Die 10 besten Filme ohne Plot oder Storyline

Es gibt Geschichten, die brauchen keine Handlung. Früher oder später erheben sie sich über die Verwirrung und entwirren ihre Geheimnisse in einer Reihe von Worten. – Patrice Nganang. Wann immer Sie jemanden sagen hören: Mann, dieser Film hatte überhaupt keine Handlung! Die Annahme ist, dass der Film scheiße ist. Und das gilt im Allgemeinen auch. Allerdings nicht immer.

Ein Plot ist ein literarischer Begriff, der die Reihenfolge der Ereignisse in einer Geschichte (die über ein beliebiges Medium erzählt wird) durch eine zusammenhängende Sequenz definiert. Die Ausarbeitung einer Handlung ist einer der ersten Schritte beim Filmemachen und ein sehr wichtiger. Viele visionäre Regisseure haben einfache Geschichten außergewöhnlich gemacht, indem sie einfach die Handlung optimiert haben (Nolans „Memento“ oder Gaspar Noés „Irréversible“ sind gute Beispiele). Aber dann gibt es diese Filmemacher, die die konventionelle Sichtweise des Filmemachens mit einer zusammenhängenden Handlung über Bord werfen und es dennoch schaffen, Cinephile zu fesseln, sei es mit surrealen Bildern, nachdenklichen Dialogen, charismatischen Charakteren oder allem zusammen. Hier ist eine Liste der Top-Filme ohne Handlung oder Handlung.

10. Kaffee und Zigaretten (2003)



„Coffee and Cigarettes“ ist ein Anthologiefilm, der aus 11 Segmenten besteht, die durch, Sie haben es erraten, Kaffee und Zigaretten miteinander verbunden sind. Das Thema des Films ist die Versenkung in die Obsessionen, Freuden und Süchte des Lebens. Die kurzen Schwarz-Weiß-Vignetten bauen aufeinander auf, um einen kumulativen Effekt zu erzeugen, während die Charaktere über Dinge wie Koffein-Eis am Stiel, Paris in den 1920er Jahren und die Verwendung von Nikotin als Insektizid sprechen – und das alles, während sie herumsitzen, Kaffee trinken und Zigaretten rauchen.

Mehr als die Titelvergnügen, gibt es unzählige Gemeinsamkeiten zwischen Vignetten, wie die Tesla-Spule, medizinisches Wissen, die Andeutung, dass Kaffee und Zigaretten keine gesunde Mahlzeit (im Allgemeinen Mittagessen), Cousins, Delirium, Missverständnisse, Musiker, die Ähnlichkeiten zwischen Musikalität und medizinischem Können, Industriemusik, anerkanntem Ruhm und der Idee, vor dem Schlafen Kaffee zu trinken, um schnelle Träume zu haben. In jedem der Segmente des Films ist das gemeinsame Motiv abwechselnder schwarzer und weißer Kacheln in gewisser Weise zu sehen, was das Thema zwischenmenschlicher Kontraste betont, da jede Vignette zwei Personen zeigt, die völlig anderer Meinung sind und es dennoch schaffen, freundschaftlich an einem Tisch zu sitzen . Eine einzigartige Anstrengung in mehr als einer Hinsicht.

9. Seil (1948)

Dieses Unterfangen von Alfred Hitchcock wird oft von den späteren unvergleichlichen, spannenden Meisterwerken überschattet, die der visionäre Autor schuf. Und das ist beschämend, denn während Titel wie „Vertigo“ oder „Psycho“ ungebremsten Nervenkitzel bieten, fängt „Rope“ die greifbare Spannung ein, indem er die Manierismen zweier Mordtäter in Echtzeit während einer abendlichen Dinnerparty zeigt.

In „Rope“ erwürgen zwei brillante junge Ästheten, Brandon und Phillip, ihren ehemaligen Klassenkameraden David in ihrer Wohnung als intellektuelle Übung; ihre Überlegenheit beweisen wollen, indem sie den perfekten Mord begehen. Anschließend veranstalten sie eine kleine Dinnerparty. Zu den Gästen gehören Davids Vater, seine Verlobte und ihr Professor, der mit den beiden einst über die intellektuellen Konzepte von Nietzsches „Übermensch“ und De Quinceys Mordkunst diskutiert hatte. Ihre anfängliche Selbstgefälligkeit mündet schnell in Hysterie, und hier entfaltet Hitchcock seine vertrackte technische Brillanz, die den Höhepunkt des Films darstellt.

Der Film besteht aus mehreren langen Einstellungen und hat seltene Schnitte, da die Kamera kontinuierlich schwenkt und direkt in Objekte hineinfährt, wobei Schnitte maskiert werden, um eine Illusion von kontinuierlichen Aufnahmen zu erzeugen. An einem Punkt fokussiert die Kamera anderthalb Minuten lang auf ein lebloses Objekt, in dessen Nähe sich nur eine sichtbare Figur hin und her bewegt, was es in Spannung versetzt und selbst die ruhigsten und gesammeltesten Zuschauer am Rand ihres Sitzes zurücklässt. ihre Nägel beißen. John Dalls Interpretation des hochnäsigen Brandon und Jimmy Stewarts übliche virtuose Darbietung sind ein würdiger Bonus. Ein Muss für jeden Cinephilen.

8. Schlaff (1991)

Das Debüt von The Ambassador of Cinema Beyond Plot Richard Linklaters „Slacker“ folgt einem einzigen Tag im Leben eines Ensembles von meist unter 30-jährigen Bohemiens und Außenseitern in Austin, Texas. Der Film folgt verschiedenen Charakteren und Szenen und bleibt nie länger als ein paar Minuten bei einem Charakter oder Gespräch, bevor er jemand anderen in der Szene aufgreift und ihm folgt. Zu den Charakteren gehören Linklater als gesprächiger Taxifahrer, ein UFO-Fan, der darauf besteht, dass die USA seit den 1950er Jahren auf dem Mond sind, ein JFK-Verschwörungstheoretiker, ein älterer Anarchist, der sich mit einem Mann anfreundet, der versucht, sein Haus auszurauben, ein Sammler von Fernsehserien, und eine Hipster-Frau, die versucht, einen Madonna-Abstrich zu verkaufen.

Die meisten Charaktere kämpfen mit Gefühlen sozialer Ausgrenzung oder politischer Marginalisierung, die wiederkehrende Themen in ihren Gesprächen sind. Sie diskutieren über soziale Klasse, Terrorismus, Arbeitslosigkeit und die staatliche Kontrolle der Medien und bieten so nah wie möglich einen Einblick in das Leben. Als weltweit erster Vorgeschmack auf das zerstreute Genie von Linklater (der hier noch zweimal zu sehen ist), ist „Slacker“ originell, witzig, unerwartet und unaufhörlich fesselnd.

7. Verloren in der Übersetzung (2003)

Sofia Coppolas „Lost In Translation“ kann fast als Liebesgeschichte bezeichnet werden. Als Reflexion darüber, wie entfremdende Umgebungen unwahrscheinliche Menschen zusammenbringen und unerwartete, intensive Beziehungen schmieden können, beschwört es auch die süße Qual unausgesprochener Gefühle mit Wahrnehmungsvermögen und Reife herauf. Zugleich ist es ein humorvoll beobachtender und kühl amüsierter Blick auf das Japan der Gegenwart (das manchmal ans Klischee grenzt) und wie ein Ausländer damit umgeht.

Bob Harris ( Bill Murray ) als alternder Schauspieler in einer unglücklichen Ehe und Charlotte ( Scarlett Johansson ) als 25-jährige Philosophie-Absolventin, die das Gefühl hat, dass ihrem Leben die Richtung fehlt, sind die beiden großen Kernstücke dieses Puzzles, wenn sie sich kreuzen immer wieder in der fremden Stadt Tokio, bis sie sich schließlich über ihre Verwirrung darüber einig sind. Und von hier aus entwickelt dieses ungleiche Paar eine seltsame, fast unbeschreibliche Bindung, die im gesamten Film erforscht wird. Und Murray und Johansson spielen ihre Rollen geschickt mit Subtilität und Zurückhaltung und erheben so diesen Film von einem stimmungsvollen Gesprächsstück zu einem verwöhnenden Erlebnis mit einer soliden emotionalen Bandbreite.

6. Die gerade Geschichte (1999)

1999 machte David Lynch eine Pause von seinen charakteristischen surrealistischen Filmen, um dieses biografische Drama zu schaffen, das im Wesentlichen dem alten Alvin Straight folgt, der 240 Meilen mit einem John Deere-Rasentraktor fuhr, um seinen Bruder wieder gut zu machen, der einen Schlaganfall erlitten hatte. Bevor Sie hastig nach unten scrollen und denken: Wie kann ein alter Mann, der 200 Meilen auf einem Rasenmäher fährt, zu einem guten Kino führen? Lassen Sie mich Sie unterbrechen und sagen, dass genau darin die uncharakteristische Brillanz von „A Straight Story“ liegt.

Ja, wahrscheinlich werden Sie zu Beginn von Alvins Reise nicht die Mühe machen, über den langsam fahrenden alten Mann hinauszublicken, aber als die wunderschöne ländliche Landschaft, der sanfte Soundtrack, die Begegnungen mit einer Mischung aus bizarren und freundlichen Fremden auf dem Weg (einige so Art, Sie würden nicht glauben, dass sie echt sind, wenn Sie nicht wüssten, dass dies eine wahre Geschichte ist) und vor allem Alvins Vergangenheit lösen sich auf, der Film wird zu einer intimen Angelegenheit, und Sie ertappen sich fast dabei, Straight zuzujubeln, als er seine erreicht Ziel. Auch die Dialoge, die nie an Philosophisches grenzen, hinterlassen bleibende Spuren. Und die einfache, schöne und nicht allzu sentimentale Art und Weise, wie es endet, ist herzerwärmend. „A Straight Story“ wächst einem ans Herz.

5. Der Frühstücksclub (1985)

Wer hätte gedacht, dass einer der berühmtesten Coming-of-Age-Filme aller Zeiten nur einen Schultag dauert? Fünf Teenager aus fünf Highschool-Cliquen in einer Haft. Das ist die gesamte Handlung von „The Breakfast Club“, aber es ist ein herzlicher, aufschlussreicher Einblick in das verkorkste Leben aller Teenager, seien sie die Schönheitskönigin, ein Bücherwurm, ein Sportler, ein Ausgestoßener oder der Rebell, der macht das ist ein Klassiker der 80er.

Das Hauptthema des Films ist der ständige Kampf eines Teenagers, von Erwachsenen und von sich selbst verstanden zu werden. Es untersucht den Druck, der auf Teenager ausgeübt wird, sich in ihre eigenen Bereiche der sozialen Konstrukte der High School einzufügen, sowie die hohen Erwartungen ihrer Eltern, Lehrer und anderer Autoritätspersonen. Oberflächlich betrachtet haben die Studenten wenig gemeinsam. Doch während der Tag voranschreitet und die offensichtlichen Klischees aufgebrochen werden, fühlen sich die Charaktere in die Kämpfe der anderen ein, verwerfen einige der Ungenauigkeiten ihrer ersten Eindrücke und entdecken, dass sie sich mehr ähneln als unterscheiden, was den Betrachter mit einem verschwommenen Gefühl zurücklässt , gutes Gefühl und einen anderen Blick auf Typecasts mit nach Hause nehmen.

4. Benommen und verwirrt (1993)

Linklaters Zweitwerk „Dazed and Confused“ tat für die 1970er das, was George Lucas „American Graffiti“ für die 1960er tat, John Hughes „The Breakfast Club“ für die 1980er und „The Perks of Being A Wallflower“ für die 1980er die 2000er – geben eine treffende Darstellung der Teenager-Psyche. Aber keiner davon schafft es, so gut zu sein wie „Dazed and Confused.“ Der Film folgt einer Gruppe von Highschool-Teenagern (und Matthew McConaughey) im Laufe einer Nacht nach dem letzten Tag der Highschool im Jahr 1976 in Texas .

Während „Dazed and Confused“ strukturell nicht so mehrdeutig ist wie „Slacker“, tummelt es sich von Ort zu Ort, als wäre die Kamera eine Person, die mit den Teenagern rumhängt und den Betrachter mitnimmt. Mit der genauen Darstellung von Highschool-Riten, für die jeder Amerikaner, der in den 70er Jahren zur Schule ging, bürgen würde (wenn IMDB geglaubt werden darf), einer exzellenten Ensemblebesetzung, von denen viele heute Stars sind, zitiert McConaughey Einzeiler bis heute ( Alright, Alright Alright!) und einem Killer-Rock-Soundtrack, der 70er-Klassiker-Rock-Liebhaber zum Fangasmus machen würde (dafür kann ich mich verbürgen!), ist „Dazed and Confused“ ein weiterer von Linklaters aufmerksamen Juwelen.

3. Der Baum des Lebens (2011)

„Im Jahr 2011, wann 'Der Baum des Lebens' Erstmals bei den Filmfestspielen von Cannes uraufgeführt, teilte er das Publikum mittendrin. Einige nannten es ein Meisterwerk, während andere es als ein übermäßig nachsichtiges Experiment bezeichneten. Aber schon bald erlangte die Schönheit des Films begeisterte Anerkennung. Gewinner der Goldenen Palme in Cannes. Einer von nur drei Filmen aus dem 21. Jahrhundert, die es in die Top 150 des Films geschafft haben Sight and Sound Liste der besten Filme aller Zeiten . Platziert in der Liste des legendären Kritikers Roger Ebert Top 10 der besten Filme aller Zeiten . Dieser Film hat alles erreicht. Und der Grund dafür ist, dass „The Tree of Life“ wie guter Wein mit zunehmendem Alter besser wird. Jedes erneute Ansehen bringt eine neue Wahrnehmung darüber hervor.

The Tree of Life“ taucht in die Gedanken von Jack O’Brien ( Sean Penn ), einem Architekten in Houston, ein, der über seine Kindheit in Waco nachdenkt, durchsetzt mit surrealen Bildern über den Ursprung des Lebens, die so eindrucksvoll sind, wie visuelle Poesie es kann werden. Und durch die Erinnerungen an Jacks liebevolle und fürsorgliche Mutter, seinen disziplinierten Vater und das Wachstum seines jüngeren Bruders führt uns Regisseur Terrence Malick in unser eigenes nostalgisches Paradies. Diese einfache Erinnerung wird durch Malick noch verstärkt, der (mit seinem unglaublichen Kameramann Emmanuel Lubezki) den Ursprung des Universums, die Evolution des Menschen und sogar eine Vision von Gott auf lebendige, fantasievolle Weise erforscht. Tatsächlich ist jeder Rahmen von „Der Baum des Lebens“ so sorgfältig gefertigt, dass Sie jede Szene anhalten und diesen Rahmen an Ihre Wand hängen können. Und es nicht mit einer konventionellen Handlung zu verzetteln, war eine Meisterleistung von Malick.

2. Vor Sonnenuntergang (2003)

Richard Linklater scheint, wie unser vorheriger Eintrag, mit dem Alter einfach besser zu werden. Und die chronologische Positionierung seiner drei Einträge auf dieser Liste ist ein treffender Beweis. Nachdem er die beiden Kultklassiker gedreht hatte, über die wir zuvor gesprochen hatten, startete Linklater eine Troika von Filmen, die neu definierte, wie Romantik im Kino präsentiert wird. „Before Sunset“ ist der zweite und weithin als der beste dieser meisterhaften Trilogie.

Neun Jahre nach den Ereignissen von „Before Sunrise“ (der an sich schon fesselnde Dialoge im Mittelpunkt hatte und daher schwer zu toppen war) bringt „Before Sunset“ Jesse (Ethan Hawke) und Celine (Julie Delpy) wieder zusammen, die es gerade getan haben eine Stunde Zeit, um über ihr Leben seit jener einen Nacht vor neun Jahren zu sprechen. Sie sind jetzt älter und klüger, wodurch ihre Konversation irgendwie vertieft wird, und Linklater gibt sogar der Landschaft, die sie umgibt, eine subtile Bedeutung. Hawke und Delpy übertreffen sich ebenfalls selbst, indem sie mühelos den intimen Ton der Gespräche tragen, vielleicht beflügelt durch die Tatsache, dass sie den Dialog mitgeschrieben haben. Daher ist diese in Echtzeit gezeigte Gesprächsstunde so fesselnd, wie es sich jeder dicht gesponnene Thriller erhoffen würde.

1. 12 wütende Männer (1957)

Stellen Sie sich einen Film vor, der fast ausschließlich in einem begrenzten Gerichtssaal gedreht wurde, in dem bis zum Schluss keine Charakternamen erwähnt und Gespräche geführt werden und in dem nur 12 Männer darüber streiten, ob sie einen Angeklagten (der als „der Junge“ bezeichnet wird) freisprechen oder verurteilen sollen. Die meisten von uns werden nicht allzu begeistert sein, bevor sie es sich ansehen. Aber „12 Angry Men“ verstärkt seinen Drama-Quotienten von Anfang an und hält den Zuschauer für immer in den Kampf der Persönlichkeiten vertieft.

Was als offener Mordfall beginnt, wird bald zu einer Detektivgeschichte, die eine Reihe von Hinweisen präsentiert, die Zweifel aufkommen lassen, und ein Mini-Drama der Vorurteile und Vorurteile der Geschworenen über den Prozess, die Angeklagten und einander. Und obwohl der Schauplatz nie den Gerichtssaal verlässt, macht der Kampf zwischen rohen menschlichen Emotionen es zu einem fesselnden Thriller. Und schauspielerische Höchstleistungen aller Beteiligten schaden auch nicht. „12 Angry Men“ ist ein ikonisches Gerichtssaal-Drama, das Wunder wirkt, ohne auch nur eine Handlungssequenz zu haben, und ihm somit einen verdienten Platz an der Spitze dieser Liste verschafft.

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