100 besten japanischen Filme aller Zeiten

Zunächst möchte ich einige Zeit ehrenvollen Erwähnungen und Beinaheunfällen widmen: Die unattraktiven schwebenden Wolken von Miko Naruse, wenn eine Frau die Treppe hinaufsteigt, Sehnsucht und der verzeihlichere Klang des Berges haben es nicht geschafft. Ich habe versucht, viel Zeit für seine Arbeit zu lassen, aber es interessiert mich immer wieder nicht, traurig zu sagen. Tampopo, Castle of Sand, der Mann hinter der Sonne, Angels Egg, Belladonna of Sadness und The Taste of Tea passten leider auch nicht zu meiner Filmpalette. Um den Gezeitenfluss bei einer Überfülle von Akira Kurosawa und Yasujirō Ozu zu verringern, habe ich ihren hervorragenden Streunenden Hund, Skandal oder Kagemusha nicht berücksichtigt. noch das nachweislich produktive Ozu's I was Born But & hellip;, Frühsommer, Spätherbst, Der einzige Sohn, Das Ende des Sommers, Der Geschmack von grünem Tee über Reis bzw. Eine Henne im Wind.

Denken Sie daran, dass diese Liste für die besten Filme gedacht ist: Keiner dieser Filme hat sie tatsächlich auf Platz 100 gebracht, unabhängig davon. Ich wollte nur ihre Qualität inmitten so vieler anderer Edelsteine ​​anerkennen. Ebenso fehlen Shohei Imamuras solide, aber letztendlich unbefriedigende Pigs & Battleships, The Pornographers und A Man Vanishes sowie Yoshishige Yoshidas wunderschöner Coup D'état und Wuthering Heights, Kon Ichikawas bescheidene Feuersbrunst, The Heart und Ten Black Women sowie Hirokazu Koreedas Berühren nach dem Leben, wie Vater wie Sohn und niemand weiß & hellip; All das hat mich aufgeregt, After the Storm zu suchen, wenn dies vorbei ist. Abschließend möchte ich mir einen Moment Zeit nehmen, um über die Arbeit von Sion Sono zu sprechen: Trotz frustrierter Beharrlichkeit und verzweifelter Hoffnung kann ich nicht sagen, dass ein einziges Stück von ihm, das ich ausprobiert habe, die Mühe wert war. Cold Fish, Tokyo Tribe, Guilty of Romance und die schrecklich schlechte Love Exposure sind allesamt Typen, nicht zuletzt letzteres - das war der schlimmste Film, den ich auf dieser Reise durch das japanische Kino gesehen habe. Unerträglich.

Damit aus dem Weg: Beginnen wir. Hier ist die Liste der besten japanischen Filme, die jemals gedreht wurden.

100. Tor der Hölle (1953)

Gate of Hell ist ein luxuriös ausgestattetes Unternehmen aus der Zeit und liegt in seiner wunderschönen Palette an Designs. Regie führte Teinsuke Kinugasa, der vor allem für sein Wahrzeichen von 1926 bekannt war Eine Seite des Wahnsinns Es ist eine eng verwundene Geschichte, die ungefähr zwei Versuche braucht, um sie vollständig zu würdigen, insbesondere für westliche Rezensionen, die mit dem ehrengebundenen Kodex des feudalen Japan nicht vertraut sind. Sie wird jedoch mit einer reich ausgearbeiteten Wendung und finsteren Hinweisen auf die übernatürliche Bedrohung belohnt, auf die der Titel anspielt.

99. Lone Wolf and Cub Series (1972… 74)

Ein seltsamer Anwärter auf den König der Comic-Franchise-Unternehmen, Einsamer Wolf und Jungtier verfolgt einen im Exil lebenden Henker und seinen kleinen Sohn durch eine siebenteilige Serie von Filmen, die alle diesen Platz auf der Liste ausmachen. Teil III: Babywagen zum Hades und Teil VI: Weißer Himmel in der Hölle sind die stärksten in meinem Kopf - obwohl jeder eine Uhr verdient und ab diesem Jahr neu in der Criterion Collection erhältlich ist. Es ist eine Auswahl warmer Charakterstücke mit verlockender Action und Humor, die alle Formalitäten in der Erzählung in den Schatten stellen - alles eine Uhr wert und mehr als würdig, hier ihren eigenen Raum zu schmieden.

98. Ichi der Mörder (2001)

Überaus empörend, unverschämt, untergräbt Miikes furchtlose Stilflut jedes Bedürfnis nach Substanz, indem er den Fokus auf Verderbtheit und Exzess von Anfang an zentralisiert und sein Versprechen von Schmerz und Blutvergießen in einem Ausmaß erfüllt, das nur wenige Filme auf der juristischen Seite der Linie verstehen können. Es ist herrlich doof Spaß mit einem Hauch von Dunkelheit, so extrem, dass man es ernst nehmen muss. Ich kann nicht anders als zu respektieren Ichi der Mörder Weil ich mich in seiner eigenen Absurdität so wohl fühle - und obwohl sich der Titelcharakter als klischeehaft herausstellt, findet Miike in den frühen Stadien genug Schwung, um mit mir jedes Mal verwirrt, ratlos und äußerst fasziniert von der Erfahrung ins Ziel zu kommen.

97. Battle Royale (2000)

Kinji Fukasaku, der Mann hinter der Krimisammlung Schlachten ohne Ehre oder Menschlichkeit ist ein Künstler, der hier eine durchdringende Qualität zum Ausdruck bringt, die das japanische Kino so wunderbar macht: Keine Angst davor zu haben, sich dem Genre-Filmemachen zuzuwenden. Battle Royale ist einzigartig als eine überaus alberne satirische Komödie konzipiert, und während sie auf dem Weg humanistische Spuren hinterlässt, machen die Flüsse aus Splatter und makellosem komödiantischem Timing, die Fukasaku selbst in den krankhaftesten Situationen festhält, den Film zu einem absoluten Knaller. Besonders bemerkenswert ist Takeshi Kitanos Zug, der alle Vorstellungen von Respektabilität für einen umfassenden Angriff auf Witz und Geschmack zunichte macht. Battle Royale ist chaotisch, so viel ist wahr, aber die Art und Weise, wie es sich so unermüdlich immer wieder für einen weiteren Angriff auf den Skeptiker zusammenschließt, ist herrlich. Ohne zu zögern versteht Fukasaku die stumpfe Waffe, die er in seinen Händen hält, und schwingt sie mit voller Kraft. Die Tatsache, dass es sein letzter Film war, verleiht den Bemühungen des Mannes eine gewisse Würde - eine Selbstmordmission, die auf einen lustigen Knochen trifft. Man muss im Koma liegen, um sich nicht mindestens ein- oder zweimal kribbeln zu fühlen. Wesentliche Unterhaltung.

96. Godzilla (1954)

Ein klassischer Monsterfilm, der es mit Größen wie King Kong und einer der besten Originalaufstellungen von Universal aufnehmen kann. Godzilla hat nicht ganz die Menschlichkeit und den Witz von The Invisible Man oder die wilde Sehnsucht von The Creature aus der Schwarzen Lagune - aber es macht Spaß. Einem großen Mann in einem tödlich schwierigen Anzug zuzusehen, wie er das städtische Japan durchquert, ist bis heute eine packende Erfahrung, vor allem wegen seines unausweichlich bescheidenen Charmes. Es fühlt sich im Moment an und trotz seiner schnellen Datierungseffekte ist es mehr als willkommen, dort als Relikt einer längst verlorenen Ära zu bleiben - und jetzt ist eine bessere Zeit als jede andere, um zu hoffen, dass Haruo Nakajima, maskierter Anführer, in Frieden ruht.

95. Verrückte Frucht (1956)

Ein führender Gründer der japanischen New Wave, Verrückte Früchte Der Fokus auf die Flamme der Jugend findet seine Füße mit einer einfachen Geschichte, die weit über ihre bescheidenen Parameter hinausgeht: Über den Zaun zweier Männer springen, die in dieselbe Frau verliebt sind, um einen Eindruck der Nachkriegsgeneration als Ganzes zu reflektieren. Diese Menschen sind wild, unabhängig und verzweifelt, sich durch die wiederholte Entweihung der Werte ihrer Nation zu vernarben. Es findet eine Nische des Geschichtenerzählens, die durch soziale und politische Kontexte abprallt - und die breiten ersten Schritte der Neuen Welle darstellt. Wenn diese Liste weitergeht, werden wir sehen, dass sich die langlebige Bewegung für immer nach innen wagte - entweder fasziniert oder verängstigt und dabei eine Erzählung nicht von Nationen -, sondern von Sexualität, Perversion, Gewalt, Gier, Übernatürlichkeit und Psychose fand. Der Zweite Weltkrieg mag in diesen Geschichten noch lauern - aber ich finde es faszinierend, ihn so offen wie möglich anzugehen Verrückte Früchte tat wurde schließlich mit Fokus statt Explosion des Themas getroffen.

94. Das Leben von Oharu (1952)

Unser erster Streifen von Kenji Mizoguchi, Das Leben von Oharu beweist eine klassisch bewegende Charakterstudie, die ihre Protagonistin die Situation von Frauen im Nachkriegsjapan widerspiegelt, was Mizoguchi während seiner gesamten Karriere bewundernswert getan hat. Mizoguchi ist ein expansives, komplexes, dramatisches Stück, das die Zeit nutzt, um die Notlage hervorzuheben, die schnell in den Mittelpunkt gerückt wird. Er produziert eines seiner besten Werke nur für die Art und Weise, wie er sich so humanistisch zusammenzieht und mit Oharu zusammenbricht - der Regisseur, der von den Widrigkeiten bewegt ist, denen sie gegenübersteht. Es ist diese Beziehung, die direkt durch die Leinwand blutet, die es dem Film ermöglicht, sein Drama über die Glaubwürdigkeit hinaus zu steigern.

93. Träume (1990)

Geschrieben von seinem eigenen Unterbewusstsein, dem von Akira Kurosawa Träume ist eine malerische Darstellung des Inneren des Geistes eines Mannes: Locker vergleichbar mit Pastoral es sei denn, es fehlt die Sensibilität für die Neue Welle zugunsten einer gemessenen, ruhigen Erkundung der nächtlichen Wanderungen von Kurosawa. Die resultierende Sammlung von Vignetten enthüllt etwas Rohes und Einzigartiges an der Art und Weise, wie das Leben durch die Linse unseres Unterbewusstseins gefiltert wird - und dies ist möglicherweise der ehrlichste Film, den Akira Kurosawa jemals gedreht hat. Ein klares, hübsches kleines Juwel.

92. Trauerparade der Rosen (1969)

Regisseur Toshio Matsumotos offene Sicht auf Ödipus Rex (vielleicht das beste Kino, das es zu bieten hat), Trauerparade der Rosen markiert einen entscheidenden Wendepunkt für alternative Sexualität und geschlechtsspezifische Bilder im japanischen Kino und vermarktet sich ohne die Grenzen, die die Bewegung heute verändert haben. Es ist sowohl ein Fest als auch eine Kritik des menschlichen Ausdrucks, das die Verwirrung seiner Charaktere versteht und ihre eigenen Entscheidungen mit Demut und Freude aufgreift. Diese kritische Vermutung des Konflikts definiert Trauerparade der Rosen Erfolg und obwohl ich nicht denke, dass es die krönende Errungenschaft von Matsumoto ist, können wir alle von heute lernen, wie es seine Themen auf solch ehrlich fehlerhafte Weise verfochten hat.

91. Paprika (2008)

Der Film von Satoshi Kon aus dem Jahr 2008 wird oft mit dem von Chris Nolan verglichen Anfang - beide basieren auf Konzepten der Trauminvasion und des Zwangs. Ich denke, der Hauptunterschied, der die Fans über eine Barrikade hinweg spaltet, ist die Tatsache, dass Nolans Versuch eine größere emotionale Resonanz und Charakterfokussierung aufweist - aber all dies bleibt in einer langweiligen Struktur stecken. Kon schreibt 85 Minuten lang und füllt jeden Frame mit einer berauschenden Energie und Farbüberbrückung zwischen den Ebenen mit einer solchen Freiheit und Flexibilität beim Geschichtenerzählen, dass Nolans dichtere Arbeit einfach nicht mithalten kann. Am Ende stehen beide als solide Beispiele für Handwerk und Einfallsreichtum - aber was ich am Ende eines harten Tages lieber anziehe, gibt es keinen Wettbewerb. Und um die Vielfalt der kreativen Kräfte zu entdecken Paprika hält in seinem Arsenal, vor allem nur ein lustiger Geschmack von Inception - man muss sich nur einen Blu-ray schnappen und spielen.

90. Ekstase der Engel (1972)

Als branchenweite Bewegung spüre ich, dass sich die vorherrschenden Punkte der japanischen Neuen Welle auf der Grundlage von Sex und Gewalt drehten. Beide sind dem Leben und den Kunstelementen eigen - Elemente, die weiterhin die weltweite Filmproduktion prägen -, aber ich glaube, dass nur wenige Filme sie in einem engagierten Umfeld angehen. Ecstasy of the Angels versteht die eigene Vulgarität. Regisseur Kōji Wakamatsus fortgesetzter Umgang mit solch extremen Themen ermöglichte es ihm, die Darstellung brutal gewalttätiger Persönlichkeiten zu verbessern - und das Ergebnis ist eine verrückte Sid & Nancy-artige Erforschung des anarchischen Selbstverlusts sowie ein bitterer Hauch von Romantik der Mixer. Unabhängig von Ihrer Ansicht am Ende ist es eine wilde Fahrt.

89. Zierhaarnadel (1941)

Von allen Künstlern der Vorkriegszeit, deren Erinnerung durch die Zeit abstrahiert wird, ist Hiroshi Shimizu vielleicht der Chef unter denjenigen, die dringend wiederentdeckt werden müssen. Trotz einer reichhaltigen Veröffentlichung von Eclipse durch die Criterion-Sammlung (ein Schmerz, den man außerhalb Amerikas erreichen und spielen muss) scheint er unter den wichtigsten Regisseuren dieser Zeit schlecht erwähnt zu sein, und ich bin absolut der Überzeugung, dass er verfochten werden sollte unter den besten von ihnen. Zierhaarnadel wurde veröffentlicht, als Japan Amerika in den Zweiten Weltkrieg schleppte, und doch ist es von einer Hoffnung und Einfachheit geprägt, die an ein zivilisierteres Zeitalter erinnert - oder zumindest mit dem Pazifismus spricht, nach dem Shimizu von Tag zu Tag gelebt haben könnte - und einen Konflikt ignoriert er hält es für barbarisch und trotzt dem damaligen Außenbild Japans. Ohne diese Beschreibung in zu vielen Politikbereichen zu verwirren, Zierhaarnadel liegt unter den feinsten Merkmalen, die Shimizu hergestellt hat, und es ist sein anhaltender Minimalismus, der seine wunderschön zurückhaltende Resonanz sichert.

88. Ugetsu Monogatari (1953)

Ich bezweifle nicht, dass ich auf ein weit verbreitetes Vitriol gestoßen bin, weil ich einen so allgemein bewunderten Klassiker so niedrig platziert habe - aber es muss gesagt werden, dass unter unzähligen Tausenden Ugetsu Monogatari zählt immer noch zu den 100 besten japanischen Filmen, die je gedreht wurden. Ich habe eine deutliche Abneigung gegen Mizoguchis erklärtes Meisterwerk: Eine anhaltende Wunde von gelegentlich zu einfacher Richtung, die oft sein so oft perfektes Kunststück zerstört und alle seine vorherigen Wirkungen ruiniert. Davon abgesehen würde ich lügen, wenn ich nicht erwähnen würde, wie einzigartig faszinierend dieser Film für mich war, als ich jünger war, und trotz einer enttäuschenden Reihe von Neuuhren in letzter Zeit die magischen Momente, in denen alles zusammenpasst und Mizoguchis auf wundersame Weise komponiert ist, filmisch fesselnd und letztendlich schlich sich menschliche Anziehungskraft in meine Adern zurück. Ugetsu Monogatari schleicht sich zum Teil auf die Liste, weil es eine wegweisende Arbeit ist, was schade ist, weil ich stolz darauf bin, persönliche Präferenz gegenüber Status zu haben: Aber der Kern der Sache ist, dass ich es lieben möchte. Eines Tages könnte die Zuneigung wieder auftauchen und Mizoguchis Meisterwerk wird noch höher steigen. Wir werden sehen.

87. Inferno der ersten Liebe (1968)

Parallelen in seiner Konzeption genau auf solche zurückführen Atemlos und Eric Rohemers meditative Kameradschaft in Meine Nacht bei Maud aus der laufenden Nouvelle Vague, Inferno der ersten Liebe ist eine ruhige, wunderschön absorbierende Beobachtung eines Paares, das seine ersten gemeinsamen Schritte unternimmt, und der einladenden, leidenschaftlichen, mürrischen, kalten, oft leeren Luft, die um sie herum hängt, wenn sie versuchen, die Verbindung zu nutzen, die der Titel des Films seinem Publikum so kühn verspricht. Es ist ein wartungsarmes Kunstwerk, das Patienten mit bewegenden menschlichen Interaktionen belohnt.

86. Cure (1997)

Die Bearbeitung in Heilen ist tödlich. Es geht zu einem Punkt über, an dem Sie wegschauen möchten. Kurosawa erfüllt das Publikum mit einem impliziten Verständnis der Gnadenlosigkeit seines Films, indem er häusliche Routine und blutbespritzte Leichen so natürlich wie das Atmen durchschneidet. und es ist diese außergewöhnlich kalte, fast psychotische Akzeptanz des Todes im Leben, die mich dazu bringt, seinen führenden Offizier, Takabe, in Frage zu stellen und wie höllisch die Situation in Bezug auf Gewalt in Japan ist, sich so an brutale Morde gewöhnt zu haben. Während es sich mit einem trägen Kriechen bewegt, das die atemlose Spannung zu untergraben beginnt, konnte Kiyoshi Kurosawa das Stück einatmen, Heilen ist immer noch eine mehr als würdige Ergänzung zu seinem starken filmischen Kanon.

85. Der schlechte Schlaf gut (1960)

Akira Kurosawas schwächste Shakespeare-Adaption bleibt einer seiner stärksten Filme, in dem er die Geschichte von Hamlet mit einem Widerhaken von Unternehmenskritik in den Startlöchern locker verfolgt. Trotz seiner Tangentialität gegen andere Versionen gehalten, ist BSW eine schwache Wiedergabe des verehrten Stücks, dessen dialoggeladene Komposition die Breite und das Gewicht von Shakespeares Drama nicht erfasst - obwohl es einen einzigartigen kurosawanischen Erzählstil kultiviert, der eine zusätzliche Dimension hinzufügt das Ausgangsmaterial und schmiedet einen köstlich überzeugenden narrativen Beat. The Bad Sleep Well ist insgesamt moderner und spannender als seine Inspiration und ein Muss für Kurosawa-Fans, die sich nach dem Können und der Subtilität seiner zeitgenössischen Bemühungen sehnen.

84. Tetsuo: Der Eisenmann (1989)

Anpacken Tetsuo mit einem schwachen Bauch ist wie eine Kugel ohne Weste zu nehmen. Zusammengewürfelt mit einem Durcheinander von Schrottrequisiten, überfüllten Sets und schmerzhaften Spezialeffekten - das ist eine Lebendigkeit Tetsuo: Der Iron Man Verfolgung des Unangenehmen, das es bewundernswert macht. Ich habe Respekt vor der Billigkeit, mit der sich seine Schöpfer befasst haben, um ein möglichst beschämendes Erlebnis zu erzielen: Schockierend mit ihrem pochenden Soundmix und der schmutzigen monochromatischen Grafik, die das, was wir wissen, in das Reich des Rätsels wirft. Schwarz und Weiß malt sogar die bekanntesten Objekte, aus denen sich zusammensetzt Tetsuos Welt als schreckliche Bastionen des Unbekannten, die unter Spalten kriechen und sich an uns klammern, um eine Metamorphose der Mutation zu beginnen, die sowohl gewalttätig als auch unvermeidlich krank ist. Es ist eine Arbeit, die über die Bedenken des Publikums hinausgeht - und genau das sollte guter Körperhorror sein. Tetsuo: Der Iron Man ist ohne Zweifel eines der besten.

83. Schwarzer Regen (1989)

Ein seltsam zeitlich abgestimmter Film, der mit Isao Takahatas eigener Abhandlung über den menschlichen Tribut der Atombomben zusammenfällt, die auf dem Höhepunkt des Zweiten Weltkriegs abgeworfen wurde und sich mit ähnlichen Themen befasst. Schwarzer Regen Minderwertigkeit gegenüber dem Wunderbaren Grab der Glühwürmchen in keiner Weise bedeutet es, ignoriert zu werden. Wenn überhaupt, sollten auch die Legionen von Bewunderern, die sich zu Recht um Takahatas Werk versammeln, hierher strömen. Shohei Imamuras erster Streifen auf dieser Liste, Schwarzer Regen wirft einen zutiefst tragischen, akribisch persönlichen Blick auf das Gewicht der nuklearen Explosion: Bekämpfung der Schuld, der Ausgrenzung, des Kummers, des Verlusts und der Akzeptanz des Ereignisses und seiner schwerwiegenden Folgen in einem taktvoll geradlinigen Stil, der für Imamura charakteristisch ist, wie es seine eigene Art ist genauso auffällig und unmittelbar wie Hiroshima meine Liebe traumhafte Klarheit.

82. Luftballons für Menschlichkeit und Papier (1937)

Ein formalistischer Klassiker im selben Bereich wie Kenji Mizoguchis ehrwürdiges Werk, nur dass sich der ebenso verehrte Regisseur Sadao Yamanaka hier mit einer Demut auszeichnet, von der jeder lernen kann, der in die Welt des Kinos eintreten möchte. Sein anderes berühmtes Bild, Der Million Ryo Pot ist eine vergleichsweise ruhige, nüchtern komponierte und fachmännisch dramatisierte Geschichte - obwohl ich denke, dass die Kante nach Hause schlägt Luftballons für Menschlichkeit und Papier weil es gelingt, eine breitere Aussage über die Essenz des Alltags zu machen. Der Komfort seines spielerisch ehrgeizigen Titels spiegelt sich in jedem Bild wider, und obwohl es kein Film ist, fand ich ihn sehr überzeugend oder sogar geduldig bewegend - hier gibt es etwas, das eine Uhr erfordert.

81. Schweigen (1971)

Adaptiert aus demselben Roman, der kürzlich von Martin Scorsese, Masahiro Shinodas, in Angriff genommen wurde Schweigen dient als faszinierendes Rampenlicht auf die Unterschiede zwischen westlichen und östlichen Filmstilen. Scorseses äußerlich stoischer, harter Ton wird zugunsten einer weitaus bescheideneren Sichtweise unter Shinodas fleißiger Hand gefaltet, was ein Haar der Reue und Sentimentalität in einer ansonsten fesselnd naturalistischen, reduzierten Version des Buches zulässt. Eine Szene, die Shinodas Können bei der Entwicklung einer weltlichen Atmosphäre für seine religiöse Geschichte ohne Manipulationsbedarf hervorhebt, ist die Form einer alten Frau, die in einem Raum voller Menschen singt: Kaum ein gesprochenes Wort schwingt mit der vorliegenden Geschichte mit, und es gibt auch kein Wort Weitere Charakterisierung vermittelt - und doch erfüllt sie den Rest des Films mit einer unausweichlichen Vitalität, die unter dem Gewicht der Angst und Verzweiflung, der die Priester und ihre Jünger ausgesetzt sind, so eindrucksvoll nachlässt. Understatementiert und verführerisch, übertrifft seine Demut jeden Tag das legendäre italienisch-amerikanische Regie-Stück für mich.

80. Go Go Second Time Virgin (1969)

Sofort die Sache für sich selbst schwierig machen, Go Go Second Time Virgin Die 65-minütige Laufzeit beginnt mit einer von mehreren unangenehmen Vergewaltigungsszenen. Eine Erzählung aus der zufälligen Beziehung des betroffenen jungen Mädchens zu einem ebenso jugendlichen, verstörten Mörder zu formen, der von Kōji Wakamatsus kurzem, aber lebenswichtigem Werk aus der Ferne zuschaute, definiert sich selbst, indem er der Paarung niemals eine narrative Konvention hinzufügt. Der Film ist auf sich allein gestellt, enthüllt und unterhält sich überraschend und nutzt überraschend sein äußerst geringes Budget mit seiner häufig wirksamen Komposition im Charakter der japanischen Neuen Welle sowie einer konfrontativen Darstellung sexueller Gewalt, die weitaus einnehmender, dichter und vorausschauender ist als Nagisa Oshimas berüchtigte künstlerische Fehlzündung von 1976 (und das ist großzügig ausgedrückt) Im Reich der Sinne .

79. Die Sünder der Hölle (1960)

Markiert durch ein weniger intuitives Skript und eine glanzlose Handlung, Die Sünder der Hölle schafft es immer noch, seinen Platz auf dieser Liste für seine ansonsten außergewöhnliche Kontrolle über das Kunststück herauszuarbeiten. Jeder Rahmen ist von feuchter Beleuchtung durchdrungen und mit einer trüben Farbpalette versehen, die gelegentlich von durchdringenden roten Stichen unterbrochen wird, die als subtile Erinnerung an die kommende Qual dienen. Sie sehen, Jigoku ist ein Wartespiel: Ein Film, der seine Zeit in der monotonen realen Welt abwartet, bevor er in die Hölle stürzt. Die exzellente Eröffnungsszene verleiht dem Publikum einen Hauch von Blut, der in jeder anderen Szene versuchsweise verlockend wirkt, bis wir Tartarus endlich selbst erleben dürfen: Eine Kavalkade aus atemberaubender Kulisse, herrlicher Farbe, übermäßigen Extras und echter Panik, wenn den Charakteren Zeit gegeben wird Betrachten Sie die Konsequenzen ihrer Handlungen. Obwohl es langweilig ist, belohnt uns die Auszahlung mit Warrants Watching Die Sünder der Hölle mindestens einmal - für wenig im Kino passt es zu seiner in sich widersprüchlichen, unheimlich leblosen Vision der Unterwelt.

78. Vierundzwanzig Augen (1954)

Nach dem matriarchalischen Platz einer jungen Frau an der Spitze einer Klasse von Schulkindern und seinen Auswirkungen auf die umgebende Gesellschaft ist Twenty-Four Eyes ein feministischer Text, dem die transzendentale Geschlechtsneutralität von etwas so Meisterhaftem wie Jeanne Dielman fehlt, der jedoch seinen Platz als wichtig behält Arbeiten Sie für eine starke zentrale Leistung von Hideko Takamine und dem Thiassos-ähnlichen Erzählpfad, der von 1928 bis 1946 in einer umfassenden Studie über die Innenpolitik und den Fortschritt der Wahrnehmung über die Jahre vom Frieden bis zum Krieg verläuft.

77. Mr. Thankyou (1936)

Hiroshi Shimizus taktvolle Meditation über unsere Interaktion, Herr Danke folgt einer Gruppe von Menschen in einem Bus und erkundet auf der einstündigen Reise zu ihrem Ziel alle Arten von emotionalem Charakter (dankenswerterweise weicht er von einer Busfahrt ab, die etwas später auf dieser Liste weitaus weniger reibungslos enden würde). Es ist ein charmantes Porträt der Poesie im Alltag, das sich über so viele oberflächlich ehrgeizige Filme auf dieser Liste erhebt, weil es etwas mehr als 60 Minuten lang sitzen und sprechen kann, ohne einen Takt auszulassen. Ein kleiner Schatz.

76. Straße der Schande (1956)

Kenji Mizoguchi schwankt am Rande eines Opus Straße der Schande ist einer der großen Schwanengesänge - einer, der aus all den bisherigen filmischen Erfahrungen des Mannes in seiner Karriere schöpft und sie zu einer zeitgemäßen, charakteristisch sorgfältigen und bemerkenswert menschlichen Arbeit zusammenfügt. Mizoguchi lebt in einem Bordell in der Dämmerung der Legalität der Prostitution in Japan und konstruiert einen wunderschön bewegenden Wandteppich aus Konflikten und offensichtlicher „Amoralität“, da sein wahres Gesicht die Wahrnehmung durchdringt und es uns ermöglicht, vergangene Vorurteile zu erkennen. Heutzutage genießen die Zuschauer dank des auffälligen Glanzes von oftmals eindeutig anti-heroische oder kriminell unsolide Charaktere GoodFellas und andere löwenhafte, oft fröhlich-sadistische Darstellungen von moralisch nicht gesunden Charakteren. 1956, insbesondere während eines legalen Übergangs, muss ein solcher Film unbekannt gewesen sein. Die Frauen von Straße der Schande versuchen nur zu leben - und das macht ihre Last umso herzzerreißender.

75. Schwimmende Unkräuter (1959)

Zu Recht als eines der größten Errungenschaften von Ozu als Künstler angesehen, 1959 Schwimmendes Unkraut verfolgt eine reisende Truppe von Darstellern und die familiären Probleme, mit denen sie während ihrer Reisen konfrontiert sind - insbesondere die Wiedervereinigung zuvor getrennter Parteien, die die lukrative Theatergruppe zu befreien droht. Es ist genauso mächtig wie die besten Filme von Ozu, aber ich habe Probleme mit dem Maß des Geschichtenerzählens, insbesondere mit der Struktur. Gegen einige der späteren Ozu-Filme, die wir hier sehen werden, kann es ihnen keine Kerze vorhalten - aber zumindest ist es ein Maß dafür, wie geschickt ein Künstler war Schwimmendes Unkraut schafft es immer noch, die Top 75 in leuchtend leiser, kontemplativer Form zu brechen. Immer noch wegweisend.

74. Pastoral: Auf dem Land sterben (1974)

Shūji Terayama Pastoral ist eine erhabene Übung in Seltsamkeit. Es wäre für jeden naiv, diesen speziellen Zweig des bizarren „surrealen“ zu synchronisieren, weil Pastoral ist weit weniger subtil als das: Die kurze Laufzeit voller absurder Komödien und fantastischer Bilder, die an eine Erinnerung erinnern, die der Regisseur in seiner Zukunft erlebt hat. Das Unverständliche einer solchen Inspiration ist angesichts ihrer Handlung und ihrer Ideen wenig - obwohl Terayamas Nachlässigkeit der Handlung wie bei seiner früheren Arbeit in keiner Weise die Erfahrung beeinträchtigt, die er zu vermitteln versucht - und wenn sein Magnum-Opus versucht, sie auszudrücken Der Zorn und die Leidenschaft eines unzufriedenen Jugendlichen, dann ist dies sein persönlicheres Follow-up: Eine Erkundung eines faszinierenden Geistes, der herrlich fotografiert und warm verwirklicht wurde. Es ist leicht, einen Film seltsam zu machen, aber die Wirkung seiner visuellen Virtuosität mit Persönlichkeit, Technik und Regiefähigkeiten zu betonen, ist etwas, was der Mann hier erreicht. Es ist wirklich etwas zu sehen.

73. Perfect Blue (1998)

Ein entscheidender Talentschrei des Animators Satoshi Kon, Perfektes Blau findet Körperlichkeit im inneren Kampf eines pensionierten Pop-Idols, der versucht, ihre neue Identität zu erfassen - alles eingepackt in den sich ständig weiterentwickelnden Druck der modernen Welt. Kons visuelle Sensibilität führt sowohl zu großartigen als auch zu leider übertriebenen filmischen Momenten - aber ich denke, das berauschende narrative Design Perfektes Blau Funde in der Unbarmherzigkeit, mit der sich ihre Protagonistin selbst quält und dabei gefoltert wird, schieben sie an jeglichem Schluckauf der Regie vorbei. Es ist ein metaphysisches Stück, das es sich erlaubt, Horror zu verwirklichen - das die Grenzen traditioneller animierter Merkmale für etwas insgesamt Dunkleres und Beunruhigenderes für seine Tapferkeit überschreitet. Trotz seiner selbst scheut Kon in seiner Darstellung der geistigen Erniedrigung nicht die Realität - und das ist es, was die ansonsten datierten Dilemmata von verankert Perfektes Blau zu diesem Tag. Ein faszinierendes, oft verwirrendes Animationsexperiment.

72. Dunkles Wasser (2002)

Eine direkte Entwicklung des Schrecklichen Der Ring , Hideo Nakata Dunkles Wasser repräsentiert den zweiten und vielleicht einzigen anderen Hit des Regisseurs - und einen, der es schafft, seinen Stil noch weiter zu bringen. Es hat eine Reife, die vielen J-Horrors entgeht und die Kraft des Dramas mit einer schlauen Aufmerksamkeit für Haltung und Präzision untermauert, die kleinere Künstler überhaupt nicht erfassen können. Das pulsierende Streben nach einem unsichtbaren Ziel hallt in jeder Szene wider und macht die Unvermeidlichkeit nicht nur zu einer Waffe der Angst, sondern auch des Zwangs.

71. Yûkoko: der Ritus der Liebe und des Todes (1966)

Yûkoko: der Ritus der Liebe und des Todes ist aus mehreren Gründen berüchtigt, weil sein Regisseur Yuiko Mishima nach einem gescheiterten Militärputsch auch durch Seppuku Selbstmord begangen hat. Der Mann war die Grundlage von Paul Schraders bestem Film, Ein Leben in vier Kapiteln und zentriert sich hier als nachweislich faszinierendes Thema, indem er Noh-Inszenierung und starke Komposition nutzt, um seine wortlose Botschaft zu bekennen. Die zimperauslösenden Spezialeffekte sind für ihre Zeit äußerst beeindruckend. Sie simulieren den Akt von Harakiri zu einem verblüffenden Effekt und sorgen für die perfekte Interpunktion von Mishimas Patriotismus. Keine Kapitulation.

70. Akira (1988)

Ein schimmerndes, neongeschnürtes Wahrzeichen der japanischen Animation und ihrer Infiltration in das internationale Zentrum. Akira markiert einen revolutionären Punkt aus dem Anime und beeindruckt auch heute noch in seinen glitzernden Farben, dem niedlichen Futurismus und der grimmigen Transformation des amorphen, abscheulichen Titelcharakters. Während die Struktur der Geschichte mit Randnotizen überfüllt ist und keine klare Richtung findet, in die sie gedeihen kann, ist die knallende Verwirklichung von Akiras Action und eindrucksvollere Animationsleistungen machen es zu so einflussreichen und aggressiv ansprechenden Bildschirmen mit ausdrucksstark gestalteten Vignetten, die die Dummheit seines Fortschritts mit schlaffen Kiefern für etwas wirklich Spektakuläres überwinden. Es ist bösartig, dynamisch und liebenswert - ein würdiger Klassiker und ein Auftakt für ein wundersames Zeitalter der Produktion hochwertiger Animationen.

69. Sansho der Gerichtsvollzieher (1954)

An dieser Stelle muss ich gestehen: Ich habe die Arbeit von Kenji Mizoguchi nie gemocht. Obwohl ich mehrmals versucht habe, mich durch seine Bilder zu schlängeln, ist nie etwas wirklich hängen geblieben. Wenig an seiner Arbeit beschäftigt mich und was auf einer schriftlichen Ebene da ist, wird langweilig, sobald er es so unverblümt auf den Bildschirm überträgt. Zweifellos gibt es Wunder in der Arbeit des Mannes - aber es macht mich weiterhin krank. Vor diesem Hintergrund fand ich zumindest etwas Trost in meiner erneuten Beobachtung von Sansho der Gerichtsvollzieher für diese Liste - ein Film, der mich früher frustriert hatte, weil er so mächtiges Material verschwendet hatte. Dieser Versuch führte zu einer neu entdeckten Wertschätzung von Mizoguchis ikonoklastischem Ansatz, der sich in seiner früheren Arbeit leer anfühlt. Es ist gespickt mit tiefgreifenden Szenen, und obwohl ich der Meinung bin, dass der Film etwa 20 Minuten zu lang ist - und in einem sich prägnanteren Raum in die Bereiche der Meisterschaft aufsteigen könnte -, hat er zumindest dem legendären Künstler auf dieser Liste Platz gemacht. Vielleicht würde ich in Jahren Mizoguchis Arbeit hier höher legen - man kann nur hoffen.

68. Onibaba (1964)

Unser erster Film von Kaneto Shindo, Onibaba erzählt eine Geschichte von Misstrauen und Täuschung - zwei diebische Frauen, die von einer besessenen Maske beeinflusst werden, die bald ihre eigene Agenda sucht. Die Atmosphäre der Paranoia, die Shindo durch seine sorgfältige Inszenierung und jarrende Geschichte entwickelt, ist gleichbedeutend mit dem Erfolg des Films in neuen Charakteren und Ereignissen, um das Gefühl der Angst des Publikums zusammen mit dem seiner Hauptakteure zu verstärken und eine einzigartig parallele emotionale Verbindung zu fördern. Aber ich denke vor allem, Onibabas Der dauerhafte Status als Klassiker des japanischen Horrorkinos ergibt sich aus einer Einstellung: Ein einzelnes Bild, das so viel viszerale Energie in seine lähmende Stille packt, dass ich physisch überrascht war - entmutigt, mich wieder hineinzuwagen Onibaba aus Angst, auf dieselbe schreckliche Präsenz zu stoßen. Angesichts dieser einen, perfekt eindringlichen Reihe von Bildern verblasst der Rest des Films im Vergleich fast: Aber wenn man ihn völlig außer Acht lässt, würde man den Punkt eines solchen kontrollierten Aufbaus sowie seinen sensationell gehandhabten Höhepunkt verfehlen.

67. Sonatine (1993)

Was an der Arbeit von Takeshi Kitano immer beeindruckt, ist die Art und Weise, wie er selbst den anstrengendsten Szenarien Leichtigkeit verleiht. Das fast Vermisste Feuerwerk und Gewalttätiger Polizist teilen beide in gewisser Weise ihren Platz auf der Liste mit seinem Werk, Sonatine und alle sprechen von seiner Popularität in Japan als Filmkomiker und davon, wie diese Wurzeln subtil in seine filmischen Angebote eindringen. Jedes Bild, in dem er lebt, leuchtet - trotz seiner Komposition aus dunklen und oft brutalen Handlungssträngen. Das so geschickte Spiel mit unserer Wahrnehmung der menschlichen Moral und Sympathie macht Kitano zu einer ebenso faszinierenden Figur, wie sie in den letzten Jahrzehnten aus dem japanischen Kino hervorgegangen ist - und beweist dies, wie Rodger Ebert es so geschickt gesagt hat, nachdem ich es gesehen habe Sonatine , dass grobkörnige Kriminalitätsstudien nicht die Tiefe opfern müssen, um sich a la Tarantino mit seinen oberflächlichen Monologen und seiner „Charakterisierung“ des Sprachrohrs zu beschäftigen. Kitano kann beides.

66. Demons (1971)

New Wave Wasserzeichen Toshio Matsumoto war 2 Jahre zuvor mit seinem Exquisiten verblüfft Trauerparade der Rosen und 71s Dämonen bewahren seinen sensorischen Schwung mit einer stark geschossenen Nachtlandschaft, die jedes Bild in völlige Dunkelheit taucht - nur Orte und Spieler, die in der albtraumhaften Dunkelheit beleuchtet sind. Andere Regisseure haben mit dieser Technik experimentiert, vielleicht ein frühestes bemerkenswertes Beispiel für Louis Malles Verhör in Elevator to the Gallows - aber nur wenige haben es zu solch invasiven Effekten geführt -, dass jeder Schuss mit einem umfassenden Gefühl der Angst und vor allem der Verzweiflung geweckt wurde. Egal wie nahe die Protagonisten der Flucht vor ihren übernatürlichen Angreifern kommen - nichts ist jemals sicher. Das ist eindeutig beispielhafter existenzieller Horror.

65. Still Walking (2008)

Ich denke, der hoch aufragende Schatten von Yasujiro Ozu kann einen beträchtlichen Schatten auf jeden dramatischen Filmemacher werfen, und der hoch geschätzte Hirokazu Koreeda ist vielleicht der Chef unter den Betroffenen. Der Mann versucht, sich dem Vergleich zu entziehen, indem er seine Arbeit mit der von Ken Loach vergleicht, mehr als die japanische Legende. Eine solche Ähnlichkeit ist jedoch unvermeidlich und zeigt einige Mängel in Koreedas Methode auf. Ozu lädt Sie ein, sich mit seinen Figuren zusammenzusetzen und den Punkt der Geschichte allmählich zu enträtseln, während Koreeda seine Kamera im selben Raum wie das Drama steckt und nur still beobachtet. Sein Stil ist viel weniger direkt und erinnert ein wenig an die Technik des taiwanesischen Meisters Hsiao-Hsien Hou, ist aber noch distanzierter.

Vor diesem Hintergrund führt Koreedas Weigerung, sich einzumischen, jedoch zu einigen äußerst intimen Momenten später - wo er zu blühen beginnt, da die Charaktere es uns ermöglichen, die sechs Grade der Trennung zwischen ihrer und unserer Welt zu überbrücken. Etwas so Einfaches wie eine Person, die sich einem Klavier nähert, eine extreme Ungleichheit im Fokus, die die Bedeutung der Szene unterstreicht, wirkt Wunder, indem es dem Publikum winzige, eindrucksvolle Einblicke in die Gedanken seiner Charaktere gibt. Tatsächlich Immer noch zu Fuß ist eine Bastion der Hoffnung, die die Filmemacher des heutigen Japan dazu ermutigt, in die Falte des Familiendramas zu geraten und es mit dem gleichen Zwang und der gleichen Wirkung zu erfüllen, wie es Künstler wie Ozu und Naruse vor all den Jahren getan haben. Mit Regisseuren wie Sion Sono vor Ort ist es ein Geschenk, dass Menschen wie Hirokazu Koreeda immer noch da sind, um über dem schäbigen Unterbauch zu fahren und uns etwas so Ruhiges und Faszinierendes in seinem Porträt des Vorstadtlebens zu geben.

64. Geständnisse unter Schauspielerinnen (1971)

Ein brutal ehrlicher, charakteristisch offener Film, der der unversöhnlichen Inquisition von nicht unähnlich ist Winterlicht - Yoshishige Yoshida Geständnisse unter Schauspielerinnen folgt den Traumata, die drei Frauen veranlassten, sich ihrem Handwerk zu widmen - dem ersten Farbfilm des Regisseurs und faszinierend: Einer, der in diesem neuen, errötenden Farbreichtum einen Großteil seiner extremen Kameraarbeit für ein tristes, nacktes Streben nach der Wahrheit entfernt und seine Wirkung auf diese Menschen. Offenbarung ist auf ihre Weise eine Form der Heilung - und der von Kiju Yoshida Geständnisse unter Schauspielerinnen funktioniert wunderbar als Debatte über diese Idee.

63. Die Ballade von Narayama (1984)

Die Ballade von Narayama repräsentiert den vielleicht berühmtesten Film von Shohei Imamura, an sich ein Remake eines ebenso verehrten Klassikers. Was Imamuras Stück auszeichnet, ist seine taktile Herangehensweise an menschliches Handeln - fasziniert von den grimmigen Reaktionen und mutierten Psychen, die eine große emotionale Belastung für den Geist eines Mannes oder einer Frau darstellen. Seine früheren Filme haben solche Themen viel besser behandelt, aber ich denke, das schließt dies nicht aus Die Ballade von Narayama von groß unter ihnen stehen. Seine vertraute Volksgeschichte ist eine ebenso sorgfältige Untersuchung des menschlichen Verhaltens, und obwohl es an der Morbidität mangelt, die seiner 60er-Jahre-Arbeit ihren Biss verlieh, liefert Shohei Imamura immer noch ein zufriedenstellend mitfühlendes, echtes Kunstwerk.

62. Mandara (1971)

Mandara ist auf seine Weise einer der filmisch faszinierendsten Filme der frühen siebziger Jahre. Herausfordernd, aber allgemein lohnend in Bezug auf Thema, Fotografie und die erstaunliche Stimmung, die es erzeugt - es ist ein unvergleichlich seltsames Werk, das möglicherweise seinen Weg in die oberen Ränge dieser Liste gefunden hätte, wenn ich Zeit gehabt hätte, tiefer in seine reichhaltige bizarre Welt einzutauchen. Es genügt zu sagen: Dieses wenig gesehene New Wave-Juwel ist ein absolutes Muss.

61. Die Geschichte von Prinzessin Kaguya (2012)

Die Rückkehr des ehrwürdigen Isao Takahata 2012 nach der atemberaubenden Zeit von 1988 Grab der Glühwürmchen , Die Geschichte von Prinzessin Kaguya ist einfach wunderschön. Der absolut schöne Animationsstil ist eine Familienfabel für jedes Alter und erinnert an klassische Designs, die in eine weiße Decke gemalt wurden - ein ideales Ideal, das seitdem Eigenschaften in mehr als einem Medium inspiriert hat. Die weitreichende ästhetische Anziehungskraft von Kaguya ist nicht ganz von der Geschichte verdunkelt - aber sein leuchtender filmischer Zwang ist immer noch unausweichlich berauschend von Anfang bis Ende und fordert von jedem Fan von Animation Aufmerksamkeit.

60. Dein Name (2016)

Der neueste Film auf dieser Liste, letztes Jahr Dein Name ist eine Offenbarung. Das populäre Kino in Amerika kann oft so leblos und zynisch sein, dass selbst seine Indie-Szene mehr vom Ruhm als vom künstlerischen Wert angezogen wird (um die offensichtlichen Ausnahmen von dieser wachsenden Beobachtung nicht zu diskreditieren). Ich sage das alles, weil es spannend ist, einen so wunderbaren Film zu haben, nachdem ich zeitgenössische japanische Veröffentlichungen für diese Liste studiert habe Dein Name im Mainstream so erfolgreich sein wie es war. Japan ist seitdem sowohl überflutet als auch begabt mit einer Reihe von animierten Funktionen Akira 1988 und während das Rough oft die Diamanten darunter überflutet - ein Film, der so stark durchbrach. Ohne Einführung oder Kommentar einfach sehen Dein Name . Es ist etwas mit dem Herzen und den ehrlichen Absichten, die wir alle von heute lernen können.

59. Nausicaä aus dem Tal des Windes (1984)

Nausicaä aus dem Tal des Windes ist eine frühe Bastion von Hayo Miyazakis erhabenem Können als Künstler. Das Geschichtenerzählen ist exquisit - es baut eine Art mürrische apokalyptische Zukunft wie in unserer eigenen Welt mit Richtungsfreiheit und wunderschöner Verwirklichung der einzigartigen Flora und Fauna des Landes - alle bevölkert mit einer vielfältigen Besetzung einsamer Seelen, die die schleichende Anerkennung ihres Unwillkommens zum Ausdruck bringen Welt wunderbar. Das erste von vielen wirklich herzlichen, originellen und üppig inspirierten Werken von Miyazaki.

58. Sollen wir tanzen? (1996)

Ich denke was trennt Sollen wir tanzen? von jedem anderen 'lebensbejahenden' Film ist, wie ernst es ist. Akira Kurosawas eigene Abhandlung über die Erfüllung (oder das schreckliche Fehlen derselben) in Ikiru ist ein scharfer Kontrast zu dem harmlosen Charme, der auf natürliche Weise keimt und in unsere Herzen eindringt, anstatt sich durch zynisch getriebene Handlungspunkte hineinzukrallen. Es ist ein wunderbarer Film, der eine so hohe Position dafür erhalten hat, wie freudig glaubwürdig seine Geschichte ist und wie zufrieden Regisseur Yoshikazu Suo mit seinem Produkt ist. Ein Genuss.

57. Akitsu Springs (1962)

Kiju Yoshidas großer Durchbruch, Akitsu Springs repräsentiert den Beginn von etwas Besonderem im Bereich der japanischen Neuen Welle. Bereits 1962 gelang es Yoshida, den psychosexuellen Fokus vieler japanischer Filme auf den Punkt zu bringen und seine inneren Tiefen mit einwandfreier Genauigkeit zu verschließen - eine Faszination, die er im Laufe der Zeit nur noch weiter schärfen würde. Eine Reihe ähnlich fantastischer Follow-ups hat ihn als Schlüsselmitglied der Bewegung gefestigt, aber für mich ist es das auch Akitsu Springs das gilt am stärksten als Inhaber seines filmischen Genies.

56. Eine Frau gesteht (1961)

Unser erster Film mit freundlicher Genehmigung des produktiven Yasuzo Masumura aus den 1961er Jahren Eine Frau gesteht ist eine Krönung der frühen japanischen New Wave. Nach einer Frau, die wegen des angeblich zufälligen Todes ihres Mannes angeklagt ist, fängt sie die Wellen der Aggression, des Zynismus und der Ablenkung ein, die für die dunklere Seite des japanischen Kinos zu dieser Zeit charakteristisch waren - außer ohne die oft blutige, brutale Gewalt. Was wir hier haben, ist die Gewalt des Geistes, die durch bittere Stimmen geschossen und von Augen beobachtet wird, die nach einem armen, lebenslangen Fall suchen, mit dem sie ihr eigenes Elend vergleichen können. Es ist die verschleierte Morbidität von Eine Frau gesteht das gibt seinem gesellschaftlichen Biss einen gewichtigen Druck.

55. Tiefgründige Wünsche der Götter (1968)

Shohei Imamuras längster Film, Tiefgründige Wünsche der Götter ist vielleicht auch der Film, der seinen Stil am besten veranschaulicht. Nach der angespannten Dynamik einer isolierten Kolonie und der aufkeimenden Romantik, die in ihrem Gefolge aufblüht, ermöglicht Imamuras leicht abweichende Richtung und sein durchdringender Glanz von fast journalistischer Integrität ein faszinierendes Dokument über das Leben der Ureinwohner, die Liebe und wie wir untrennbar von unseren eigenen Wünschen angezogen werden. sei es durch einen bewusst geteilten Urdrang oder ein immaterielles Implantat, das direkt von oben geschickt wird. Am Ende war Imamuras Hauptfrage an mich schwer zu beantworten: Ist es einfacher zu akzeptieren, dass unsere Götter grausam sind oder dass wir es sind?

54. Der menschliche Zustand Teil 1: Keine größere Liebe (1959)

Der erste in einer epischen Trilogie von Filmen, Der menschliche Zustand Teil 1: Keine größere Liebe ist ein Film, der die Präzedenzfälle für seine Nachfolge schaffen würde - eine Liste mit Stärken und Schwächen, von der Regisseur Masakai Kobayashi nur im Nachhinein Zeit hätte, um zu lernen, ohne die perfekte Balance für sein äußerst ehrgeiziges Stück zu klären. Keine größere Liebe bietet mehrere unsterbliche Momente, vor allem eine Hinrichtungsszene, die 10 Minuten dauert und den brodelnden Zorn der unterdrückten Mandschu-Blase jenseits der Angst sieht, die alle Waffen und Stacheldraht für etwas inspirieren, das bis heute besonders resonant ist - sowie das Ende eines Bogen für mehrere Zeichen. Es ist ein überlanger, übersättigter und letztendlich ineffektiver Film & hellip; Es ist aber auch eine meisterhafte Behandlung der Kriegsopfer. Bis zum Äußersten unausgeglichen, Der menschliche Zustand Das Eröffnungskapitel findet solide genug, um einen Film zu formen, der weder furchtbar noch außergewöhnlich ist: Aber einer, der mehr als würdig genug ist, um hier die Top 60 zu erschließen.

53. Wirf deine Bücher weg, Rallye auf den Straßen (1971)

Werfen Sie Ihre Bücher weg, Rally in the Streets ist ein Blutrausch im Kopf. Eine lebendige, lustlose Anordnung nicht verbundener Vignetten, die ein lebendiges Bild der Loslösung der japanischen Jugend von alten Werten zeichnen. Eine Ablehnung des Formalismus für etwas insgesamt Moderneres, Futuristisches, in Stücke geschnitten und doch völlig bequem in seiner eigenen Unverständlichkeit. Es ist der kreative Charakter der Branche, der sich in den Köpfen der Jugendlichen manifestiert und zu überraschenden, verführerischen und oft verwirrenden Batch-Szenen führt. Nur wenige Filme aus der japanischen New Wave können dasselbe rigoros rebellische Feuer entzünden.

52. Roter Engel (1966)

Der überaus produktive Meister Yasuzo Masumura arbeitete erst in den 1960er Jahren an kolossalen 33 Filmen. Einer der Höhepunkte seines schwellenden Schaffens ist der erhabene Rote Engel von 1966. Der Rote Engel konzentriert sich auf eine romantisch engagierte junge Krankenschwester, die in die Kriegsführung gedrängt wird, und entwickelt seine zermürbende Welt außergewöhnlich gut: Beginnend mit den Legionen von Veteranen, die mit Narben vernetzt und mit ihrem eigenen Blut und Schweiß auf dem Operationstisch in einem schmuddeligen, verlassenen Komplex bespritzt sind bevor sie schließlich in den Schmelztiegel dieses tödlichen Konflikts geworfen werden. Die spürbare Angst ist ein Zeichen für Masumuras verschwenderisch impressionistische Schärfe - und kennzeichnet ihn als eine definierende, traurig überschattete Stimme des nationalen Kinos in den 1960er Jahren.

51. Der Mann ohne Karte (1968)

Ein traurig unterschätzter Eintrag aus Hiroshi Teshigaharas tadellosem Werk, der pflichtbewusst von seinem hoch aufragenden Werk von 62 bis 66 in den 1968er Jahren überschattet wurde Der Mann ohne Karte sieht den rigorosen ikonoklastischen Regisseur beim Übergang von stark monochromer zu verführerischer Farbfotografie: Blick auf das weitläufige Labyrinth des industriellen Japan mit einer düsteren, etwas langweiligen Palette, die den unbefriedigten Wunsch des Protagonisten nach Antworten so reichlich widerspiegelt. Der Mann ohne Karte läuft in Flüssen des Zweifels und der Verwirrung, landet seinen Detektiv für tiefste Einfälle im tiefen Wasser und lässt ihm selten eine Sekunde Zeit, um zu atmen und die Weite des Ganzen in sich aufzunehmen.

Teshigahara urbanisiert spielerisch die quälende Verfolgung seiner Protagonisten mit einer Welt, die die Katharsis auf Schritt und Tritt leugnet, und kommentiert die unaufhörliche Unsicherheit des modernen Lebens mit teuflischer Präzision. Er gibt die nuancierte Übernatürlichkeit und den Surrealismus seiner früheren Arbeit für ein weitaus fundierteres Stück auf, das infolgedessen vielleicht noch eindringlicher ist als die Sisyphus-Qual von Frau in den Dünen oder Tücken gedankenloser, gefühlloser Fortschritt des Todes. Der Mann ohne Karte trifft uns auf unserem heimischen Rasen und deshalb ist es so verwirrend - so nervig - und warum es bis heute ein so wichtiges Stück Kino bleibt.

50. Die Insektenfrau (1963)

Unser bisher vierter Film des verehrten Meisters Shohei Imamura, der etwas respektableren Seite von Nagisa Oshimas gefährlicher überhöhter Münze, Die Insektenfrau ist eine beispielhafte Darstellung, warum Imamuras Vision von Sexualpolitik immer viel faszinierender war als die seines kontroversen Zeitgenossen. Es ist ein Film von üppiger visueller Kontrolle: Den Bildern Bedeutung und Gewicht sowie köstliche ästhetische Kraft zu verleihen, die in Schwarzweiß so viel Bedeutung hat. Das tägliche Leben der Frau ist von einem Meer aus Schwarz und Weiß geplagt, das sich so sehr in Rätsel verwandelt im Tetsuo: Der Iron Man . Die unheimlich vorausschauende Eröffnungsszene ist zwar einfach, näht aber die Samen des Kafkan-Käfig-Bandes (wunderschön gespielt von dem verdientermaßen geehrten Sachiko Hidari) und weist auf die monströsen Implikationen hin, die Imamuras bösartiger Titel in Bewegungen setzt. Es ist schwierig anzusehen, nicht zuletzt unterstützt durch Imamuras Probleme mit dem Tempo - aber es bleibt durchweg ein wirklich wichtiges Kino.

49. Pulse (2001)

Kiyoshi Kurosawa hat sich unter dem Gewicht seines bekannten Namensvetters mit einer fantastischen Reihe bedrohlicher Anstrengungen stetig über seine Klasse geschlagen - aber keiner hat die überwältigende Leerstelle der 2001er Jahre in den Schatten gestellt Drücken Sie . Vor Angst tropfen und aktuelle technologische Referenzen nutzen, ohne sich so sehr auf sie zu verlassen, dass das Bild altert. Drücken Sie ist eine äußerst beängstigende Version des modernen Spukens, die das vertraute Gesicht ihrer Yūrei-Geister weitaus effektiver nutzt als viele berühmtere Darstellungen der blassgesichtigen Stalker.

48. Schlachten ohne Ehre oder Menschlichkeit (1973 & hellip; 1975)

Kinji Fukasakus mehrteilige Kriminal-Anthologie ist Der Pate unter der aufgehenden Sonne jede Droge aufgebockt. Frei von dem oft überheblichen Strukturalismus von Coppolas perfektionistischem Stück filmt Fukasaku Gewalt als Jazz, während er einer herrschenden kriminellen Familie im Laufe der Jahre folgt. Oft taucht er in unbegründete hyperstylisierte Winkel ein und bearbeitet sie, um den abklingenden Effekt seiner kinetischen Montage sicherzustellen. Während es an komplexer Charakterentwicklung, thematischer Auflösung oder sogar Grundgeschmack mangelt, steckt etwas so Blasendes darin Schlachten ohne Ehre oder Menschlichkeit dass ich nicht anders kann, als es zu lieben. Jeder Film ergänzt den letzten und repräsentiert gemeinsam einen Höhepunkt für das populistische Verbrechenskino im Japan der 70er Jahre. Wenig konnte jemals nahe kommen.

47. Kwaidan (1964)

Kwaidan, Masakai Kobayashis charakteristisch gut gemachte Horror-Anthologie, ist ein spannender Einblick in das Geheimnis und die Bosheit gealterter japanischer Fabeln, die mittelalterlichen Wurzeln von J-Horrors vielfältiger Besetzung von gruseligen Erscheinungen und unausweichlichen Flüchen. Der unerbittliche Mangel an Gnade oder Ruhe, der in Japans blühender Horrorszene allgegenwärtig ist, wird hier von der Hand eines Meisters berührt, was zu einem visuell prächtigen Juwel führt, das es schafft, ansonsten datierten Geschichten alarmierendes neues Leben einzuhauchen. Es ist ohne Zweifel die beste Horror-Anthologie, die jemals gemacht wurde: Mit der unverdünnten Stimme eines exquisiten Filmemachers, der laut und deutlich klingt, ist J-Horror etwas, vor dem man sich fürchten muss. Jahrzehnte später sind wir immer noch in seinem gruseligen Griff gefangen.

46. ​​Tokyo Drifter (1966)

Der verdammte Außenseiter Seujin Suzukis verdammtes Stück Pop-Art-Genie, Tokyo Drifter geht wie ein Feuerwerk los und verleiht seinem Stil mehr, als selbst Quentin Tarantino und Martin Scorsese heute behaupten können. Der feurige Einfluss des Films kennzeichnet insbesondere ihre Bearbeitung und Herangehensweise an das Handeln - nicht unähnlich der Art und Weise, wie Goddard unendlich übertrieben ist Atemlos prägt weiterhin die Art und Weise, wie wir schneiden. In viel geringerem Maße schleicht sich Suzukis Stück in so viele Rahmen des modernen Krimi-Kinos ein - aber es ist das stärkere Beispiel für einen Stil, der alle Substanzbedürfnisse beseitigt: Sein Gewehrspiel läuft wie ein Feuerwerk mit zappeligen Neon-Effekten ab, die mit jedem Hagel purpurroten Ruhm aufflammen Schüsse. Gemacht von einem Meisterchoreografen an der Spitze seines Spiels. Tokyo Drifter ist Zellstoffkino von seiner aufregendsten Seite. Elektrisch und trotzdem ein großes Fass Spaß.

45. Grab der Glühwürmchen (1988)

An der Oberfläche eine Umkehrung von Hayo Miyazakis Fabeln für das universelle Publikum, die ehrwürdige Ghiblianische Ikone Isao Takahata Grab der Glühwürmchen steht als eine der bekanntesten Animationen, die jemals mit emotionalem Gewicht gemacht wurden, das aus dem meisterhaften Umgang mit dem Medium hervorgeht. Ein typisches Beispiel: Grab der Glühwürmchen wäre nicht so allgemein geschätzt oder sogar bemerkenswert, wenn es diese Geschichte im Bereich der Realität angegangen wäre. Takahatas Linse ist jedoch gezeichnet. Seine Bilder werden mit einer Eleganz und Unschuld versehen, die auf die Kindheit hinweisen - eine, die die Notlage seiner Protagonisten perfekt ergänzt. Während einige sicher sind, dass es sich um einen Fledermausschalter handelt, haben nur wenige Filme die Kunst der Animation so geschickt genutzt, um die Kraft ihrer Botschaft anmutig hervorzuheben. Takahatas ausdrucksstarke, elegische Grafik widerspricht dem überwältigend traurigen Aufbau der Geschichte: Einen Hauch von Zynismus aus seinem luftdichten ästhetischen Einfluss entkommen zu lassen - obwohl dies von geringer Bedeutung ist. Grab der Glühwürmchen ist eine eindringliche und oft schöne Erfahrung der Kriegszeit.

44. Die Samurai-Trilogie (1954-55-56)

Regisseur Hiroshi Inagakis köstlich ansprechende populistische Serie ist ein Meilenstein in der Action-Abenteuer-Filmproduktion und möglicherweise die beste Trilogie, die das Sub-Genre ziert. Angeführt von einer wie immer hervorragenden Performance von Toshiro Mifune und mit kleinen Einblicken in die Reife, insbesondere am Ende des ersten Films, werden Inagakis relativ harmlose und inkomplexe Erzählungen von einem ebenso scharfen und aufregenden Gespür für filmische Action wie in den 1950er Jahren getragen zu bieten haben. Seine Kamerabewegung ist aufregend und inszeniert Schauspieler mit einer Wildheit und Kraft, die der Trilogie hilft, ihre Erzählzauber zu überwinden, indem sie eine aufregende Schwertkampfsequenz hinzufügt. Es ist nichts Besonderes an einer dramatischen Front - aber es bietet genug Leidenschaft für das Handwerk und überraschende Seelenfülle in seinen Erfolgen, um eine so hohe Platzierung zu rechtfertigen. Wichtige Besichtigung für Fans des Abenteuerkinos.

43. Die birmanische Harfe (1956)

Kon Ichikawas Breakout-Stück über einen japanischen Soldaten, der in das Land schlüpft, das er einst besetzt hatte, und versucht, im Schmerz einer Nachkriegswelt Frieden zu finden. Die birmanische Harfe hat verständliche Kritik für seine oft stumpfe Darstellung des Krieges gezogen: Mehr tanzende Züge und einfache Handlungsbewegungen als eine vollständige, fesselnde Darstellung der Zeit. Paradoxerweise denke ich, was hilft Die birmanische Harfe Diese Probleme zu überwinden ist das Herz dahinter. Trotz seines überaus kontrollierten Geschichtenerzählens verwebt Ichikawa während des gesamten Films wunderschöne Bilder, die jede Szene in mindestens einem rahmbaren Tableau zieren, das zwar zur statischen Sophomorik seiner Regie beiträgt, aber effektiv die Stimmung vermittelt, insbesondere in einer Sequenz, in der der Tod eine Rolle spielt Soldaten werden von Mörsern niedergeschlagen und unser Held erwacht inmitten eines blutigen Leichenmeeres: Mit inspirierten Schüssen, die der erstaunlich engen Komposition von Rembrandt ähnlicher sind als jede normale Kriegsangelegenheit. Es ist in gewissem Sinne simpel, aber seine Schwäche überschattet nie die kollektive Wirkung, die Ichikawas aufschlussreiche Fotografie und seine entschlossene Demut hervorrufen.

42. Eine Seite des Wahnsinns (1926)

Das früheste Stück auf dieser Liste, Eine Seite des Wahnsinns ist ein Grundnahrungsmittel des stillen japanischen Kinos für seine durchschlagende ästhetische Stimme: Ein Stück, das den Wahnsinn und den kreativen Funken geprägt hat, der die wunderbarsten Werke ihrer Branche bis heute antreibt. Dem Porträt einer Anstalt fehlt die Nuance oder Tiefe von so etwas Titucut Follies oder sogar die Menschlichkeit von Einer flog über das Kuckucksnest in fiktiver Form - der transzendente Weg von diesem Meilenstein von 1926 ist jedoch eine erweiterte Wertschätzung des japanischen Vorkriegskinos außerhalb dramatischer Titanen wie Ozu, Mizoguchi, Yamanaka und Shimizu. Was wir hier haben, ist eine Quelle ihres immer noch fließenden Flusses von filmisch herausfordernden, stilistisch provokativen und absichtlich gefährlichen Werken, die für diese Gruppe tragischer Künstler umso faszinierender ist.

41. Die versteckte Festung (1959)

George Lucas 'berüchtigtes kleines Franchise-Unternehmen Star Wars wurde auf der Rückseite von The Hidden Fortress gebaut. A New Hope stiehlt alles, aber es beruhigt sich auf dieser außergewöhnlichen Abenteuergeschichte. Es ist eine Schande zu sehen, dass dieses 'inoffizielle Remake' mit Mord davonkommt und Kurosawas Film unter dem Gewicht seiner kolossalen Gefolgschaft zerquetscht - denn The Hidden Fortress ist ein weitaus wertvollerer klassischer Film, als Lucas 'Serie jemals behaupten könnte. Vollgepackt mit aufregender Action, lustiger Charakterisierung und einem starken visuellen Flair, wie es selbst bei Akira Kurosawas mittelmäßigsten Bemühungen üblich ist. Vor diesem Hintergrund gönne ich Star Wars dies nicht - ich wünschte nur, Kurosawas brillantes Werk würde in einem Atemzug gehalten.

40. Der menschliche Zustand Punkt 2: Der Weg zur Ewigkeit (1960)

Das kampferprobte Stück von Masakai Kobayashis epischer Trilogie, Der Weg zur Ewigkeit dient als beträchtliches japanisches Kriegsepos, das geeignet ist, jeden zu bestreiten Der Soldat James Ryan , wenn auch nicht ganz so gefährlich wie bei Sam Fuller Der Große Rote oder auch Stahlhelm . Es behält die chaotische ethische Besessenheit von Der menschliche Zustand Teil 1: Keine größere Liebe aber es gelingt ihm, mit viszeraler Kampferfahrung und einer gemessenen, konsequenten Herangehensweise an seine Charaktere darauf aufzubauen, die durch ihr Leben und ihren Tod in einem tödlichen Teil der menschlichen Geschichte unterstrichen wird. Wie bei jedem weiteren Segment, Der menschliche Zustand kommt dem Erreichen seines Namensvetters immer näher und während Teil 2 diesen Ehrgeiz nicht verwirklicht, versucht er es zumindest. Mehr als wir für die meisten Filme der Zeit sagen können.

39. Heroisches Fegefeuer (1970)

Sofort unverständlich, ausdrucksstark und visuell verwirrend: Heroisches Fegefeuer ist eine perfekte Grundierung für Yoshishige Yoshidas außergewöhnliche Filmografie. Seine herrlich fremde Ästhetik ist oft desorientiert - jede Einstellung verbiegt unsere Beziehung zum Raum, jede verkürzte Fragmentierungszeit ist nicht unähnlich zu der frenetischen, von der Erinnerung inspirierten Erzählung von Alain Resnais - und macht ehrlich gesagt die Handlung von Heroisches Fegefeuer insbesondere wirklich schwer zu folgen und zu verstehen. Seine fragmentierte Technik des Geschichtenerzählens belastet den Wunsch eines weniger offenen Publikums nach einer völlig zusammenhängenden narrativen Erfahrung noch weiter - aber die undefinierbaren Freuden, die in Yoshidas verzerrter Welt liegen, werden ihrem Präzedenzfall gegenüber eng strukturierten Handlungssträngen gerecht. Beschreiben Heroisches Fegefeuer wäre unmöglich. Es nicht nur wegen seiner eigenen Unmöglichkeit zu empfehlen, wäre ein Verbrechen.

38. Absichten des Mordes (1964)

Shohei Imamuras trostloses Triptychon von Schweine & Schlachtschiffe, Absichten des Mordes und Die Pornografen traf seinen unbestrittenen Höhepunkt mit einem Film, der mit gefährlichen Details die Notlage einer Frau beobachtet, die zwischen einer erniedrigenden Beziehung zu ihrem Ehemann und einer bedrängten Affäre mit ihrem Vergewaltiger flirtet. Die erste Begegnung des letzteren und die darauf folgende Szene sind wunderschön prägnante Beispiele dafür, wie sublim hässlich Imamuras Welten sein können und wie menschlicher Kontakt seine Charaktere oft zu Extremen treiben kann, die viele versuchen könnten, als inakzeptabel zu diskreditieren. In Wahrheit, Absichten des Mordes Das grausame, aber ehrliche Studium von Unterdrückung und kranker Freiheit durch fleischlichen Ausdruck schafft es, ein Porträt von jedem von uns in der gleichen Situation wie seine besten Filme genauso genau wiederzugeben.

37. Ermordung (1964)

In Masahiro Shinodas Doppelveröffentlichungsjahr 1964 wurden voraussichtlich zwei der besten Filme des Landes produziert, letzterer Ermordung . Ein leuchtendes Beispiel für Komfort in der Waage, Ermordung webt ein thematisch unambitioniertes Drama, das genug aus seiner einfachen Geschichte herausholt, um es inmitten der feineren Filme auf dieser Liste zu betrachten: So herrlich beleuchtet und fotografiert wie jeder Film der Mitte der 60er Jahre mit einer Aktion, die so präzise und kraftvoll ist, wie man es von den Ställen von erwarten würde Shinoda. Es ist eine unterspielte Nachahmung des mentalen Zustands, da wilde Gerüchte über das Ziel überall unterdrückt und unterdrückt werden. Sie bilden eine Erzählung, die in ihren Momenten unvorhersehbarer Unverständlichkeit schwelgt und schnell von der Realität in die Vergangenheit wechselt, um sowohl das Publikum als auch mehrere besorgte Gruppen von potenziellen Menschen zu verlassen Mörder am Rande des Rasiermessers des triumphalen Sieges und der sicherlich tödlichen Niederlage.

36. Die nackte Insel (1960)

Kaneto Shindos stoische Auseinandersetzung mit einem ruhigen Landleben. The Naked Island enthält fast keinen gesprochenen Dialog. Der Fokus wird ganz auf seine Bilder verlagert, um seine Geschichte zu erzählen oder genauer gesagt, sein Gefühl zu erzeugen. Shindos ikonoklastische Herangehensweise an das Filmemachen führt zu einigen wunderbar resonanten Bildern in seiner gesamten Filmografie, aber während Onibabas und Kuronekos Bilder ihre Erzählung in kleinen Taschen visueller Inspiration verbessern - The Naked Island ist 96 Minuten essentielle Fotografie. Es verwebt sich auf eine Weise, die Bergman erröten lässt, eine Stimmung kultiviert und sie zu etwas Universellem und Beeinflussendem aufblühen lässt. Die Ruhe und Trübsal Kanetos kleine Inselbewohnerfamilie sieht sich jeden Tag gegenüber, fast wie eine seltsam optimistische Umkehrung von Béla Tarrs The Turin Horse. Shindo entwickelt sich stattdessen zu einer rituellen Feier der menschlichen Ausdauer und der natürlichen Schönheit, die solche Anstrengungen verleihen können. Liebenswert, aufschlussreich und eine unglaublich spannende kleine Erfahrung.

35. Branded to Kill (1967)

Wenn der oben erwähnte Sejiun Suzuki mit 1966 seinen stilistischen Höhepunkt erreichen würde Tokyo Drifter , ein Film, der von seinen Produzenten so verleumdet wurde, dass sie seine Folgebilder zu engeren Budgets verdammten und ihm jede Chance auf Farbe verpassten Zum Töten gebrandmarkt würde sein kreativer Höhepunkt werden - und ein perfektes Beispiel für Kunst durch Widrigkeiten. Das elektrisierende Magnum-Opus des Mannes, Zum Töten gebrandmarkt folgt einem Auftragskiller, der versucht, einen noch tödlicheren Attentäter zu täuschen, während er sich seinen Weg durch Legionen von Schlägern und eine Blitzruten-Romanze bahnt. Es ist für immer scharf, ohne seine Stärke zu verlieren, greift versuchsweise in ein dramatisch ehrgeizigeres Gebiet und schafft es immer noch, Einstellungen voller gesichtsloser Bösewichte zu packen, damit unser Antiheld in Scharen niederschießen kann. Branded to Kill’s Stil, der es immer noch schafft, nach Bedeutung zu suchen, unabhängig vom Ergebnis, ist das, was ihn über dem Rest des Pakets auszeichnet.

34. Das Schwert des Schicksals (1966)

The Sword of Doom, der stilvolle Pilot von Action-Maestro Kihachi Okamoto für eine leider abgesagte Trilogie, ist die ultimative filmische Katharsis. Es ist eine fachmännisch choreografierte Darstellung des teuflischen Schwertspiels, während die Hauptlegende Tatsuya Nakadai gegen Toshiro Mifune und eine endlose Horde namenloser Idioten antritt, die unbedingt demonstrieren wollen, wie tödlich die Titelwaffe sein kann. Zehn fallen vor die Klinge, vor allem in der herrlich rücksichtslosen, ungelösten Schlussszene des Films, und während die Hingabe an das Geschichtenerzählen und den Charakter bestenfalls tangential ist, bewahrt die Atmosphäre und die Bravour der Regisseure ihn davor, nur eine weitere Action-Highlight-Rolle zu werden. Es lohnt sich, bis zum bitteren, blutigen Ende durchzusehen.

33. Hausu (1977)

Ein so großes Kompliment, wie jemand einen seltsamen Film bezahlen kann, ist, dass er seltsam bleibt. Viele von uns haben etwas Seltsames genannt, weil wir nicht eingeweiht sind - nur um festzustellen, dass die vermeintliche Seltsamkeit im Vergleich zu späteren filmischen Entdeckungen verblasst. Dies ist der Weg unseres Weges durch den Film - ebenso wie dies eine sehr langwierige Art, dies zu sagen Hausu ist total mental. Ständig gequält von einer manchmal inspirierten, oft kratzenden, aber immer wahnsinnigen Hintergrundpartitur und gefüllt mit Szenen von Schulmädchen, die gegen besessene Wassermelonen kämpfen, von Killerklavieren gefressen werden und einer gruseligen Phantomkatze entkommen, die darauf aus ist, jede Seele zu verfluchen, die ihre Schwelle überschreitet. Im Grunde ist es so Ju-On aber mit dem Selbstbewusstsein und der schwindelerregenden Kreativität, den ganzen Weg allein mit Stil zu gehen - ohne auf die Hintergrundgeschichte des Mythos zu verzichten, die so oft Spukhausgeschichten mit einer absoluten Hingabe an schwindelerregende Kunstfertigkeit erzählt. Das Ergebnis ist ein herrlicher Hochofen voller Spaß.

32. Ikiru (1951)

Akira Kurosawas vielgepriesenes Porträt des Alters, Ikiru läuft als eine feste Parallele zu Ozu's eigener Arbeit an Menschen in ihren Winterjahren - und verliert seine minimalistische Richtung für Kurosawas weitaus direktere, intensivere Arbeit. Das Ergebnis ist beeindruckend: Mehrere Szenen lecken mit kinetischem Feedback nur aufgrund der Stärke ihrer Bilder und der damit verbundenen Stille oder Tonschwellungen. Ich denke, Kurosawas Stimme trägt wenig Neues zum außergewöhnlich starken Kanon des Kinos über das Altern bei und erreicht im Allgemeinen nicht die offenbarenden Höhen von Wilde Erdbeeren oder Das Leben und der Tod von Col. Blimp Trotz ihres vergleichsweise geringen Mangels an filmischer Unmittelbarkeit beeinträchtigt nichts davon die erstaunliche Resonanz der Arbeit von AK hier.

31. Blind Beast (1969)

Eine unvergleichliche Erforschung von Sinnlichkeit und körperlicher Essenz, Blindes Tier Verfolgt die Beziehung zwischen einem blinden Mann und einer Frau, die er gefangen nimmt, gefangen in einem mühsam gestalteten Labyrinth, das mit Skulpturen menschlicher Form ausgelegt ist - mit Wänden, die mit Augen und Lippen bedeckt sind, während der Boden mit einem unvermeidlichen Gewirr von Gliedmaßen verziert ist. Die Surrealität und die faszinierende Prämisse sind keine Fenster in einen wirklich dichten thematischen Bereich, obwohl es Regisseur Yasuzo Masumura gelingt, das Verhältnis von Lust und Sehnsucht weitaus besser zu veräußerlichen als die konsequente Messerschneide des Scheiterns, auf die sich Nagisa Oshima so oft stürzt und schneidet. Für kontemplativere Stücke über Sexualität ist Yoshishige Yoshida ein wesentlicher Künstler - aber Masumuras völlig einzigartige Vision hier zu leugnen, wäre kriminell - unabhängig von ihrer fehlenden Substanz. Stattdessen füllt er seinen Film mit wunderschönen Kulissen und schmerzenden Gefühlen, die die Charaktere treffen. In stilistischer Hinsicht Blindes Tier absolut steigt.

30. Der menschliche Zustand Punkt 3: Das Gebet eines Soldaten (1961)

Masakai Kobayashis verheerend kraftvoller Abschluss seiner zehnstündigen Trilogie Der menschliche Zustand Teil 3: Das Gebet eines Soldaten dient als Höhepunkt von allem, was Kobayashi im Laufe der Zeit entwickelt hat, zu gleichen Teilen wirkungsvoll und überarbeitet - wie bei den anderen Stücken. Es ist eine Schande, dass die Serie weder die schlaffe Länge des Buches noch den erzwungenen Humanismus, der gelegentlich die ansonsten starke Form seines Regisseurs bremsen kann, ganz überwunden hat: Ohne diese gestelzenen Momente wären wir jedoch niemals mit einer überwältigenden Sammlung wunderschön realisierter Dinge begabt gewesen Szenen, die allein ein Meisterwerk hätten sein können. Das Gebet eines Soldaten ist nicht heikler als seine Vorgänger - jedoch hängt das Gefühl eines Endes über Kobayashis Arbeit wie eine müde Morgendämmerung, die den neuen Tag mit einem neuen Bestand in der japanischen Filmindustrie beginnen möchte. Sowohl ein gewaltiger Triumph des epischen Kinos als auch, was noch wichtiger ist, der letzte Schritt durch das Tor des Ruhmes, das Kobayashi für das folgende Jahrzehnt reichlich künstlerische Freiheit gewährte. Das Ergebnis ist, wie wir sehen werden, mehr als ein paar Stunden Übung wert & hellip;

29. Doppelter Selbstmord (1969)

Eine alarmierend unheimliche Erforschung des kreativen Prozesses, Doppelter Selbstmord sieht ein Holzpuppenspiel, das mit der Absicht inszeniert wird, dass seine beiden Hauptrollen zum Leben erweckt werden - mit schattenhaften Gestalten, die auf den Bühnen herumschleichen, um ihre Scheinerzählung voranzutreiben. Eine fieberhaft beängstigende Geschichte, wenn die Fassade herunterfällt und die albtraumhaften Puppenspieler ihre nächsten Schritte ausführen - oft verwandeln sie die Sets in Verbindung mit Masahiro Shinodas Schaltkamera, um ein schrecklich verzerrtes Raumgefühl zu erzeugen. Außerhalb seines facettenreichen künstlerischen Geräts ist die Handlung von Doppelter Selbstmord ist relativ konventionell und findet keinen tiefgreifenden Grund - aber das ist vielleicht der Grund für seinen Erfolg: Shinodas sorgfältige Untersuchung seines eigenen kreativen Blocks als neugierige dämonische Hände ziehen an den Rändern seiner Vision, um sie präziser zu machen - und entgleisen sie Absichten ganz. Sei es eine Darstellung seiner inneren Kämpfe oder eine Belegschaft, die der Regisseur nicht koordiniert - die zweifache Einbildung von Doppelter Selbstmord übertrifft seine mittelmäßige Fabel für ein Kinoerlebnis, das die Top 50 verdient und mehr als beispielhaft für Masahiro Shinodas kolossale Talente als Filmemacher ist.

28. Ring (1998)

Während das etwas ähnlich ist Ju-On erstickt unter der Belastung seiner eigenen leeren Langeweile, Ringu Leere ist die tödlichste Waffe. Regisseur Hideo Nakatas durchdringendes Meer der Stille durchdringt und dringt in jede vorbeiziehende Szene ein und hebt jedes Geräusch mit der erhöhten Intensität einer angstgetriebenen Person hervor, die vor Adrenalin pulsiert - egal wie banal die Szene ist. Und so schneiden relevante Soundzähler wie das Klingeln des Telefons mit kompromissloser Wildheit durch die Stille. Es gibt kein Entrinnen vor Der Ring in jeder Ecke deines Geistes. Egal wo du rennst - sobald du auf Play spielst, verlängerst du nur das Unvermeidliche. Was könnte schrecklicher sein als der Tod, der durch unsere unausweichliche Neugier bestätigt wird?

27. Kuroneko (1968)

Kaneto Shindos Kuroneko fühlt sich an wie eine glühende Illusion von Horrorfilm-Kompositen, die für eine perfekt dämonische Vision eines absoluten Albtraums zusammengestreut sind. Das komplexe moralische Dilemma, das unter der Oberfläche brodelt, ist eine neue Sicht auf diese unaufhaltsamen Geister, auf die japanische Horror-Medien von Anfang an gesetzt haben - eine intrinsische Erzählung zu schmieden, die die Rauheit von Shinodas früherer überwindet Onibaba etwas Besonderes bilden. Es ist eine verführerisch geschossene, ästhetisch ansprechende Arbeit, die die Kluft zwischen Realität und finsterer Fantasie mit einem ausgesprochen mitfühlenden Auge überbrückt - trotz der Wut ihrer Subjekte. Nicht nur ein definitiver J-Horror-Film, sondern auch ein Klassiker des Weltdramas Ende der sechziger Jahre.

26. Spirited Away (2001)

Es gibt wenig Animation, mit der man voll mithalten kann Spirituell weg zumindest im kreativen Sinne. Der Film ist überladen mit einem atemberaubenden Meer einzigartiger Designs und denkwürdig gestalteter Charaktere, die sich alle so ausdrucksstark bewegen und sprechen wie die Hauptdarsteller. Das detaillierte Universum, das Hayo Miyazaki geschaffen hat, überwiegt meines Erachtens bei weitem das charakteristisch seltsame Geschichtenerzählen und Tempo seiner Arbeit - nicht unähnlich zu Akira , dass es in zufälligen Abständen vorwärts und rückwärts springt, um das Material eines anderen Aktes herauszuholen; obwohl die lustlose Gefahr Spirituell weg findet sich in tut zumindest erlaubt uns, ein wenig länger in seinen lebendigen Kreationen einzutauchen.

25. Tod durch Hängen (1968)

Ich habe in dieser Liste kleine Bemerkungen zu der gefeierten Regisseurin Nagisa Oshima gemacht und verstehe die Infantilität einer solchen Haltung: Aber ich mache das nur, weil dieser wirklich talentierte Filmemacher so oft in obsessiv übersexualisierten Filmproduktionen ertrinkt. Imamuras vergleichsweise konfrontative Reihe früher Arbeiten ist in ihrem zugrunde liegenden Kommentar zur menschlichen Emotion wirksam - aber da Oshima so wenig der Fantasie überlassen bleibt, glaube ich, dass nichts dahinter steckt, ist frustrierend unfähige Arbeit. Das heißt, mit Ausnahme des brillant bizarren Death by Hanging von 1968. Oshima, die Geschichte eines Exekutierten, der sich weigert zu sterben, verwendet seine krasse, aber dennoch einfühlsame Linse, um eine Reihe von sozialen Problemen, Regierungsversagen und menschlichen Äußerungen hervorzuheben - alles in einer ständig witzigen Farce-Komödie mit einem selbstbewussten Selbstbewusstsein eines Filmemachers Glück, wie Oshima zuvor so weit entfernt schien. Nicht vorher oder seither hat er es geschafft, diesen inspirierten Schuss bei der Todesstrafe zu erreichen, was eine Schande ist - aber zumindest mussten wir ihn mindestens einmal aufsteigen sehen.

24. Ein Flüchtling aus der Vergangenheit (1965)

Tomu Uchida Ein Flüchtling aus der Vergangenheit ist mit einem Wort: Außergewöhnlich. Die überlebenden Filme seines kompetenten Regisseurs sind einfach unvergleichlich mit der hier gezeigten Arbeit und sprechen mit einer Art zufälligem Blitz in einer Flasche, da Uchida mit genau der richtigen Geschichte begabt war, um sein Versprechen als Künstler zu erfüllen. Ein Flüchtling aus der Vergangenheit untersucht Gewalt und selbstverschuldeten Kummer auf eine Art und Weise, wie es nur wenige Filme können - beides gegen den Sand der Zeit zu messen, während er herunterrinnt und mehr Charaktere nahe daran sind, unserem Protagonisten göttliche Vergeltung zu bringen - eine einzigartig herausfordernde Figur, die sowohl für als auch gegen as wurzelt er versucht, dem blutigen Weg der Gewalt zu entkommen, den er in seinen frühen Jahren durch Japan eingeschlagen hat. Ich finde, dass Ein Flüchtling aus der Vergangenheit ist so einzigartig mächtig und möglicherweise sogar tiefgreifend in seiner Entschließung, dass ich nichts anderes sagen sollte, als es natürlich so schnell wie möglich zu sehen.

23. Fallstricke (1962)

Hiroshi Teshigaharas überraschendes Spielfilmdebüt, Falle verbindet Genres mit dem Selbstvertrauen und der Präzision eines alten Meisters - geschweige denn eines Regisseurs, der zuvor nur Dokumentarfilme gedreht hatte. Während er etwas Mühe hat, seine Geschichte für die vollen 97 Minuten spannend zu halten - was? Falle Angebote überwiegt alle Probleme mit seiner narrativen Ausführung. Spielen Sie mit unserer Wahrnehmung der Realität, indem Sie Mörder, Phantome und surreale Bilder mischen. Falle ist oft furchterregend, da seine vielen Charaktere verzweifelt versuchen, ihren unaufhaltsamen Angreifer abzuwehren: Ein normaler Mann in einem weißen Anzug mit einer Klinge. Die Menschlichkeit von Teshigaharas gruseligem Mörder ist der erste von vielen sozialen Kommentaren, die seine Werke allein im Bild machen - ohne dabei Zeit oder Glaubwürdigkeit zu opfern, um einen Punkt nach Hause zu bringen. Ohne seine linken Neigungen, Falle behält seine Kraft als erschütterndes Kinoerlebnis: Mit mehreren schockierenden Szenen, die für die Klarheit und das Handwerk von Teshigaharas Methode sprechen, injiziert er selbst den einzigartigsten Momenten eine Vielzahl von Emotionen, die so frei umeinander tanzen - von Humor bis Horror ein Herzschlag. Nur wenige Debüts waren sich des Karriereweges ihres Masters so genau bewusst.

22. Tokyo Twilight (1957)

Yasujirō Ozu's letzter Schwarz-Weiß-Film, Tokyo Twilight’s Maut als kontextuelle Elegie für die monochromen Ausflüge des Mannes sowie als vielleicht sein düsterstes Merkmal. Ozu's bemerkenswerte Abkehr von seiner eigenen 360-Grad-Regel, um stattdessen hinter Charakteren zu sitzen, deren mürrische Gesichter durch einen überwiegend leeren, kalten Haarschopf ersetzt werden, ist eine meisterhafte Abkehr von seiner charakteristischen Blockierung und Komposition für eine weitaus trostlosere Angelegenheit - eine, die seine widerspiegelt die unnachgiebige Lage der Schlüsselspieler. Tokyo Twilight orientiert sich an Hollywood Noir mit seinen anhaltenden Schatten und schlammigen, unvollkommenen Bühnen, um eine universell unversöhnliche, letztendlich ziellose Filmwelt zu schaffen, die sich in ihren grimmigen emotionalen Parallelen auf unsere eigene Gesellschaft auswirkt, und nicht auf eine unverhältnismäßige Dystopie, die mit der Zeit sicherlich ihren Glanz verlieren würde. Ein außergewöhnliches, stark unterbewertetes Juwel.

21. Eureka (2000)

Der längste Einzelfilm auf dieser Liste, S. Eureka erstreckt sich für s- und ich denke, es wäre unverzeihlich, eine seiner Handlungsstränge preiszugeben. Selbst für das reichste Jahr in der jüngsten filmischen Erinnerung, Eureka zählt immer noch zu den besten Filmen des Jahres 2000 - und in der Tat des gesamten Jahrzehnts: Ein feierlicher, visuell auffälliger und einzigartiger & hellip; japanisch Porträt der Trauer. Nur in einem solchen Land könnte eine solche Nüchternheit und Melancholie mit einem taktilen Strom von Humor, Leichtfertigkeit und unabsichtlich willkommenem Absurdismus kombiniert werden - alles verwoben in einem wogenden Teppich menschlicher Emotionen, der ganz einfach gesehen werden muss. Lesen Sie keine Synopsen. Schauen Sie nicht hinein. Sehen Sie einfach Eureka .

20. Rache ist meine (1979)

Regisseur Shohei Imamura ist eine Figur der Superlative des unanständigen Kinos. Seine dunklen, beschädigten Charaktere und konfrontativ aufgeladenen Situationen artikulieren eine schamlose Faszination für die Bestechlichkeit der menschlichen Seele. Vengeance is Mine transponiert Ryūzūo Sakis Bericht über den Serienmörder Akira Nishiguchi mit erschütternder Raffinesse: Er präsentiert einen zutiefst gewalttätigen, soziopathen und doch unverkennbar realen Menschen mit all unseren Eigenheiten, die sein Nest der amoralischen Zerstörung netzen. Imamuras Tempo kollidiert zwar mit dem Fluss, aber ich finde, dass die Geschichte in diesem Fall eine längere Laufzeit rechtfertigt und am Ende eine einzigartig metaphysische Lösung für solch ein brutales Stück Arbeit liefert, das den Wind und die Erde selbst dazu auffordert ihr letztes Urteil fällen.

19. Yojimbo (1961)

Im Bereich des Action-Kinos sind uns kleine Schnappschüsse auf den Fersen Yojimbo . Kurosawas liebenswerte Verwendung von Leitmotiven sticht in den Schritt seiner Charaktere ein und wirkt sowohl bei der Tentpoling-Spannung als auch bei jeder Morricone-Partitur. Die scharfen Action-Sequenzen werden durch das schlampige Sounddesign und die Wertschätzung des öffentlichen Zimper etwas abgestumpft - so etwas wie Flicks Das Schwert des Untergangs und Ermordung Ich habe keine Probleme damit - aber was es im Gegenzug gibt, ist eine ständig komödiantische Interpretation der Basis von Red Harvest - Mifune, die eine klassische Performance darstellt, die von körperlicher Persönlichkeit und Witz strotzt und als Grundpfeiler für das wohl beste Straight-Up fungiert Actionfilm jemals gemacht.

18. Audition (1999)

Vorsprechen ist ein Film mit fieberhaft präziser Kontrolle über seinen eigenen Ton. Der ansonsten erfolgreiche Takashi Miike hat sich vor einer produktiven, gelegentlich fruchtbaren Karriere einen Namen gemacht, die wegweisenden Klassikern wie ihr Leben eingehaucht hat Besucher Q. und Auge - aber wenig über seinen Regiestil vermittelt äußerlich das Selbstvertrauen und die akuten Fähigkeiten, die erforderlich sind, um etwas so Kühnes wie zu schaffen Vorsprechen . Miikes Werk ist weitaus reifer als jedes seiner umgebenden Werke und untersucht eine einfache Prämisse mit brutaler Effizienz: Jeden zarten Moment mit einer üppig düsteren Palette und einem unheimlichen Tempo zu beschmutzen, das jede Szene auf die Messerschneide eines schrecklichen Fehlers bringt. Vorsprechen stellt einen hypnotisierenden Höhepunkt dieses endlos bewundernswerten japanischen Komforts beim Genre-Filmemachen dar: Das Auflösen seines kristallklaren Rätsels zu einem transzendental schockierenden Effekt. Sehen ist Glauben.

17. Ran (1985)

Kurosawas berühmteste Shakespeare-Adaption - wenn eine, die meiner Meinung nach zu viel Boden ihrer Inspiration preisgibt. King Lear ist eine makellose Schrift - aber auf dem Bildschirm bleibt sie träge zurück, ohne das atemberaubende Gefühl der ersten 85 Minuten wiederzuerlangen. Vom Beginn bis zur unergründlich tiefgreifenden Belagerungssequenz Ran ist ein Meisterwerk: Ein Stück Filmkunst, das in Kurosawas mehr als beeindruckendem Oeuvre seinesgleichen sucht - und zweifellos ein Einstieg in die Top 10. Doch nach diesem meisterhaft gehandhabten Aufbau und Gewinn setzt Kurosawa die Geschichte von König Lear auf eine Weise fort, die versickert trotz der Bemühungen der perfekt gespielten Bösewichtin Lady Kaede mühsam lustlos und flach. Es ist eine echte Schande, dass Ran Ich verschwendete sowieso so viel Potenzial für Treue - aber zumindest brennt die glühende Flamme der ersten Hälfte hell genug, um ihren Platz in den Top 20 zu sichern.

16. Prinzessin Mononoke (1997)

Hayo Miyazakis dunkle Fantasie war noch nie besonders komplex. Jeder Film mit einer Nachricht kommuniziert diese normalerweise nicht auf raffinierte Weise und wie Orson Welles es so treffend ausdrückte: „Es könnte auf den Kopf einer Stecknadel geschrieben werden“. Die stumpfe und offensichtliche Botschaft von Prinzessin Mononoke Im Herzen klingt es jedoch etwas wahrer als im Verstand. Miyazakis sorgfältig konstruierte Kluft zwischen Menschen und Monstern führt zu einem faszinierenden Vergleich damit, wie die Alten unsere Welt sahen - und wie der unvermeidliche Zusammenbruch ihrer Zivilisationen eines Tages unsere eigene widerspiegeln könnte. Die Mystik und Mystik seiner Charaktere ist der Kern, der es erlaubt Mononoke die traditionell vapiden Nachrichten-Film-Fallstricke zu überwinden - seine allgegenwärtige Linie wortlos einzuschleusen, jede Handlung, die sie gravitiert, und damit die filmische Wirkung dessen, was auf dem Bildschirm zu sehen ist, zu verstärken. Die hier gezeigte wechselseitige Beziehung spricht von Hayo Miyazakis tiefem Talent als Filmemacher - und dass seine Arbeit mehr als nur ein schillernder kreativer Aufruhr ist.

15. Ein Herbstnachmittag (1962)

Ich denke, für mich zu kommentieren Ein Herbstnachmittag Ich würde bereits den Film verschwenden, den Ozu über ein Jahrzehnt zuvor gedreht hat und den er hier effektiv zu seinem letzten Film gemacht hat. Ein Herbstnachmittag ist ebenso elegisch, subtil und melancholisch und schafft es, mehrere im ersten Film vorgestellte Konzepte zu entwickeln und zu erweitern. Es entfernt sich von einigen Elementen des Originals, um sich auf andere Ideen zu konzentrieren. Dies bietet einem großen Künstler die seltene Gelegenheit, ähnliche Tiefen in dieselbe Form zu stecken. Ozu verbrachte seine gesamte Karriere damit, sehr ähnliche Filme zu drehen, schaffte es jedoch jedes Mal, neue Bereiche menschlicher Interaktion zu erschließen und einige der besten Filme zu produzieren, die jemals gedreht wurden. Der Mann hinterließ ein so ehrwürdiges Erbe und hätte seinen Lauf so beenden können, wie er wollte. Ein Herbstnachmittag ist die perfekte Nähe zu seinem schimmernden Oeuvre.

14. Thron des Blutes (1957)

Eine meisterhafte Anpassung, falls es jemals eine gab , Thron des Blutes nimmt Shakespeares beispiellosen Macbeth und schmiedet einen künstlerischen Text, der für sich steht. Toshiro Mifunes kontrollierter, verheerend menschlicher Abstieg in den mörderischen Wahnsinn bleibt eine der besten Rollen des Mannes - und Kurosawa selbst setzt seinem Film Lesezeichen mit außergewöhnlichen Bildern, die mit einem Regisseur, der nicht mit der zentralisierten ikonoklastischen Praxis verbunden ist, fast fehl am Platz sind. Dennoch ist es die Bildsprache von Thron des Blutes das macht es so massiv. So faszinierend und übernatürlich. Der klimatische Angriff sieht eine der besten Charakter-Schlussfolgerungen, die jemals gedreht wurden, und zementiert sie als ein Kunstwerk, das den imposanten Schatten seines Elternspiels irgendwie völlig umgeht.

13. Tokyo Story (1953)

Apropos Wahrzeichen aus den 1950er Jahren, es gibt nur wenige Filme, die Ihre Bestrebungen als Filmemacher so unbezwingbar erfüllen Tokio Geschichte . Ein schimmernder Höhepunkt von Yasujirō Ozu's tadelloser Filmografie, immer von seiner besten Seite. Es ist ein Film, der entwaffnend einfache Filmsprache verwendet, um durchdringende, intime Effekte zu erzielen. Das Publikum setzt sich mit den Charakteren zusammen - stille Voyeure zu einer Familie, die die allmählich erniedrigende ältere Generation langsam aus ihrem Leben verbannt. Ozu lässt allen seinen Charakteren eine Stimme, komponiert elegante und wirkungsvolle Momente der Offenbarung und bewegt seine Kamera nur einmal für volle 136 Minuten. Es gibt keinen objektiven „größten“ oder sogar „großartigen“ Film, aber für diejenigen unter Ihnen, die anhand solcher Websites auswählen, was sie sehen möchten, muss ich das hinzufügen Tokio Geschichte ist DIE am höchsten bewertete Arbeit über faule Tomaten mit einem unglaublichen Durchschnitt von 9,7 Punkten. Es genügt zu sagen, dass der geduldige, reflexive Blick auf Leben und Alter viele unermesslich berührt hat - und rechtfertigt jedem, der diese Liste liest, es selbst zu versuchen.

12. Brände in der Ebene (1959)

Von Kon Ichikawa, der wohl überzeugendsten humanistischen Figur des japanischen Nachkriegskinos, Feuer in der Ebene erzählt die Geschichte eines Mannes, der in einem verlorenen Kampf in der Hitze des Zweiten Weltkriegs verloren gegangen ist. Es ist ein Film, der in seiner Einsamkeit mutig ist - er zeigt Kriegssituationen in einer leeren Landschaft ohne Leben und voller Leere der Angst. Jede Ecke trägt eine andere Odyssean-Figur, die unseren verwitterten Helden entweder begleiten oder zerstören soll. Und wie bei Homers epischem Gedicht schafft Ichikawas Verständnis für das Gesamtbild eine sehr emotionale Welt, in der unser Held ein Puzzleteil ist, das von Generälen weit entfernt von der Front bewegt und motiviert wird. Es ist ein Film, der in seiner eigenen Isolation stinkt, sein Zuhause vermisst und vom Terror des Überlebens zu amoralischen Handlungen getrieben wird. Meisterhafte Arbeit einer urigen, aber dennoch wichtigen Persönlichkeit der Branche in den 1950er Jahren.

11. Samurai-Rebellion (1967)

Eine wesentliche Stärke von Masakai Kobayashis Drama ist, dass er es fast zu einem Fehler köcheln lässt. Seine akribischen Kompositionen und tadellos zeitgesteuerten Aktionen kreisen immer enger um den zentralen Konflikt und drücken jeden Zentimeter des Atemraums trocken, bis nur noch die Notwendigkeit übrig bleibt, den allgegenwärtigen moralischen Idealen seiner Charaktere zugrunde zu liegen. Im Samurai-Rebellion Die Handlung selbst ist schon beim Lesen des Titels zur Hand, aber der Mann spielt darauf für jedes zweite prickelnde Publikum mit winzigen Zügen in Richtung des ersten gezogenen Schwertes, bevor er sich schließlich in eine bittere, brutale und letztendlich blutige Angelegenheit auflöst, die mit den Unbarmherzigen weitergeht Die Strenge, die Kobayashi so gut aushält: Eine unvergleichliche Fähigkeit, sowohl die Unvermeidlichkeit der Situation seiner Charaktere zu konstruieren als auch sich bei jedem Schritt in sie hineinzuversetzen. In Samurai Rebellion erreicht dieser selektive Humanismus seine eindrucksvollsten Höhen - und heiratet den Karrierehöhepunkt eines der größten japanischen Künstler.

10. Eros + Massacre (1969)

Von allen New Wave-Regisseuren, die ein Synonym für Psychosexualität sind, hat keiner jemals das aufregend versicherte Labyrinth von Yoshishige Yoshidas teuflischer Kreativität erreicht. Im Gegensatz dazu schlagen Oshima und Imamura nur dieselben Themen überzeugender als die anderen, wobei nur Kiju es schafft, den Kern ihrer existenziellen Kontemplation mit solch erstaunlich filmischer Tapferkeit zu durchdringen. Nirgendwo ist diese faszinierende Beherrschung der psychosexuellen Erzählung und der Ästhetik, die sie hervorruft, so reichlich wie in Eros + Massaker , Yoshidas epische 215-minütige Avantgarde-Parabel, eine unverständliche Euphorie von Bild, Ton und fühlbarer Berührung…

9. Mein Nachbar Totoro (1988)

My Neighbor Totoro ist ein grenzenlos freudiger Film, der von der Magie der Kindheit schimmert. Ich habe es erst im Alter von 18 Jahren endlich entdeckt, aber seine unglaubliche Schönheit und Fähigkeit zum Staunen haben mich wieder in einen jüngeren Geist eingeladen - oder vielleicht nur in einen weniger zynischen. Die oft schwere Last menschlicher Erfahrung lässt uns entweder Eskapismus fordern oder nach anhaltendem Realismus verlangen, aber was Totoro tut, um es über jedes andere animierte Feature zu heben, das jemals gemacht wurde, ist, die Wünsche seines Publikums völlig zu ignorieren und eine Geschichte zu präsentieren, zu der man stattdessen kommen kann Es ist verlockend mit seinem üppigen visuellen Design, den federnden Charakteren und der Entdeckung der verborgenen Schätze der Natur neben seinen Spuren. Anstatt das Kind anzusprechen, das wir einmal waren, erlaubt sich Totoro, ein breiteres Gefühl von Abenteuer und Hoffnung zu erschließen, das in das tiefere Geheimnis unseres Planeten investiert ist. Die Belohnung für diesen Glauben ist ein schimmernder Diamant der Japanimation: Leuchtend, universell bewegend und absolut typisch.

8. Das Gesicht eines anderen (1966)

Das Gesicht eines anderen ist eine unheimlich epochale Diagnose des modernen Lebens durch das ruhig trainierte Fadenkreuz der dunklen Fantasie und untersucht die Erfahrung eines entstellten Mannes, nachdem sein wundersames neues Gesicht seine alte Persönlichkeit zu überwältigen beginnt. Teshigaharas Werk ist immer so nuanciert, dass es auf Armeslänge erscheint, während es sich lautlos mit seinen Skelettfingern darunter kratzt, und sein Meisterwerk von 1966 kommt der Enthüllung seiner wahren Natur am nächsten: Bringen Sie die ominösen Kompositionen und krassen Horrorbilder des Regisseurs direkt in die Metropole und blicken Sie in die Stadt Abgrund mit der gleichen distanzierten Vision, die Travis Bickle ein Jahrzehnt später im Taxifahrer so lebendig zum Leben erweckte. Ein Stück Arbeit, das Persona und Eclipse Seconds im selben Jahr für seine herausfordernde Provokation von Verlangen, Persönlichkeit und Identität Konkurrenz macht - das Gesicht eines anderen ist ein wichtiges Kino: Ein gewaltiger Triumph von Teshigaharas Methode und Werk, das in seiner eigenen Makellosigkeit so eng verwunden ist Ideen und Atmosphäre Es wäre kriminell, weitere Geheimnisse preiszugeben. Überzeugen Sie sich selbst…

7. Rashomon (1950)

Eines meiner persönlichen Tore zum Weltkino, das von Akira Kurosawa Rashomon ist so fest in der Filmkultur verankert, dass sie in die Sprache eingeweiht wurde, um die psychologische Wirkung ihrer Charaktere zu beschreiben: Jeder von ihnen liefert widersprüchliche Aussagen zu einem grausamen Fall von Vergewaltigung / Mord. Kurosawas Vitalität wird voll zur Geltung gebracht. Sie bietet wegweisende Kameratechniken wie das direkte Schießen auf die Sonne und das Verschleiern durch ein Laubgewirr, sodass jede Szene im Wald genauso abstrahiert war wie das Gegenstück vor Gericht. Die entwaffnende Einfachheit von Rashomons Der unwiderstehliche Handlungshaken bietet Raum für Kommentare zur menschlichen Wahrheit, Moral und zu einem reichhaltigen Kinoerlebnis mit Kurosawas berühmten Darstellungen wütender Schwertkunst. Dem Dialog um Rashomon gibt es wenig hinzuzufügen, außer dass er sich seiner Zeit noch Jahrzehnte voraus fühlt. Man kann sich nur das Gefühl vorstellen, 1950 so zu sehen.

6. Harakiri (1962)

Harakiri ist ungefähr so ​​stark wie Filme werden. Regisseur Masakai Kobayashi beginnt mit einer so wirkungsvollen Einstellung, wie man es sich vorstellen kann, und erschafft ein Phänomen, das nach wie vor einer der am meisten gelobten Filme aller Zeiten ist: Trotz meiner ersten Erfahrungen zählt er zu den am besten bewerteten Filmen auf einer großen Mehrheit der Benutzer-Websites angenommen, dass die Anziehungskraft nachließ. Es ist eine akribisch geduldige, hinterhältig inspirierte Erforschung des japanischen Ehrenkodex - eine immer noch zusammenzuckende Wunde in der Nachkriegszeit 1962, die Kobayashi nicht nur als Landsmann, sondern auch als Mensch betrachtet. Jeder Tropfen Blut lief ein Harakiri spricht mit dem qualvollen Hass des Künstlers auf Tod und Gewalt: Fast so, als würde es ihn schmerzen, solche Brutalität auf die Leinwand zu bringen. In der heutigen Welt ist eine solche streng menschliche Richtung göttlich anzusehen - und fungiert als Grundpfeiler für den Abschluss des Films. Ohne die Hingabe aller Beteiligten, Harakiri wäre als ein weiteres spielerisches Drama vergessen worden, straff ausgearbeitet, aber ansonsten bescheiden. Harakiri sitzt heute hier oben, weil Masakai Kobayashi sich mehr interessiert, als Sie sich vorstellen können, und ich denke, dass es in seiner eigenen scharfen, glückseligen Eleganz inmitten der größten Filme der 1960er Jahre liegt.

5. Sieben Samurai (1954)

Seven Samurai, der bekannteste Film, der jemals aus Japan kam, hat das Medium unauslöschlich geprägt und ist bis heute im Action-Kino verwurzelt. Kurosawas regennasser Höhepunkt mit mehreren Kameras verdunkelt die prophetische Tiefe von Rans Burgbelagerung nicht ganz, aber er informiert weiterhin darüber, wie wir Action-Sequenzen zusammenschneiden, auch wenn zeitgenössische Redakteure den Einfluss möglicherweise nicht bemerken. Weit über seiner dauerhaften kulturellen Kraft liegt die überzeugende Charakterisierung von Seven Samurai: Die Schaffung einer ganzen Welt reicher Figuren, die enorm von Kurosawas akribischer Methode unterstützt wird, um seine Vision vom feudalen Japan so tiefgreifend wie möglich zu gestalten. Dieser eigens gefertigte Schmelztiegel aus meisterhafter Action und leuchtendem Geschichtenerzählen führt zu einem wegweisenden Stück Kino, das ein so mutiges und kraftvolles Filmende beeinflusst, elektrisiert und letztendlich hinterlässt, wie ich es noch nie gesehen habe. Ein verdienter Bestandteil des Pantheons des internationalen Kinos.

4. Blasse Blume (1964)

Wären nicht nur zwei Wörter in einer Liste der großen japanischen Filme verstreut, hätte sich der Name Masahiro Shinoda nicht innerhalb von zehn Fuß von dieser Liste entfernt. In Anbetracht seiner Beiträge zum großen japanischen Kino, die eine Schande sind - und zu glauben, dass ein solches Meisterwerk der Forschung beinahe entgangen wäre, bedeutet dies, etwas darüber zu sagen, wie viele Filme da draußen darum bitten, wiederentdeckt zu werden. Gelobt bei Veröffentlichung und leise veröffentlicht von der Criterion Collection, Blasse Blume ist einer der größten Kriminalfilme aller Zeiten. Nur einen Spieler und seine neu entdeckte Liebe in eine verzweifelte Spirale der Erniedrigung und Leidenschaftslosigkeit fallen zu sehen - es bleibt eines der kühnsten dunklen, visionären Werke, um den Lippen der japanischen New Wave zu entkommen: Eine, die mörderisch scharf ist Frame One bis zum Ende und das liefert einen ebenso transzendentalen filmischen Effekt wie jedes weniger extreme Werk von Ozu oder Kurosawa. Shinoda wird niemals als einer der ganz Großen angesehen werden, zumindest nicht von der breiten Öffentlichkeit - aber ich hoffe zumindest, dass die Leute dazu getrieben werden, sein Kino aus diesem Schmelztiegel krimineller Perfektion heraus zu entdecken: Ein Werk, so roh und unverkettet wie das überreizte Toben übermäßiger Gegenkultur und gleichzeitig so zart und kontrolliert wie jeder Film, den ich jemals gesehen habe. Es ist akribisch, wunderbar und unverständlich unterschätzt. Repariere das.

3. Frau in den Dünen (1964)

Wenn Kiju Yoshida und sein Eros + Massaker ist der Verfechter der High-Art-Psychosexualität - dann Hiroshi Teshigahara Frau in den Dünen ist im Vergleich mythisch. Teshigaharas fast bösartige Methode, die aus dem berühmten Quellenroman des langjährigen Mitarbeiters Kōbō Abe stammt, ist hier sowohl boshaft als auch quälend mitfühlend. Schwache Lichter der unterdrückten Menschheit scheinen durch den sich bewegenden Sand, der unsere beiden bedrängten Protagonisten umgibt - Menschen, die zum erbitterten Überleben in den ursprünglichsten Zustand des Seins gezwungen wurden. In der Tat in Frau in den Dünen , Belastbarkeit ist Einreichung. Nichts ist heilig. Nirgendwo ist vor den grausamen Augen der fast allgegenwärtigen Dorfbewohner, die unsere Helden zu ihrer höllischen Grube verurteilen, sicher. Es ist ein perfektes Konzept, das von Hiroshi Teshigahara tadellos filmisch ausgeführt wurde und das meiner Meinung nach die effektivste Partitur des legendären Komponisten Toru Takemitsu produziert. Drei unglaublich selbstbewusste Künstler in der gleichen Richtung wie De Niro, Scorsese und Schrader zusammenbringen Taxifahrer - - Frau in den Dünen ist sein eigenes, zu gleichen Teilen menschliches und unausweichlich schreckliches Tier. Ein schreckliches, wesentliches Kunstwerk.

2. Spätfrühling (1949)

Später Frühling ist eine Offenbarung der modernen Monotonie: Ein Exorzismus der Dämonen an diesem Ort und in dieser Zeit verlangt, dass sie nicht nur unter Verschluss gehalten, sondern verborgen werden, als ob sie nicht existieren. Während der schmerzende Wunsch, diese Schrecken auszudrücken, nie völlig losgelassen wird, können wir in jedem Augenwinkel zwischen den Worten jeder Zeile und oft lautlosem Summen in der Mitte jedes Raumes erkennen. Und so für eine Welt, die so oberflächlich von zahnigen Lächeln und zarten Melodien gesättigt ist - Ozu's Später Frühling Es herrscht auch eine Atmosphäre völliger Verzweiflung: Die Angst, dass wir nicht akzeptiert werden - dass jeder Ausdruck zu einer Niederlage führen könnte, und deshalb nennen wir den Kurs am besten unwiderruflich, anstatt ein Risiko einzugehen und mitten auf den Spuren zu stehen. Sein zurückkehrender Prüfstein für aufeinandertreffende Generationen ist der Kern von Spätfrühling Sorgfältig behandeltes Drama, aber ich denke hier, mehr als jedes seiner anderen Werke (oder vielleicht jeder Film, der in den letzten Jahrzehnten produziert wurde): Ozu hat es geschafft, ein perfektes Ende zu finden. Es ist keine leichte Aufgabe, eine klare Zusammenfassung Ihrer Themen und Gefühle Ihrer Charaktere zu erreichen, umso mehr, einen Moment zu finden, der so einzigartig erschütternd ist, wie er hier geboren wurde, und daher schlage ich jedem vor, der sich im dramatischen Schreiben, Regie, Produktion oder einfach nur bewegt cinephilic Interesse bleibt Später Frühling ganz oben auf ihrer Beobachtungsliste. Vertrau mir: Es wird dich überraschen.

1. High & Low (1963)

High & Low ist ein von Natur aus unmögliches filmisches Unterfangen. Es erstreckt sich nach einem schwer fassbaren Element mit einem so widersprüchlichen Kern, dass es nichts zu finden scheint. An der Oberfläche fehlt ihm die nuancierte, aber dennoch überwältigende Kraft von Seven Samurai sowie das langsam brennende Inferno, das am Ende des späten Frühlings in beschämender Stille tobt. In Wahrheit verbindet High & Low beides: Treten Sie so vorsichtig inmitten alltäglicher Menschen, aus Angst vor mehr Krankheit, Verderbtheit und Sucht - zu mehr Gier und Eifersucht und gnadenloser Amoralität um diesen Schlamm, der endlos hinter jeder Straßenecke sickert. Es ist ein Film, der Angst vor dem hat, was er in der menschlichen Verfassung sieht, was Kurosawa so sehr schmerzt, auf die Leinwand zu kommen - und es ist sein schwankender Strom kreativer Selbstrepression, der seine ehrwürdige Bedeutung sichert. High & Low hat die Kühnheit, sich der absolut hoffnungslosen, banalen Grausamkeit zu stellen, die in all unseren Herzen lauert - wie hässlich und überwältigend die ganze Welt in ihrer Sättigung seelenloser Selbstbedienung ist. Vielleicht werden wir bessere Menschen, um uns endlich umzudrehen und es zu erkennen. Kann verstehen, dass es in Ordnung ist, Angst zu haben, solange Sie die Anwesenheit des Unerklärlichen akzeptieren. Das nicht rückzahlbare. Der einzige Trost, den Sie jemals finden werden, ist Vergebung. Wenn Sie sich die Mühe machen, einen Film auf dieser Liste anzusehen, machen Sie diesen.