Die 15 am meisten unterschätzten Filmregisseure aller Zeiten

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Es ist sehr schwierig, einen Regisseur zu finden, der objektiv als unterschätzt angesehen werden kann. Der Kontext kommt ins Spiel, und es gibt viele Faktoren, die die Leute ansprechen werden, um über diesen Status zu streiten. Daran ist nichts auszusetzen, da es immer wieder erfreulich ist, Leute zu finden, die die Arbeit einiger weniger bekannter Filmemacher anerkennen. In dieser Liste werde ich eine sehr verallgemeinerte Welt als Bezugsrahmen betrachten, die Spielberg als den Gott des Kinos und The Shawshank Redemption als den größten Film betrachtet, der jemals gedreht wurde. Ich habe auch nicht vor, es herabzusetzen, aber ich glaube, dass es in dieser äußerst vielfältigen Welt der Filme immer zu früh ist, jemanden als den Besten zu bezeichnen und dabei nicht Ihren eigenen Geschmack herauszufordern, die entferntesten Ecken des Kinos zu erkunden. Alle diese Filmemacher haben dem Innovationsprozess einen entscheidenden Vorteil verliehen und damit ihr Erbe in den Herzen begeisterter Filmfans gefestigt. Vor diesem Hintergrund finden Sie hier die Liste der am meisten unterschätzten Regisseure.

15. Satoshi Kon

Zu sehende Filme: Paprika, The Perfect Blue, Millenium Actress

Ich erinnere mich, wie ich vor einem Monat 'The Perfect Blue' gesehen habe und wie sehr es mich an David Lynchs Meisterwerk 'Mulholland Drive' erinnerte. Obwohl seine Ausführung gegen Ende sehr hartnäckig wird und die Subtilität verliert, die es verspricht, bleibt es eine schreckliche Charakterstudie seines Protagonisten und Kon's zerebralen Könnens. Ich glaube, Kon glaubte nicht so sehr an das Studium des Surrealismus wie an Träume. Seine Filme sind von Symbolik geprägt, verwenden sie jedoch nie, um die bildende Kunst zu überschreiten, indem sie seine kreativen Grenzen ins Unendliche verschieben. Er hat bewiesen, dass man unter den Konstrukten des traditionellen Geschichtenerzählens arbeiten und jede Zeile in einem Drehbuch verwenden kann, um eine Geschichte für sich zu erzählen, was zu einer unglaublich komplexen Form der Struktur führt, ohne die Erzählung durcheinander zu bringen.

14. Jim Jarmusch

Zu sehende Filme: Paterson, Fremder als das Paradies, Geisterhund: Der Weg der Samurai

Obwohl Jim Jarmusch der Prinz der unabhängigen Filmindustrie in Amerika war, bleibt fast die gesamte Filmografie selbst unter dem Radar des amerikanischen Publikums unbemerkt, da sie sowohl im Film als auch in der realen Welt minimalistisch sind. Er ist ein Mann, der die Essenz der Zeit, in der er lebt, durch irgendetwas Akustisches oder Visuelles ausatmet, sei es der Billboard # 1-Track, den sein Charakter in seinem Auto spielt, oder die tausendjährigen Tendenzen, die die Frau seines Protagonisten darstellt.

13. Claire Denis

Zu sehende Filme: Weißes Material, 35 Schuss Rum, Schokolade

Ich liebe Claire Denis, weil sie sich von der modernen Autorin unterscheidet. Sie haben entweder jemanden, der völlig poetisch ist, oder jemanden, der von soliden Drehbüchern lebt. Bis zu einem gewissen Grad hat Denis wie Chantal Akerman die Kontrolle über beide Aspekte. Nachdem sie ihre Kindheit im kolonialen Afrika und ihre Jugend in französischen Vororten verbracht hat, sind ihre Filme von den Auswirkungen des Krieges auf dem Kontinent und Fragen der Rassendifferenzierung geprägt. Der Fokus liegt nie auf einer einzelnen Geschichte oder einer Figur, während wir in einem Claire Denis-Film durch Kulturen, Landschaften, Klänge, Probleme und Identitäten reisen.

12. Lisandro Alonso

Zu sehende Filme: The Dead, Liverpool, Jauja

Sie finden keine Filmemacher wie Lisandro Alonso mehr. Menschen, die glauben, dass es im Kino nichts Mächtigeres gibt als Bilder. Ein gelegentlicher Zuschauer würde es sehr schwierig finden, seine Arbeit zu tolerieren, da seine Filme kaum aus Dialogen bestehen und jede Szene mindestens eine Minute lang atmet, und dies beinhaltet keine langen Einstellungen. 'The Dead', 'Liverpool' und 'Jauja' sind alle Roadmovies, und Alonso verwendet Reisen als Metapher für die Erkundung. Seine Figuren reisen durch Sümpfe, Schnee, Felder und Orte, zu denen sie einst gehörten. Es gibt keine Selbsterkundung, seine Charaktere existieren im Moment und das einzige, was offenbart wird, sind ihre rudimentären Emotionen.

11. Victor Erice

Zu sehende Filme: Der Geist des Bienenstocks, La Morte Rogue, El Sur

Als Horrorfanatiker erhielt ich aus Victor Erices Debütfilm 'Der Geist des Bienenstocks' eine Stunde der Stille und des Abstiegs in die Selbstdunkelheit. Was ich gerade erlebt hatte, war eine sensorische Form der Teleportation in eine Welt, die so unschuldig war, dass selbst der schreckliche Unterton des Films sich einfach boshaft anfühlte und sonst nichts. In einer Karriere von mehr als 40 Jahren ist er wahrscheinlich der am wenigsten produktive Künstler auf dieser Liste, aber es ist nicht überraschend, wenn man bedenkt, wie persönlich seine Arbeit ist. Was mich überrascht, ist, wie er jeden Rahmen als neue Leinwand behandelt und versucht, die Wirkung jedes Objekts auf dem Bildschirm zu verschönern. Seine besondere Verwendung der Stille gibt dem Publikum ein beruhigendes Gefühl der Freiheit, die oben genannte Technik zu beobachten.

10. Maya Deren

Zu sehende Filme: Maschen des Nachmittags, Die Wiege der Hexe, Meditation über Gewalt

Ich glaube nicht, dass Maya Derens Arbeit so avantgardistisch war wie sie selbst. Sie ist wahrscheinlich die Verkörperung der Phase, in der die Menschheit den Drang erreicht, jedes Verlangen auszudrücken, das sich in ihrem Unterbewusstsein aufbaut. Jedes Verlangen, das von der Welt gemieden wird, weil es nicht den Normen oder dem organisierten Funktionieren der Welt entspricht. Deren experimentierte mit allem; Erzählungen, Kontinuität, Kameratechniken, visuelles Geschichtenerzählen und vor allem Schnitt. Ihre bekannteste Arbeit, 'Meshes of the Afternoon', auch ihr erstes Stück, wirkt wie eine Trance, die sich wie die Gedanken in Ihrem Kopf dreht und verdreht, wenn Sie mit verschiedenen Objekten interagieren.

9. Shohei Imamura

Zu sehende Filme: Die Ballade von Narayama, Die Pornografen, Die Insektenfrau

Shoehei Imamura war eine weitere prominente Figur der japanischen New Wave und ist der einzige japanische Regisseur, der zwei Palme d'Ors gewann. Während der Zeit, in der sich die meisten zeitgenössischen Regisseure seiner Region für die Energie hinter Samurai- und Jidaigeki-Filmen interessierten, war Imamura von der rohen Sinnlichkeitszucht unter der dekorierten Fassade der japanischen Gesellschaft geblendet. Der Krieg zerstörte Japan, und Imamura wagte es, die unvermeidliche Verwirrung aufzudecken, die die Menschen übersehen wollten, einschließlich der Produktionshäuser. Mit Filmen wie 'The Insect Woman' und 'The Pornographers' traf Imamura Themen wie Prostitution und unerschlossene Sexualität.

8. Chantal Akerman

Zu sehende Filme: Jeanne Dielman, I You He She, Hotel Monterey

Chantal Akerman ist wahrscheinlich die einflussreichste Filmemacherin aller Zeiten. Sie setzt den Avantgarde-Stil ihrer Vorgänger Maya Deren und Alice Guy-Blache fort und verbindet ihn mit einer starken Erzählung und einem hypnotischen Sinn für Rahmung. Ihr Ansatz beinhaltete die Betonung einer bestimmten Zeit und eines bestimmten Raums und wie die Bewohner davon betroffen sind, daran gebunden zu sein. Dies zeigt sich hervorragend in der Verwendung von Küchen und Räumen in ihren Filmen, während sie die Mauern zwischen Domestizierung und Urbanisierung des eigenen Selbst erforscht.

7. Michael Powell und Emeric Pressburger

Zu sehende Filme: Peeping Tom, Leben und Tod von Colonel Blimp, Black Narcissus

Es ist unmöglich, einen von ihnen zu verlassen, während über einen diskutiert wird. Also werde ich ihre gesamte kollektive Filmographie betrachten. Zusammen ist ihre Filmografie wahrscheinlich die vielfältigste Sammlung von Filmen, die Ihnen jemals begegnen werden, von Komödien über romantische Dramen bis hin zu Horror. Der bemerkenswerteste Aspekt ist jedoch ihre Kinematographie auf der 3-Streifen-Technicolor, die revolutionär war. Pressburger war der Drehbuchautor und überwachte die Bearbeitung, während Powell den größten Teil der Regie übernahm. Ihrer Arbeit wurde aufgrund ihrer unedlen Themen nicht die Bedeutung beigemessen, die sie verdient, und über Jahrzehnte hat das Interesse nach Zitaten von Scorsese, Copoola und anderen New Wave-Regisseuren exponentiell zugenommen.

6. Frantisek Vlacil

Zu sehende Filme: Marketa Lazarova, Adelheid, Das Tal der Bienen

Ich muss Criterion dafür danken, dass er mich sowohl der „Marketa Lazarova“ als auch ihrem Direktor Frantisek Vlacil vorgestellt hat. 50 Jahre nach der Veröffentlichung des ersteren bleiben beide Namen unberührte Denkmäler in der Vergangenheit und Gegenwart des europäischen Kinos. Ich finde Ähnlichkeiten in seiner Vision und in Tarkovskys, da beide das Kino als visuelle Poesie betrachteten. Als Geschichtsstudent und Einheimischer der Tschechoslowakei hatte er ein starkes Gespür für die Probleme, die das mittelalterliche Europa plagten. Seine Bilder sind sehr metaphorisch und beschäftigen sich mit Themen der individualistischen Freiheit, Orthodoxien, Aufstieg und Fall von Kulturen und den damit verbundenen Dogmen. Wie Tarkovsky wurde seine Arbeit immer von den kommunistischen Kräften des Landes unter die Lupe genommen.

5. Mario Bava

Zu sehende Filme: Schwarzer Sonntag, Kill Baby Kill, Blut und schwarze Spitze

Jedes Mal, wenn ich mich in einem Filmkreis befinde, ist es, als würde ich in einem Schlachtfeld gefangen, außer dass es keine Kugeln gibt, sondern die Namen europäischer Regisseure. Und obwohl ich das Makabre immer geliebt habe, hat es keinen Einfluss auf meine Enttäuschung, dass ein Name fehlt, und das ist Mario Bava. Der italienische Maestro nahm die Stelle auf, an der Hitchcock abgereist war, und hüllte Geheimnisse in samtige Lichter und lustvolle Rache. Es ist sehr schwierig, einen so facettenreichen Künstler wie Bava zu finden, da der Mann in seinem Heimatland die Kinematographie, Spezialeffekte, Regie, Drehbücher und Eastmancolor revolutionierte, die sich schließlich in ganz Europa ausbreiteten.

4. Frederick Wiseman

Zu sehende Filme: Titicut Follies, The Last Letter, Boxing Gym

Wahrscheinlich war Frederick Wiseman dazu bestimmt, an dem Tag übersehen zu werden, an dem er sich entschied, der Realität nachzugehen. Die meisten von uns sind so betroffen von den Launen der Situationen, mit denen wir im wirklichen Leben konfrontiert sind, dass wir sie in phantasierten Welten auf 50 Fuß breiten Kinoleinwänden betrachten. Wisemans Vision ist nicht nur seine, sondern auch die von Menschen, die nicht das Privileg haben, ihre zu vermitteln. Kein Film kann objektiv unvoreingenommen sein, und sein Standpunkt darüber, wie jede Minute, die Sie drehen, einer unausweichlichen Prüfung und Voreingenommenheit unterzogen wird, weil er bestimmte Verpflichtungen hat, sich daran zu halten, spricht Bände über seine Arbeitsethik.

3. Jean Cocteau

Zu sehende Filme: Die orphische Trilogie

„Wenn ich einen Film mache, ist es ein Schlaf, in dem ich träume.“ - Jean Cocteau. Wir haben gesehen, dass Lynch, Fellini, Bunuel und Jodorowsky alternative Realitäten erschaffen, die jedes Element der Menschheit dekonstruieren, indem sie es in eine Welt versetzen, die außerhalb ihres Verständnisses liegt. Aber wenn Sie genau hinsehen, haben sich fast alle in verschiedenen Phasen ihrer Filmografie von Cocteau inspirieren lassen. Obwohl sein Stil als sehr poetisch angesehen wird, ist die Textur seiner Bilder sehr grob, wobei der Kontrast in Schwarz und Weiß sehr bestimmend ist. 'The Orphic Trilogy' fühlt sich besonders so an, als hätte Cocteau als Künstler endlich ein Medium gefunden, um seine Fantasie auszudrücken und sie an eine Grenze zu bringen, die kein Papier jemals zulassen würde.

2. Masaki Kobayashi

Zu sehende Filme: Harakiri, Kwaidan, Human Condition Trilogy

So sehr ich Akira Kurosawa verehre, wenn es einen japanischen Filmemacher gibt, dessen Werk der wichtigste Teil des japanischen Nachkriegskinos ist, glaube ich, dass es Masaki Kobayashi ist. Obwohl seine Werke über weite Zeitlinien und Realitäten verteilt waren, spiegelten seine Themen immer den Realismus wider, der durch seine erschütternde Erfahrung im Krieg verstärkt wurde. Im Gegensatz zu den meisten Regisseuren aus derselben Zeit konzentrierte sich Kobayashi darauf, die japanische Kultur zu dekonstruieren und zu kritisieren, und satirisierte seine Filme nie, um eine nervenaufreibende und pessimistische Sicht der Gesellschaft zu projizieren, die als beleidigend und offen abgetan wurde. 'Harakiri' und die 'Human Condition Trilogy' sind großartige Beispiele für die Kritik des Regisseurs am Konzept des Krieges, da wir die Nachwirkungen über zwei völlig unterschiedliche Zeiträume hinweg sehen.

1. F. W. Murnau

Zu sehende Filme: Nosferatu, Sunrise, Faust

F.W.Murnau ist ein Denkmal. 'Nosferatu' wird nach 5 Jahren 100 Jahre alt, und ehrlich gesagt gab es seit seiner Veröffentlichung unzählige Horrorfilme. Bis auf eine Handvoll war keiner von ihnen einflussreich genug, um in jedem anderen Film des Genres Spuren ihrer Exzellenz zu hinterlassen. 'Sunrise' ist ein weiterer Film, dessen Rückstände über die poetischen Bilder des europäischen Arthouse-Kinos gestreut wurden. Er ist wahrscheinlich der erste Film, der dabei buchstäblich Zeit und Kino modelliert. Es gibt 'The Last Laugh', dessen Selbstbeobachtung des menschlichen Zustands als eine der frühesten Charakterstudien durch seinen Expressionismus getarnt ist und dessen Stil möglicherweise vom italienischen Neorealismus und dem Parallelkino beeinflusst wurde. Und dann ist da noch 'Faust', bei dem der legendäre Alchemist einen Pakt mit dem Teufel schließt, und obwohl Goethe bereits 1806 ein Stück gemacht hatte, war das Kino meiner Meinung nach immer effektiver als das Theater. Und Faust ist das größte Zeugnis dieser Aussage.

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