen kann. Dieser Kurzfilm wurde bei den Filmfestspielen von Venedig und beim Prix Lumieres ausgezeichnet. Maurice Pialat drehte viele brillante Filme wie A Nos Amours und Sous le Soleil de Satan, die in Cannes die Palme d'Or gewannen.

5. Zigaretten und Kaffee

Obwohl Zigaretten & Kaffee nur war P.T. Anderson Beim zweiten Mal hinter der Kamera fühlt es sich in keiner Weise wie die Arbeit eines Amateurs an. Der Film spielt fast ausschließlich in einem Diner, und wir lernen prozedural fünf Charaktere, ihre Geschichten und eine 20-Dollar-Note kennen, die sie verbindet. Es gibt einen angespannten und nervösen Mann, der seine Geschichte erzählt und Hilfe von einem gelasseneren alten Freund sucht, der ganz besonders darauf wartet, bis der Kaffee eingegossen und die Zigaretten angezündet sind, sonst hat das Gespräch keine wirkliche Bedeutung. Am anderen Stand gibt es ein Paar auf Hochzeitsreise, das sein ganzes Geld verloren hat, nachdem die Frau beim Glücksspiel alles in die Luft gesprengt hat. Eine Weile später betritt ein zwielichtiger Mann, der scheinbar nichts mit den anderen zu tun hat, das Restaurant. Wenn jedoch eine 20-Dollar-Rechnung von einem der Charaktere zum anderen gelangt, erfahren wir, dass sie möglicherweise miteinander verbunden sind.

Dieser 23-minütige Kurzfilm hat genug Geschichte für einen Film davor und einen anderen danach. Der Dialog, die Rahmung und die Kameraarbeit im Film zeigen, dass es von jemandem gemacht wird, der genau weiß, was er will. Das auffälligste Merkmal dieses Films ist die Verwendung der Kamerafahrt für Szenenumbrüche. Das Schauspiel in diesem Film ist auch besonders gut. Anderson adaptierte und erweiterte diesen Kurzfilm später zu einem abendfüllenden Spielfilm, 'Hard Eight' - seinem nächsten Projekt.

4. Sechs Schützen

Martin McDonagh, Regisseur von In Bruges and Seven Psychopaths, drehte zunächst einen 27-minütigen schwarzen Comedy-Film in Irland mit dem Titel Six Shooter, der einen Oscar gewann und einer der bekanntesten Kurzfilme überhaupt ist Zeit. Es ist fast überraschend, wie ein Film, der so schwer mit Tod und persönlichem Verlust beladen ist, gleichzeitig so lustig und ausdrucksstark ist. Der Kurzfilm ist extrem gut gemacht und intelligent, so dass sich der Humor sowohl von amerikanischen als auch von britischen Marken der schwarzen Komödie unterscheidet. Es folgt ein alternder Mann, Donnelly, der gerade seine Frau verloren hat und auf der Zugfahrt vom Krankenhaus zurück mit einem wilden Teenager sitzt, dessen Mutter gerade gestorben ist. Neben ihnen sitzt ein düsteres Paar, das gerade sein neugeborenes Kind verloren hat.

Diese scheinbar düstere Kulisse nimmt jedoch bald eine dunklere Wendung und die Dinge werden gleichzeitig chaotischer und lustiger, mit Enthüllungen von Mord, Selbstmorden, Feuergefechten mit der Polizei, explodierenden Kühen und Todesfällen bei Haustieren. Jeder, der mit McDonaghs anderen Filmen vertraut ist, braucht keine weiteren Gründe, um dieses Meisterwerk zu sehen. Dieser Film ist jedoch auch ein Muss für jeden, der eine intelligente Schwarzkomödie mag, was einfach jeder bedeutet.

3. Eine Kokettenfrau

Jean-Luc Godard, der wahrscheinlich produktivste aller New Wave-Regisseure, macht seit den 1950er Jahren Filme mit dem gleichen Erfindungsreichtum wie immer. Bisher hat er über hundert Filme gedreht, darunter Contempt, Breathless und Band of Outsiders. Doch Godard begann seine Regiereise 1955 mit einem weniger bekannten Kurzfilm, Une Femme Coquette. Basierend auf einer Geschichte von Maupassant folgt der 9-minütige Schwarz-Weiß-Kurzfilm einer verheirateten Frau, mit der sie plötzlich versucht ist, zu flirten Ein Fremder, nachdem er eine Prostituierte gesehen hatte, zog anmutig stehende Männer aus einem Fenster über der Straße an. Sie ist äußerst beeindruckt von der anmutigen Art und Weise, wie die Frau Fremde anzieht - mit einem lässigen, aber einladenden Lächeln, das genauso gut „Was für ein schöner Tag!“ Bedeuten könnte.

Nachdem sie dies gesehen hat, beschließt sie impulsiv, den nächsten Mann, den sie sieht, kokett anzulächeln. Une Femme Coquette erinnert an andere frühe Werke von Godard - mit einem optimistischen Soundtrack, der von artikulierten Dialogen, Weitwinkelaufnahmen und etwas schnellem Schnitt angetrieben wird. Es wurde angenommen, dass der Film lange Zeit verloren war, bis er kürzlich auf YouTube auftauchte. Der Kurzfilm enthält auch einen Cameo-Auftritt eines 24-jährigen Godard, der für Cinephiles Grund genug sein sollte, sich das anzuschauen. (Schau es dir an Hier )

2. Straßenbahn

Krzysztof Kieslowski machte Tramwaj zu einem der besten Kurzfilme, als er noch Student an der Filmschule war. In diesem 5-minütigen Film folgen wir einem jungen Mann in einer Winternacht, während er in eine Straßenbahn steigt, in der er ein schönes junges Mädchen bemerkt, das alleine sitzt. Ihre Augen treffen sich, das Mädchen scheint sich anfangs unwohl zu fühlen, erwärmt sich aber langsam auf seine Anwesenheit, als er die Straßenbahntür schließt und sieht, wie die Luft sie kalt macht und dann kindisch anfängt, einen Zuckerwürfel zu kauen. Bevor jedoch etwas passieren kann, erreicht die Straßenbahn die Haltestelle des Mannes und steigt aus. Er bedauert es sofort, einen so günstigen Moment verpasst zu haben und ist überwältigt von dem Wunsch, sich dem Mädchen zu nähern. Er rennt hinter die Straßenbahn und hofft, sie zu fangen. Am Anfang hatten wir den Mann alleine in einem Club stehen sehen, in dem alle tanzen, und er scheint keine gute Zeit zu haben. Er hat wahrscheinlich kein großes Glück mit den Damen, weshalb er ein starkes Gefühl der Klage und damit seines impulsiven Laufs verspürt haben muss.

Fast jeder Benutzer hat mindestens einmal eine ähnliche Wärme empfunden, als er einen zufälligen Fremden sah, jemanden, der anders ist als die anderen, jemanden, der so ansprechend ist, dass wir ihn kennenlernen möchten. Dieselbe Situation drückte auch Herr Bernstein in Citizen Kane aus, als er erzählt, wie er sich noch an ein Mädchen erinnert, das er in jungen Jahren für eine Sekunde gesehen hatte und das ein weißes Kleid auf einer Fähre trug. Was den Kurzfilm neben der Handlung interessant macht, sind die meisterhaften Fähigkeiten von Kieslowski hinter der Kamera und sein großes Talent zum Geschichtenerzählen. Kieslowski hat sich seitdem zu einem der größten Namen im Arthouse-Kino entwickelt und großartige Werke wie The Dekalog und die Trois Couleurs-Trilogie gemacht.

1. Ein andalusischer Hund

Der andalusische Hund ist eine Rasse mit Ursprung in Spanien, dem Geburtsort von Luis Bunuel und Salvador Dali, den beiden Schöpfern dieses monumentalen Kurzfilms. Auf der Iberischen Halbinsel gibt es Höhlenmalereien, die Hunde darstellen, die dieser Rasse stark ähneln, und ehrlich gesagt ist das Element der verschwommenen Realität aus Höhlenmalereien das einzige, was der Film aus der Existenz des andalusischen Hundes entlehnt. Obwohl die surrealistische Bewegung bereits in den 20er Jahren begonnen hatte, gelang es ihr nicht, weltweite Aufmerksamkeit zu erregen, und Bunuel-Dali erreichte dies, indem er das Publikum mit Bildern schockierte, die nichts als die Unterdrückung der Kreativität symbolisierten.

Von der ersten Nahaufnahme an, in der Bunuel selbst das Auge einer Frau mit dem verschütteten Glaskörper schneidet, der Ihr Gehirn bis zum letzten Bild eines toten Paares bewegt, das im Strandsand vergraben ist, lässt der Film seine Intensität nie ein einziges Mal fallen Wenn man über das absurde Muster von Szenen streiten möchte, die dieser Sache helfen, ist es wichtig zu bemerken, wie sie so angeordnet sind, dass sie eine günstige Kontinuität erhalten. Die Techniken und Bilder des Körperhorrors in den meisten Szenen wurden untersucht und in unzähligen anderen Filmen angewendet, die auf Träumen oder Themen des Grauens basieren. Die bemerkenswertesten Beispiele sind 'Oldboy', 'Spellbound', 'Quills' und 'The Blood of a Poet'. Obwohl eine Vielzahl von Kritikern verschiedene Theorien angewendet hat, um die Ereignisse des Films zu erklären, beschränken sie sich auf das Wort „Theorie“, wobei Bunuel jede plausible Erklärung dafür auslacht.