18 besten existentiellen Filme aller Zeiten

„Existenzialismus“ ist ein Begriff, der von europäischen Philosophen des späten 19. und 20. Jahrhunderts geprägt wurde, die glaubten, dass philosophisches Denken mit dem menschlichen Subjekt beginnt - nicht nur mit dem denkenden Subjekt, sondern mit dem handelnden, fühlenden, lebendigen menschlichen Individuum. Laut ihnen suchen die Menschen, um herauszufinden, wer und was sie im Laufe ihres Lebens sind, während sie Entscheidungen treffen, die auf ihren Erfahrungen, Überzeugungen und Ansichten beruhen. Ja, ich weiß, dass es kompliziert ist. Einfach ausgedrückt ist „Existentialismus“ eine Philosophie, die sich mit der Suche nach sich selbst und dem Sinn des Lebens durch freien Willen, Wahlmöglichkeiten und persönliche Verantwortung befasst.

Nachfolgend finden Sie eine Liste der besten existenziellen Filme, mit denen ihre Macher versucht haben, einen Sinn für die Bedeutung dieser Welt zu finden. Wie sehr prägen unsere Erfahrungen unseren Glauben? Und ist das Leben wirklich bedeutungslos? Dies sind einige der vielen Fragen, die diese Filme stellen. Welcher dieser besten Erleuchtungsfilme ist Ihr Favorit? Übrigens können Sie einige dieser besten existenziellen Filme auf Netflix, Hulu oder Amazon Prime streamen.

18. Birdman (2014)

Birdman ist voller roher Energie und spielt mit der Kunst des Filmemachens, wie Sie sie kennen, und verleiht ihr eine neue Dimension. Es überrascht, fordert und blendet; manchmal auf einmal. Es ist verrückt, berauschend und eine Erfahrung, die Sie höchstwahrscheinlich nie in Kinos gemacht hätten. Ein ätzender und düster lustiger Blick auf die sofortige Ruhmkultur und Berühmtheit in der heutigen Zeit von Facebook und Twitter verspottet diejenigen, die Gefangene ihres eigenen Images sind. Letztendlich handelt es sich um einen Film über einen Schauspieler, der sich in einer existenziellen Krise befindet.

17. Synecdoche, New York (2007)

'Synecdoche, New York' ist ein schwer zu sehender Film, und sogar Magen. Es ist nicht etwas, das verstanden werden muss; Filme wie dieser müssen beobachtet, gefühlt und reflektiert werden. Intensiv zerebrale, oft schockierende „Synecdoche, New York“ würde nicht jeden ansprechen; Es ist eine Feier für alles, was ein Künstler sein möchte, und doch ist es letztendlich eine Tragödie, die die Kehrseite des künstlerischen Ehrgeizes zeigt, wo das Reale auf das Unwirkliche trifft und den künstlerischen Geist in die dunklen Tiefen der Unsicherheit und Depression stürzt.

16. Person (1966)

Es ist schwierig, einen Film wie 'Persona' in eine genrebasierte Liste aufzunehmen, da die im Film behandelten Themen so tiefgreifend und mehrdeutig sind. 'Persona' ist ein Film, der für zahlreiche Interpretationen offen ist und von Kritikern, Gelehrten und Cinephilen auf der ganzen Welt immer noch ausführlich diskutiert, diskutiert und analysiert wird. Der Film erzählt die Geschichte zweier Frauen, einer Krankenschwester und ihrer stummen Patientin, und die unheimliche Bindung ihrer seltsamen Personas. Der Film erforscht die menschliche Identität, verwischt und erschüttert unsere Wahrnehmung von Träumen und Wirklichkeit und taucht in die tiefsten und dunkelsten Aspekte der komplexen menschlichen Psyche und der bizarren Fantasien ein, die sie umfassen. 'Persona' ist eine zutiefst intime und persönliche Erfahrung und ein reines Stück filmischer Poesie.

15. Taxifahrer (1976)

'Taxifahrer' erzählt die Geschichte eines Vietnam-Veteranen, der durch sein von Einsamkeit und Elend getrübtes Leben emotional zerstört wurde. 'Taxi Driver' ist ein stark charaktervoller Film, der eine erstaunliche schauspielerische Leistung von Robert De Niro zeigt, der den Abstieg eines Mannes in den Wahnsinn darstellt, als wir sehen, wie er von den Extremitäten der menschlichen Dunkelheit gezogen wird. Vielleicht war Travis Bickle einmal ein liebenswürdiger, charmanter Typ, und es war der Krieg, durch den er sich einer Welt fremd fühlte, die einst seine Heimat war. Seine Unfähigkeit und Verzweiflung, mit Menschen in Kontakt zu kommen, und der ständige Kampf, sich in eine bizarre, verrückte Welt voller Morde und Vergehen einzufügen, sind ein zutiefst verstörendes dunkles Porträt einer menschlichen Seele.

14. Frühling, Sommer, Herbst, Winter… und Frühling (2003)

'Frühling, Sommer, Herbst, Winter ... und Frühling' ist das beste Werk aus den Ställen des südkoreanischen Autors Kim Ki-duk. Es handelt sich um eine Geschichte, die das Leben eines buddhistischen Mönchs auf seinem Weg durch die verschiedenen Stadien von erzählt Leben. Der Film kann als Metapher für die fortwährende Kontinuität und Zyklizität des menschlichen Lebens angesehen werden. Auf dem Weg dorthin werden auch die Themen Liebe, Opfer, Hingabe, Abgeschiedenheit und Treue untersucht. Der Film ist dafür bekannt, nur sehr wenige Dialoge zu bieten. Er ist zutiefst kontemplativ und nimmt das Publikum mit auf eine ruhige Reise.

13. Der siebte Kontinent (1989)

Michael Hanekes 'The Seventh Continent' als Horrorfilm zu bezeichnen, klingt für mich sehr falsch, aber so wird es von den meisten Leuten bezeichnet, die es gesehen haben. Es ist schwer, mit ihnen zu streiten, weil man sich beim Betrachten dieses Films hoffnungslos, deprimiert und verängstigt fühlt. Dieser Klassiker von 1989 hat mit einer Familie zu tun, die die Welt und das Leben im Allgemeinen hasst. Er nimmt eine kalte und distanzierte Haltung ein, um die drei Akteure weiter vom Rest der Gesellschaft zu isolieren, was das Publikum langsam aber sicher dazu bringt, sich tief für sie als ihre zu fühlen Die Existenz nimmt eine dunkle Wendung. Hanekes Debütstück ist einer der verstörendsten Filme, die jemals auf der Leinwand zu sehen waren. Er verspottet den Betrachter und lässt ihn nie los. Wenn das Publikum es einen Horrorfilm nennt, dann handelt es sich um einen Gruselfilm, der seinesgleichen sucht. Mit Ambiguität und Realismus bedeckt, Der siebte Kontinent ist eine persönliche, intime und erschreckende Nacherzählung einer wahren Geschichte, die Sie zum Schweigen bringt, weil Sie für mindestens ein paar Minuten nach ihrem Ende kein einziges Wort mehr aussprechen können.

12. Geist des Bienenstocks (1973)

Der spanische Meister Victor Erice drehte vor seiner Pensionierung nur drei Spielfilme. Noch heute am Leben, seine Filme wie El Sur, Quitte 'Baum der Sonne' und insbesondere Spirit of the Beehive, sein undefinierbares Debüt, lassen uns alle wünschen, er würde noch Filme machen. Eine parabilistische Geschichte von zwei Kindern, von denen eines seine Existenz mit unschuldiger, oft verwirrender Faszination erkundet und das andere von dem Film „Frankenstein“ besessen ist, der in ihrem örtlichen Theater gespielt wird. Sein mystifizierendes Porträt des spanischen Kernlandes wird von Erices charakteristisch neutraler Richtung in verführerischer Zweideutigkeit hinterlassen - er wagt sich selten für eine filmische Methode zugunsten einer stillen Beobachtung. Die daraus resultierende Arbeit ist verwirrend, faszinierend und lässt Sie über das eigentliche Rätsel des Lebens selbst nachdenken: seine unbeantwortbaren Fragen, seine großen Geheimnisse und ihre verblüffende Unangreifbarkeit. Um Sie völlig am Boden zerstört oder unvergleichlich bewegt zu lassen, besteht kein Zweifel daran, dass ein extremer „Geist des Bienenstocks“ eine wichtige Erfahrung sein wird.

11. Satan Tango (1994)

Ich war hypnotisiert von Béla Tarrs weitläufigem, erstaunlichem Meisterwerk, als ich es zum ersten Mal sah. Sein pragmatischer Sinn für die reale Welt und seine Geduld sind seine bestimmenden Eigenschaften. Es beobachtet mehr als es reflektiert und betrachtet mehr als es ordentlich geformte Aussagen liefert. Sein mythischer, trostloser Realismus ist zu schön, um wahr zu sein, und viel zu brutal, um mit einem solchen Auge für Schönheit verwirklicht zu werden. Alles, was ich am Ende tun wollte, war, alle meine Fenster zu schließen und mich in die Dunkelheit zu hüllen, weil der Film für mich wie dieser Verrückte in der Kirche gewesen war und sein Wehklagen zu viel Sinn ergeben hatte. Ich bin hocherfreut zu berichten, dass Sátántangós kluge soziale und politische Überlegungen sich mir allmählich klar gemacht haben, als ich wiederholt darauf zurückgekommen bin.

10. La Dolce Vita (1960)

Fellinis vorsichtiger, geduldiger und poetisch gemilderter Virtuose zeigt sich in seiner Palme d'Or-Gewinnerin, die in ihrem gefühlvollen und schattigen Glamour eine Lebensweise einfängt, die zu schwer fassbar und in gewisser Weise viel zu real erscheint. Sein Tempo unterstreicht das Gefühl der Ziellosigkeit des Protagonisten und zwingt uns, in der symphonischen Anordnung der Lebendigkeit des Lebens zu baden und wie flüchtig alles ist. Dieser Protagonist wird von einem Karrierebesten Marcello Mastroianni gespielt, der dieses Geschenk der Zeit nutzt, um seine Augen mit einer unwiderstehlichen Weltmüdigkeit zu füllen. Wenn Sie die Bedeutung bestimmter Abschnitte von „La Dolce Vita“ in Frage stellen, die möglicherweise keine philosophische Bedeutung oder narrative Relevanz haben, lehnen Sie die Möglichkeit ab, sich von den pikanten Details überfluten zu lassen und dann über die Konsequenzen nachzudenken. Während Nino Rotas himmlische Partitur uns in die schwindelerregende Welt Roms entführt, sehen Sie mit Fellinis illusorischem Auge nur das, was er von Ihnen möchte, und es wird schnell zu dem, was Sie auch sehen möchten.

9. 8 1/2 (1963)

Fellinis schiere Elektrizität kann überwältigend sein, wenn er die schattigen Gravitas von Marcello Mastroianni ausnutzt. Sie halten an Ihrer Wahrnehmung eines bestimmten Moments fest und erkennen seinen schwülen Reichtum, nur um festzustellen, dass der Filmemacher zu einer anderen flatternden, köstlich ausgeglichenen Sequenz übergegangen ist. Seine Vorstellungen über Künstler und ihre verwirrende, lächerliche Besessenheit mit sich selbst mögen veraltet - oder schlimmer noch irrelevant - erscheinen, aber die Kühnheit ihrer Konstruktion und ihres Ausdrucks geht uns nie verloren. Es verzaubert und verführt uns, erlaubt uns niemals, unsere Augen davon abzuwenden und rutscht dann durch unsere Finger, als uns klar wird, dass wir es nie im Griff hatten. Fellini unterscheidet sich nicht wesentlich von der hellseherischen Maya im Film, die zu wissen scheint, was alle denken: eine Fähigkeit, die ihre Assistentin der Telepathie zuschreibt. Als unsere Protagonistin Guido die Assistentin fragt, wie sie das macht, bemerkt er deutlich: 'Es ist teils ein Trick, teils real. Ich weiß es nicht, aber es passiert. ' Keine Worte könnten passender sein, um den Film mit zu beschreiben.

8. Das siebte Siegel (1957)

Von den ersten Bildern von Bergmans ikonischem Dokument über Glauben, Angst und Zufriedenheit ist ein Zauber auf Sie gewirkt. Der scharfe, körnige Blick auf das Meer, die Küste und darauf ein mutiger Ritter und seine schicksalhafte Begegnung mit der Personifikation des Todes bestimmen die Klarheit des Ziels des Films, auch wenn es Raum für eine verführerische, fast schreckliche Zweideutigkeit lässt, ständig präsent zu sein. Von einer magnetischen Performance des unvergleichlichen Max von Sydow und einer Gruppe von Schauspielern zu profitieren, die Bergmans erstaunliches Material, basierend auf seinem Stück „Wood Painting“, auf ein unerwartetes Niveau heben, hat 'The Seventh Seal' in seinen mageren 90 Minuten den Einfluss von Eine alte Fabel, die über Generationen weitergegeben wurde und die Phantasie weit verbreitet, als sie selbst zu enthalten hoffen kann. Gunnar Fischers funkelndes, knackiges Schwarz-Weiß sorgt dafür, dass die erschütternde Intensität unter unsere Haut kriecht. Die strömungsähnliche Fließfähigkeit ist das Ergebnis einer Erzählung, die sich mit erhabenem Selbstvertrauen und einer spürbaren Besonnenheit entfaltet. Es mag eine durch und durch einfache Geschichte sein, die dennoch wertvolle Ideen in ihrem Busen birgt, aber sie ist mit einem Stoff genäht, der so kompliziert und mutig ist, dass Sie nicht anders können, als ihn immer wieder zu betrachten, damit er sich in eine bleibende Erinnerung verwandelt.

7. Stalker (1979)

Wenn man seine kleineren Nachkommen, zu denen die äußerst erfolgreiche Fernsehserie 'Westworld' gehört, in Schach hält, kann der kolossale Einfluss von 'Stalker' auf das visuelle Geschichtenerzählen nicht genug betont werden. Ideen - philosophisch, spirituell und wissenschaftlich - sowie ihre geschickte, glorreiche filmische Erforschung in „Stalker“ haben ihre Eindrücke in vielen Science-Fiction-Filmen gefunden, die danach folgen werden. Es sind nicht so sehr das Gleiten, Trance-induzierende und punktuell abstrakte Tempo oder die seelenerregende Verwendung von monochromatischem Sepia außerhalb der „Zone“ und die Prägungsfarben der Orte in Estland, die sich in der Arbeit von Filmemachern wie widerspiegeln Terrence Malick und Lav Diaz, um nur einige zu nennen, aber die anhaltende Geduld und Demut. Tarkovsky übergibt die philosophischen Regentschaften weitgehend dem Publikum und lässt den Zuschauern so viel Raum, um mehrere metaphysische Facetten des Films für sich zu entdecken, dass selbst seine konkurrenzlose wörtliche und visuelle Poesie ebenso eine Erfindung unserer Erfindung wie seiner zu sein scheint und seine Mitarbeiter.

6. Apocalypse Now (1979)

Ein Kriegsfilm könnte sich als unwahrscheinliche Wahl herausstellen. Aber wie gesagt, großartige Filme brechen von den Hürden ihres Genres ab. 'Apocalypse Now' gilt allgemein als der größte Kriegsfilm, der jemals gedreht wurde. Im Kern handelt es sich jedoch um einen Film, der sich auch mit Existentialismus befasst. Captain Willards Reise in ein obskures Dorf in Kambodscha, um einen rätselhaften abtrünnigen Armeeoffizier zu ermorden, dient als visuelle Metapher für die Reise eines Menschen in den Abgrund der Existenz. In 'Apocalypse Now' geht es um Willards Suche nach Antworten. Mit ihm auf seiner Reise hinterfragen wir die Moral einer zivilisierten Gesellschaft, die von Heuchelei und Größenwahn maskiert ist. Seine seltsame, mysteriöse Faszination für Oberst Kurtz gipfelt in der Entdeckung der äußersten Enden des Krieges, die einen Mann in ein unzivilisiertes Tier verwandeln könnten.

5. Die 400 Schläge (1959)

François Truffauts 'The 400 Blows' ist ein wahres Kunstwerk, das aus echtem Schmerz stammt. Als wahrhaft aufrichtiges und zutiefst persönliches Werk widmete Truffaut den Film seinem spirituellen Vater und dem international anerkannten Filmtheoretiker André Bazin. Truffauts eigene Kindheit war von Natur aus autobiografisch beunruhigt, und das spiegelt sich sehr deutlich im Film wider. Äußerlich handelt der Film von Jugend- und Jugendkriminalität, die häufig von gesellschaftlicher und elterlicher Vernachlässigung getrieben wird. Wenn Sie etwas tiefer schauen, finden Sie einen Film über die Hoffnung. hoffe, das ist sowohl intensiv als auch therapeutisch. Antoine Doinel, der Protagonist, ist in gewisser Weise eine starke Repräsentation der Gesellschaft selbst, einer Gesellschaft, die ihre eigenen Fehler hinter Regeln, Strafen und Urteilen verbirgt. Der Film fließt wie ein Fluss und nimmt das Publikum mit auf eine Reise der Hoffnung, Verzweiflung, Empathie und sogar des puren Zorns. Wenn Sie jemals sehen wollten, wie ein Meisterwerk aussieht, sind Sie bei 'The 400 Blows' genau richtig.

4. Tokyo Story (1953)

'Tokyo Story' ist das, wonach jeder Filmemacher strebt, der eine bedeutungsvolle Geschichte erzählen möchte. Offensichtlich sind alle zu kurz gekommen! Es gibt kein besseres Beispiel für einen Film, der eine epische Geschichte so einfach, aber meisterhaft, effektiv und unvergesslich wiedergibt. Mit „Tokyo Story“ hat Yasujiro Ozu etwas erreicht, das der Traum eines jeden lebenden Filmemachers ist: für immer im Herzen und Verstand des Publikums zu wohnen. Jeder, der 'Tokyo Story' gesehen hat, wird wissen, wovon ich spreche. Der Film erzählt die Geschichte eines alternden, traditionellen japanischen Paares, das seine Kinder in Tokio besucht, um zu der harten Erkenntnis zu gelangen, dass ihre Kinder zu beschäftigt mit ihrem Leben sind, um für sie zu sorgen, und sich kulturell und emotional immens von ihnen entfernt haben . Was auch an dem Film so großartig ist, ist sein universelles Thema, mit dem sich jeder überall identifizieren kann. Der Filmstil von Ozu sorgt auch dafür, dass Sie in eine Geschichte vertieft sind, die tiefe Einblicke in die sich verändernde menschliche Psyche mit sich ändernden Zeiten bietet. Einfach genial!

2. 2001: Eine Weltraum-Odyssee (1968)

Das Genie von '2001: A Space Odyssey' liegt in der Tatsache, dass die spirituelle Reise, die sie uns mitnimmt, weder dem Theismus noch dem Agnostizismus oder irgendetwas Besonderem zustimmt - es liegt ganz beim Publikum, wie sie das interpretieren wollen Film. Das reicht vom Glauben eines Theisten an die Existenz eines sehr gütigen, liebenden Gottes über den Zynismus eines Agnostikers bis zur deprimierenden Sinnlosigkeit des Lebens, die ein Nihilist wählen könnte. Zumindest stellt Kubrick jedoch fest, wie unbedeutend wir sind und wie winzig unsere sogenannten technologischen Fortschritte sind! Wir haben Lichtjahre vor uns, bevor wir die Antworten auf eine der existenziellen Fragen erhalten, die in unserem Kopf auftauchen.

3. Der Baum des Lebens (2011)

Terrence Malick stellt niemals die Existenz Gottes in 'Der Baum des Lebens' in Frage. Sein wirkliches Gefühl der Verwunderung entsteht jedoch nicht daraus. Vielmehr freut er sich über die Magie, die das Leben selbst ist. In einer Zeit, in der Gott ein Mittel ist, um Überlegenheit zu beweisen und eine Entschuldigung dafür, Schaden zuzufügen und sogar zu töten, bietet „Der Baum des Lebens“ eine schöne, aber vernünftige Sichtweise auf Gott. Am Ende ist „Der Baum des Lebens“ ein filmisches Gedicht von außergewöhnlichem Umfang und Ehrgeiz. Es fordert sein Publikum nicht nur auf zu beobachten, sondern auch zu reflektieren und zu fühlen. Im einfachsten Fall ist „Der Baum des Lebens“ eine Geschichte über die Reise, sich selbst zu finden. In seiner komplexesten Form ist es eine Meditation über das menschliche Leben und unseren Platz im großen Schema der Dinge. Am Ende könnte „Der Baum des Lebens“ Ihre Sicht auf das Leben verändern - es hat mich verändert.

2. Jeanne Dielman, 23, Quai du Commerce, 1080 Brüssel (1975)

Dieses französische Avantgarde-Feature mit Delphine Seyrig als Titelfigur ist kein bloßes Kinoerlebnis. Es ist näher an einer Übung - einem Test - und beeinflusst Sie auf eine Weise, wie es nur wenige andere Filme zuvor oder seitdem getan haben. Das unabhängige Stück konzentriert sich auf drei Tage im Leben einer einsamen, unruhigen Hausfrau, während sie ihren strengen Zeitplan durchläuft, der mit alltäglichen Hausarbeiten gefüllt ist. Sie ist Mutter und Witwe und leistet abends Sexarbeit für Herren, um ihren Lebensunterhalt zu verdienen. Probleme entstehen, wenn am zweiten Tag ihre Routine leicht gestört ist, was zu einer Art Dominoeffekt führt, der sich in den folgenden Stunden widerspiegelt. Jeanne Dielman zieht einen in seine langsame und meditative Welt mit Akermans unverwechselbarer Regie-Signatur, die diegetische Atmosphäre und eine hypnotische Aura beinhaltet, die durch die ruhige, subtile und geduldige Persönlichkeit des Meisterwerks hervorgerufen wird, was eine schmerzhafte Feier der Monotonie der Existenz ist.

1. Bei Random Balthazar (1966)

Robert Bressons trostloses Meisterwerk ist eine Gefühlsübung. Es lenkt davon ab, einen klaren Protagonisten oder ein zentrales Thema zu definieren, es sei denn, Sie zählen die wundersame Kraft der Natur, die Balthazar ist, und wenn Sie den Film auf den Nennwert bringen, tun Sie dies nicht. Wenn Sie ihm jedoch erlauben, Ihr Zugangspunkt zur emotionalen und thematischen Landschaft des Films zu sein, ist es schwierig, unbelohnt davon zurückzukehren. Balthazars eigenartiger, schlanker und cooler visueller Stil wirkt im Nachhinein fast glamourös. seine ruhige Zerbrechlichkeit war von einem resignierten, einzigartig weisen Gefühl der Kontrolle umgeben. Sogar seine greifbare Ehrlichkeit verbirgt eine studierte Anstrengung, sich ein wenig zurückzuhalten, in seiner Einfachheit der Einstellung und des Charakters einen Reichtum zu nähren, der dem Publikum überlassen bleibt, um ihn zu entdecken und in einigen atemberaubenden Fällen vorzustellen. Die Bedeutung für jeden Moment in „Balthazar“ hängt nicht davon ab, ob wir davon ausgehen, dass es sich bei seinem Inhalt um Allegorien sozialer oder sogar politischer Natur handelt, sondern davon, wie sie uns machen Gefühl indem sie ihre Komplexität und Ruhe genießen, anstatt sich auf die sinnlose Darstellung zu verlassen, auf die die meisten Filme zurückgreifen. Es macht also durchaus Sinn, dass der Protagonist der gleichnamige Esel ist.