Kurzfilme sind Spielfilme mit weniger Zeitaufwand, bieten aber die gleiche Unterhaltung und Vision wie jeder Langzeitfilm.
Es kann eine Laufzeit von etwa 40 Minuten haben, die Entwicklung der Geschichten ist jedoch immer vorhanden.
Wenn es um Anime geht, dann folgen diese Dinge Computerdesigns und Kunst. Durch die authentische Darstellung von Geschichte und Charakteren werden Kurzfilme insbesondere in der hektischen Welt leichter verdaulich.
Viele Franchise-Unternehmen und Labels haben Animes gemacht, die weltweit bekannt sind, da sie eine kostengünstige Möglichkeit darstellen, den Geschmack des Publikums kennenzulernen.
Das Gleiche gilt für jene Zuschauergruppen, die vielleicht kein Interesse an Filmen haben, aber mit verschiedenen Genres experimentieren möchten.
Wenn Sie sich also jemals gefragt haben, was Sie in kurzen Anime-Filmen sehen und verfolgen sollten, dann sind hier die besten 50 für Sie:
„The Mechanism Of Spring“ ist ein 4-minütiger Film, der 2010 veröffentlicht wurde. Über diesen Film ist nicht viel bekannt, außer der Tatsache, dass er von Atsushi Wada gedreht wurde.
Der Schwerpunkt liegt auf dem Frühling, der sowohl als Thema als auch als Metapher dient. Jeder Charakter im Film freut sich auf die Ankunft des Frühlings, da er das Kommen des Neuen darstellt.
Es begann damit, dass eine Gruppe Jungen sich auf eine auf dem Kopf stehende Schildkröte konzentrierte. Zu den weiteren Charakteren zählen neben der Schildkröte auch ein Frosch, eine Schnecke und eine Krähe.
Die Animation wurde mit der Zeit als Metapher für den Frühling gut ausgearbeitet. Der Klang und das Design könnten jedoch deutlich besser sein.
Der am 29. Juni 1995 veröffentlichte Film handelte von einer Razzia der Polizei. Nach der Untersuchung der Opfer entdeckten die beiden Beamten ein bewusstloses Wesen, bei dem es sich offenbar um ein gefesseltes Flügelmädchen handelte.
Das Mädchen wurde später von einer Gruppe von Spezialisten entführt, aber erneut gefangen genommen. Da der Polizist von der Gefangenschaft des Mädchens enttäuscht war, versuchte er, sie durch die notwendigen Vorbereitungen freizulassen.
Der Film hat einen Moment, der in der Kategorie Menschlichkeit bleibt. Es hat einen sehr flüssigen Animationseffekt, der sowohl Comedy als auch andere Emotionen mit sich bringt.
Die Kunst mit den Charakteren im Video scheint sehr entschlossen zu sein, der Ton war jedoch nicht von seiner besten Seite.
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Der fast 40-minütige Film thematisiert Horror und Mysterium. Es handelt sich um ein sehr schönes Mädchen namens Rima, das in die Klasse von Masami versetzt wurde.
Masami war nicht nur eifersüchtig, sondern hatte auch Angst vor diesem neuen Transfer, was zu einer Abneigung gegen sie führte. Als die Jungen ihre Anziehungskraft auf die neu versetzte Rima zeigten, hatte Masami jeden Morgen Albträume und war voller Narben.
Nachdem sie ihren Verdächtigen auf die neue Versetzung hingewiesen hatte, begann sie sofort, Beweise zur Bestätigung zu sammeln. Gemäß dem modernen Thema des Horrors war es definitiv geheimnisvoll, scheiterte aber irgendwann an der Vorhersage.
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Ein 9-Minuten-Film klingt vielleicht nicht zugänglich, was den Ton und die Entwicklung der Charaktere sowie der Geschichte angeht, aber „The Second Renaissance Part 1“ ist das Gegenteil.
Die Geschichte ist ziemlich historisch, wobei der Aufstieg der Maschinen zum Kern wurde. Als Maschinen vom Menschen geschaffen wurden, war ihre Zerstörung unvorhersehbar.
Maschinen arbeiten wie einfache Arbeiter, um ihr Bestes zu geben, haben aber nie Respekt erlangt. Aus Rache dafür ermordete eine Maschine ihren Hersteller und überredete den Rest der Maschine, dies zu tun.
Der Film ist eine Metapher, die sich auf die Dritte Welt und ihre Teilung bezieht. Es ist nichts anderes als die aktuelle Situation der Welt, die zur Realität werden kann.
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Indem er das Thema der Sklaverei thematisierte, wurde der Film eher moralisch als emotional. Es liegt an einem Ei, das wie ein Sklave im Haus einer Hexe arbeitete.
Die Geschichte spielt in einem Wald, in dem eine Hexe namens Baba Yaga dank einer Dienerin ihr bestes Leben führt.
Dieser Diener ist niemand anderes als ein Ei namens Egg Princess. Das Ei wird von einer Hexe eingesperrt, die ihr sagt, sie solle die ganze Hausarbeit erledigen.
Die Geschichte nimmt bald Wendungen, als aus einem Teig durch einen Zauberspruch Leben wird. Indem sie eine Freundschaft mit diesem neuen Lebewesen schloss, beschloss Egg, ihrem Alltag und ihrer Traurigkeit zu entfliehen.
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„Genius Party“ ist eine Zusammenstellung von sieben individuellen und bemerkenswerten Kurzfilmen, jeder mit seiner eigenen einzigartigen Handlung und Tonalität.
Von herzerwärmenden Geschichten bis hin zu bizarren Erzählungen stellen diese Kurzfilme eine Vielzahl von Charakteren und Erfahrungen vor.
In dieser Sammlung begegnen die Zuschauer Monstern, die die Herausforderungen der Bildung meistern, einer Person, die mit ihrer Selbstidentität zu kämpfen hat, und einem Kind, das tiefgreifende Lektionen fürs Leben lernt.
Die Zusammenstellung dient als Schaufenster für die kreative Brillanz der talentiertesten Künstler Japans und nimmt das Publikum mit auf eine fesselnde Reise in ihre fantasievollen Welten.
„Genius Party“ ist ein Beweis für die Kreativität und Originalität dieser außergewöhnlichen Kurzfilme.
Ein 15-minütiger Kurzfilm, der am 3. Januar 2006 veröffentlicht wurde, thematisiert Fantasy und Romantik.
Es geht um die Hauptfigur bzw. Titelfigur, eine Wasserspinne, die sich in einen Wasserläufer verliebt.
Die Liebe zwischen der Wasserspinne und dem Wasserläufer wandelt sich mit der Zeit von einer Angstbeziehung zu einer liebenswerten Beziehung.
Die Animation ist typisch, scheint ziemlich gut zu sein und das Artwork ist sehr einfach. Abgesehen davon ist auch der Sound bemerkenswert, der gut zur Geschichte und den Szenen passt.
Der Film wurde von Hayao Miyazaki inszeniert und geschrieben und basiert auf einer Geschichte namens Boro, die Raupe.
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Es spielt in der Welt der Stahlrohre, Stromleitungen und Neonlichter und ist mit einem Spiel verbunden, bei dem Kinder begannen, mit den zerstörten Städten zu spielen.
Das Spiel namens Otokoyo ist ein Versteckspiel, bei dem die Spieler eine Fuchsmaske tragen und mit einer Versammlung von 7 Mitgliedern beginnt.
Das Spiel mag wie ein normales Kinderspiel klingen, wird jedoch gefährlich, wenn jedes Mitglied verschwindet. Der Film beinhaltet auch die Beteiligung von Dämonen, was sich später als Gerüchte herausstellt.
Das Einzige, was diesem Film fehlt, ist der Hintergrund und die Wahrheit, die Kinder in dem Spiel erleben.
Die Kunst erinnert eher an Legend of Zelda: Wind Waker, was eine tolle Atmosphäre mit sich bringt.
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Retro und Pandy, die beiden Hauptfiguren dieses Films, wurden ohne Erinnerungen und ohne Kleidung auf der Straße gesehen.
Dies ist der Grund, warum diese beiden Charaktere als Team zusammenkamen und ihr Leben mit der Jagd nach Gewalt begannen.
Die ausgefallene Persönlichkeit von Retro und die Sorglosigkeit von Pandy machen sie zu einer perfekten Mischung.
Diese beiden wurden in ein Hochsicherheitsgefängnis namens Dead Leave gebracht, das sich auf dem Mond befindet. Bald entdeckten sie weitere Klone, die das Ergebnis genetischer Mutationsexperimente waren.
Nichts lief zu ihren Gunsten, da alle Möglichkeiten, das Gefängnis zu verlassen, unmöglich wurden. Die Kunst ist erstaunlich und harmoniert mit der Musik.
Auch die Charaktere entwickelten sich mit der Zeit in einer angenehmen Länge.
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Die Leben von Tomoya Sugisaki, Aoi Harukawa und Ryou Kobayashi kreuzen sich, als sie ihre gemeinsame Fähigkeit entdecken, den rätselhaften Sommergeist zu sehen.
Es wird angenommen, dass es sich bei dieser ätherischen Präsenz um den Geist einer jungen Frau handelt, die sich das Leben nahm. Sie erscheint ausschließlich an einem bestimmten Ort und ist nur für diejenigen sichtbar, die dem Tod nahe sind.
Tomoya, der unter der Last der akademischen Erwartungen zu kämpfen hat, Aoi, der unerbittliches Mobbing erduldet, und Ryou, der aufgrund einer verheerenden Diagnose gezwungen ist, seine Basketballambitionen aufzugeben, eint der Wunsch, die Geheimnisse des Todes zu lüften.
Unzufrieden mit ihrer ersten Begegnung begibt sich Tomoya auf die Suche nach einer neuen Verbindung zum Sommergeist und dringt tiefer in das Rätsel ein, das ihre Existenz umgibt.
Kick Heart ist ein Kurzfilm, der die Geschichte der Romanze zwischen einer Nonne und einem professionellen Wrestler erzählt.
Der Film wurde von Masaaki Yuasa inszeniert und geschrieben. Die Laufzeit beträgt 12 Minuten, was gut zu surrealen Animationen und Geschichtenerzählen passt.
Maskman ist ein Teilzeit-Wrestler, der die Chance bekam, gegen die Frau seiner Träume zu kämpfen und Geld für sein Waisenhaus zu verdienen.
Das einzige Problem, das er hat, ist die Einschränkung, dass er die Gesichter von Frauen hinter der Maske nicht sehen kann.
Die Geschichte geht dann in sein Waisenhaus, das eine Nonne eingestellt hat, die neues Interesse am Leben eines Wrestlers weckte.
Abgesehen davon, dass es sich um einen romantischen Film handelt, ist der Film auch für seinen Witz bekannt, der jede Minute kommt. Der Aufbau des Films ist charmant, aber die Geschichte bleibt flach.
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Der Regiefilm von Kôji Morimoto handelt von Yoko. Yokos Katze erschien nicht zum Abendessen, was ihr Sorgen bereitete.
Bald begann sie, nach ihrer Katze zu suchen, indem sie Nachbarn fragte, ob sie ihr Haustier gesehen hätten oder nicht.
Dann kommt ein Junge ins Licht und spricht über die Katze und ihr Aussehen in einem Spukhaus.
Um ihre Katze wieder in ihr Leben zu bringen, ging Yoko in das Spukhaus, ohne die alltäglichen Ereignisse an diesem Ort zu kennen.
Ereignisse wie das Verschwinden von Gegenständen und Federn, die sich in Vögel verwandelten, sowie das Fehlen der Schwerkraft wurden alltäglich, als Yoko beschloss, die Realität ans Licht zu bringen.
Unter der Regie von Keita Kirosaka ist Warm Story eine Parodie-Fabel über den Hasen und die Schildkröte. Es hängt mit der Geschwindigkeit zusammen, die Tiere wie Regenwürmer und Kaninchen verkörpern.
Der kurze Animationsfilm ist 15 Minuten lang und hat möglicherweise nicht die Popularität erlangt, die er hätte haben sollen. Aus diesem Grund wurde er zu einem der unterschätzten Anime-Filme.
Die Metapher in Filmen wird sehr gut dargestellt, was durch großartige Animationen und ein der Epoche entsprechendes Design deutlich wird.
Abgesehen davon ist bis auf das Thema Stetigkeit nicht viel über den Film bekannt.
Die Geschichte beginnt mit einer alten Lampe und einem Kind namens Tooichi, das darüber stolpert. Die Geschichte der Lampe und der Fehler des Jungen wurde später von einem Großvater darüber beschrieben, wie diese alte Lampe mit einer japanischen Stadt zusammenhängt, in der sie verwestlicht wurde.
Die Geschichte dreht sich dann um Tooichis Großvater namens Minosuke und die Art und Weise, wie er seinen Lebensunterhalt bestritt.
Die Lichter der Straße wurden zu einer Metapher für die Beleuchtung des Lebens eines kleinen Jungen. Von diesem Zeitpunkt an wurde es zu dem Beruf, der sowohl sein Leben als auch das der Stadtbewohner veränderte.
Die Geschichte spielt im Jahr 1930 und hat Charaktere wie echte Menschen ohne Entwicklung. Auch die Kunst bleibt beeindruckend, da in jeder Szene detaillierte Hintergründe zu sehen sind.
Der Film erscheint am 10. Dezember 2005 und beschäftigt sich mit Drama und Science-Fiction in einer Laufzeit von 23 Minuten.
Die Geschichte spielt in einer Zukunft, in der die sequentielle Kontinuität der Geschichte gestört wurde, was zu Anarchie führte. Durch die Zerstörung sind Kontinente und Ozeane ausgestorben und befinden sich deshalb in den Archiven.
Ura, der in der Archivausgrabungsabteilung arbeitet, versucht, diese Archive wiederherzustellen und alle dahinter liegenden Daten zu analysieren.
Die Animation und Regie von „Pale Cocoon“ sind auf jeden Fall amüsant und lassen das Publikum in die Bilder und Kulissen versinken.
Bemerkenswert ist auch die Musik, die den Charakteren ein fantastisches Gefühl und neues Leben einhaucht.
Die Geschichte von Kachikachi Yama ist von einem gleichnamigen Volksmärchen inspiriert. Der Film wurde am 20. Oktober 1917 veröffentlicht und trug das Genre Drama.
Es ist ein 8-minütiger Film, der die Geschichte eines Volksmärchens erzählt, das manchmal sinnlos wird.
Die Kunst ist jedoch recht nahbar, da sie das Publikum an die guten alten Zeiten erinnert. Der Sound kann auch wegen seiner ausdrucksstarken Musik geschätzt werden, die den Charakteren eine neue Art von Emotionen einflößt.
Aber was die Dialoge angeht, bleibt es mit flachen Charakteren dürftig.
Legend of the Forest ist ein 29-minütiger Film, der die Geschichte eines einsamen und ruhigen Waldes erzählt. Wie jede moderne Situation, in der der Wald allen Arten von Zerstörung ausgesetzt ist, die Tiere vernichtet, bedient Legend of the Forest dasselbe Thema.
Es geht um die Bewohner des Waldes, denen durch die Zerstörung durch den Menschen schwere Zeiten bevorstanden. Der Protagonist der Geschichte ist ein Eichhörnchen, das in diesem Wald geboren und aufgewachsen ist und versucht, seine Verteidigung zu finden.
Auf seinem Weg begegnet er vielen Prüfungen und Schwierigkeiten, die zum Kern des Films werden. Abgesehen von der Dramatik hat es auch Abenteuer und Fantasie zu bieten, die zu dem gut gemäßigten Charakter passen.
Wenn man zur Geschichte kommt, dann ist es ein Erfolg, aber die Kunst bleibt ein Chaos.
Mirai Mizues Debüt-Anime-Kurzfilm ist sehenswert, da er das Genre der Avantgarde enthält. Der 6-minütige Film nimmt einen persönlichen Beitrag ein, der versucht, mit klassischen Liedern und Charakteren zu singen.
Es basiert auf der Konzeptidee der menschlichen Form im Gegensatz zu gezeichneten Zellen. Die Kunst und die Geräusche harmonierten gut im Film und das ist der Grund, warum die nicht so gute Geschichte an Popularität gewonnen hat.
Anstatt in eine normale Animation zu wechseln, wurden viel mehr Farben verwendet, als nötig waren, und das ist der Grund, warum es für das Publikum außer Reichweite geriet.
Wir haben alle die Geschichte von Adam und Eva gehört, aber wenn es darum geht, die gleiche Geschichte mit Jazzmusik zu experimentieren, dann ist sie eine perfekte Mischung.
Das Gleiche gilt für Lost Utopia, wo sich die Geschichte und die Charaktere in allen Kategorien entwickelten. Die typische Geschichte von Adam und Eva wird erneut dargestellt, jedoch mit überlebensgroßen Stützen.
Es geht um das Thema des Verlangens, das geschaffen werden musste, und des Todes, der lebendig werden musste. Abgesehen davon, dass der Film eine übernatürliche Wirkung hatte, enthielt er auch Fantasie und Action, die gut in 5 Minuten passten.
Durch Animationen und Designs sind jedoch Einschränkungen erkennbar.
„Paulette's Chair“ ist einer der kürzesten Filme in der Welt der Animation, der das Thema Komödie und Ausschnitt aus dem Leben in sich trägt.
Es wurde am 21. März 2014 unter der Regie von Hiroyasu Ishida und der Animation von Youjirou Arai veröffentlicht.
Die Geschichte ist eine moderne Version des Klassikers, bei der ein nostalgischer Ansatz im Mittelpunkt steht. Anstatt sich für einen Baum zu entscheiden, der in „The Giving Tree of Shel Silverstein“ präsentiert wurde, entschied sich der Regisseur für einen Stuhl, der sich selbstständig bewegen kann.
Die Kunst dieses Films ist der stärkste Aspekt, der ein wenig Disney-Atmosphäre verleiht. Klanglich passten Klavier und Streicher gut zum Hintergrund, da es eine friedliche Zeit vermittelt.
Nyatto ist eine Katze, die ihre Reise angetreten hat, um seine Schwester zu retten. Die Geschichte orientiert sich an einer Komödie und trägt in 32 Minuten sowohl anthropomorphe als auch psychologische Themen.
Um auf die Geschichte zurückzukommen: Die Schwester von Nyatto wurde in zwei Teile gerissen, als er versuchte, sein Bestes zu geben, um sie vor dem Tod zu retten.
Sie haben beide viele brillante Situationen gesehen, die möglicherweise mit beunruhigenden übernatürlichen Auswirkungen begonnen haben. Er gilt als einer der besten Original-Animefilme, was die Geschichte und die Charaktere betrifft.
Ob es nun um die Neben- oder die Hauptfigur geht, sie alle entwickelten sich linear. Allerdings blieb die Geschichte komprimiert.
Aru Hi Inu no Kuni kara Tegami ga Kite ist eher ein emotionaler Film als ein bestimmtes Genre.
Es wurde am 3. September 2015 mit einer Dauer von 11 Minuten unter der Regie von Yuta Maruyama veröffentlicht. Es ist eine kurze und süße Geschichte, der es an Tiefe in den Schauplätzen und im Handlungsverlauf mangelt.
Im Mittelpunkt der Geschichte stehen einige Briefe, die ein Hundebesitzer einem Mädchen gegeben hat. Diese Briefe wurden von niemand anderem als dem Hund geschickt, als sein Besitzer ihn zurückließ.
Die unzerbrechliche Verbindung zwischen Mensch und Tier hat die Herzen berührt und gerade deshalb eine bezaubernde Qualität beim Publikum hinterlassen.
„Someone's Gaze“ ist ein Slice-of-Life-Science-Fiction-Drama, das am 10. Februar 2013 in die Kinos kam. Regie führte auch Makoto Shinkai und das Drehbuch dauerte weniger als sieben Minuten.
Die Geschichte des Films ist ziemlich futuristisch und handelt von einer jungen Frau. Diese junge Frau ist unabhängig und reif und muss sich mit einer sich verändernden Beziehung in ihrem Leben auseinandersetzen, insbesondere mit ihrem Vater.
Die Geschichte geht weiter mit einigen vergangenen Ereignissen, zu denen auch ihr Familienleben und ihre Familienkatze gehören. Es wird beschrieben, dass der Film für die Zuschauer zutiefst emotional ist, da er das Thema familiärer Bindungen mit Veränderungen im Laufe der Zeit thematisiert.
Das Kunstwerk gilt als lebendig mit einer außergewöhnlichen Geschichte und Charakterentwicklung.
Kunio Katōs Kreation namens La Maison en Petits Cubes handelt von einer Stadt, die vom Wasser überflutet wurde. Eine der Bewohnerinnen, eine Witwe, war wegen der Überschwemmung gezwungen, ihr Haus um eine Etage zu erweitern, um der Trockenheit entgegenzuwirken.
Dabei ließ er versehentlich seine Lieblingspfeife fallen, die bald darauf im Wasser versank. Um seine Pfeife zurückzubekommen, begibt er sich auf eine Suche, die zur Geschichte eines 12-minütigen Films wird.
Die Pfeife ist zu einem Vorwand geworden, um die Zeit vor der Flut und die Veränderungen nach der Flut zu zeigen.
Der Film ist sehr beliebt und kann im Rahmen des 2008 verliehenen Hiroshima International Animation Festival Award gesehen werden.
Angesichts des Science-Fiction-Genres im Jahr 1976 war es für das Publikum eine große Herausforderung, sich mit dem Konzept von UFOs und Robotern vertraut zu machen.
Aber wenn es um diesen Film geht, dann hat er alles mit einer perfekten Mischung erfüllt und gilt als einer der besten Klassiker.
Die Geschichte dreht sich um die Übernahme von Great Mazinger durch Außerirdische. Um alles in Ordnung zu bringen, tritt Grendizer in die Geschichte ein, bekämpft das Böse und erholt sich schließlich von Great Mazinger.
Die Geschichte endet hier jedoch nicht, da das Vegan-Imperium einen neuen General bekommt, der die Erde übernimmt.
Da der Film das Thema Action und Science-Fiction in sich trägt, erfüllt er auch die Begrenzung auf 26 Minuten. Es hängt mit einem riesigen Monster zusammen, das in eine japanische Stadt eindringt, und das ist der Grund, warum die japanischen Selbstverteidigungskräfte damit begonnen haben, ihre Panzer auszuschalten.
Als niemand von der Existenz des Monsters wusste, brachte Yuki, ein mutiges junges Mädchen, Geheimnisse mit sich, die für die Aufklärung nützlich sein könnten.
Es gibt eine weitere Teenagerfigur namens Tetsu, die mit Yuki befreundet ist. In der Geschichte ist auch ein weiterer Teenager präsent, der eine Brücke zu den Monstern und auch zur Stadt schlägt.
Anime beginnt mit der Geschichte gut, wird aber später innerhalb kurzer Zeit manchmal zu viel.
Die meiste Zeit bleibt es still und ohne Soundtracks, was für die Zuschauer schwerfällig wurde.
Das Pendel zeigt die Geschichte der Höhen und Tiefen, die in einer Familie passieren. Diese Familie besteht aus einem Oberstufenschüler und seiner zukünftigen Frau, was dem Thema Romantik und Drama entspricht.
Es geht um das Paar, das versucht, seine Differenzen zu überwinden, während es mit dem Alltag und seinem Ende zu kämpfen hat.
Innerhalb von nur 4 Minuten gab es keinen einzigen Moment, der im Hinblick auf großartige Kunst und großartige Präsentation unantastbar blieb.
Gleichzeitig blieb es in der westlichen Community unterschätzt, wurde aber vom japanischen Publikum geliebt. Die Animation ist authentisch und hinterlässt auf sehr berührende Weise eine moralische Botschaft.
Der Film erscheint am 24. April 1999 und thematisiert Fantasie und Romantik. Es wird in einem Liebestraum aus 1001 Nacht dargestellt.
Die Geschichte handelt von Prinzessin Budu, die schläft und von Feen und bösen Dingen träumt. Je mehr die Geschichte mit ihrem Traum einhergeht, der immer in Gedanken mit ihrem Geliebten Prinz Kamar entsteht, desto ansprechender wird die Geschichte.
Mit Hilfe eines Traums bereist sie die arabische Welt und Moscheen. Mit einfacher Kunst und Charakter ist der Film empfehlenswert, da er skizzenhaft wie eine Bleistiftzeichnung aussieht.
Die kommenden Charaktere haben dann in der Geschichte ihren Zweck gut erfüllt, wodurch sich Handlungen und Motivation gut mit Emotionen vermischen.
Mit einer Laufzeit von weniger als 17 Minuten basiert dieser historische und übernatürliche Film auf der alten Legende, die zu einem der typischen Themen wurde.
Die Geschichte handelt von einem jungen Priester, der von intensiver Verliebtheit und der Lust einer Frau umgeben ist.
Sie lehnte die Annäherungsversuche der Frau ab, wurde lustvoller und verwandelte sich in eine riesige Schlange. Wegen der Leidenschaft der Frauen, die so intensiv und schrecklich zugleich war, hatte der Priester keine andere Wahl, als sich unter der Glocke des Tempels zu verstecken.
Die Animation und Bewegung werden manchmal normal und langsam. Die Charaktere hingegen blieben attraktiv, da sie eine starke Anziehungskraft haben.
Es ist ein Abenteuer- und übernatürlicher Film mit den Themen Kampfkunst und Samurai. Ji Chang als Protagonist ist derjenige, der immer nach dem Besten der Welt sucht.
Seine Fähigkeiten sind mehr als bereichernd, wie man daran erkennen kann, dass er aus der Ferne einen Urlaub schießt. Nach vielen Trainingseinheiten begann er, seinen Meister zu besuchen und lernte schließlich alle Techniken.
Um mehr darüber zu erfahren, begab er sich auf eine Reise durch die Berge und suchte nach einem alten Mann mit übernatürlichen Fähigkeiten.
Die Animation von 1988 entspricht nicht dem aktuellen Szenario, aber die Kunst war beachtlich.
Was die Charaktere betrifft, so sind sie eher moralisch und philosophisch motiviert als die Handlung.
Als Gymnasiast wollte Akio Honjou schon immer das beste Leben durch die besondere Fähigkeit der Musik führen.
Er kann sich an jede Art von Musik erinnern, die er einmal gehört hat. Die Geschichte geht auf den Tag zurück, an dem er Juri Makina traf, dessen Telefon eine Melodie spielte, die ihn sofort anzog.
Dieser Film hat einen großen Einfluss auf die Kunst, durch die die Charaktere sowohl emotionale als auch intellektuelle Aspekte verstehen. Es ist einer der vier Filme, die von der japanischen Regierung zur Unterstützung der Ausbildung von Animatoren gefördert wurden.
Und ohne Zweifel hat es seine Mission mit großartigen Animationseffekten und Kunst definitiv erfüllt.
Das Märchen „Dornröschen“ hat viele Adaptionen erfahren und dieser Film ist auch eine davon.
Die Geschichte begann fast ähnlich wie die Originalgeschichte, die Kernhandlung unterscheidet sich jedoch vom Original.
Indem sie es dann mit dem Original verglich, begann die Heldin, das Geheimnis eines Mannes zu entdecken, der sie verfluchte, anstatt in irgendeinen falschen Zauber zu verfallen.
Es bezieht sich nicht nur auf den Mann, sondern auch auf die Mutter einer jungen Heldin, die zu einer der Nebenfiguren wurde.
Am Ende leben nicht alle Charaktere so glücklich bis ans Ende ihrer Tage wie in der Originalgeschichte.
Die Geschichte handelt vom verheerenden Leben eines Arztes, der sehr glücklich mit seinem Beruf begann, am Ende aber alles verlor.
Es begann mit einem Ereignis, bei dem der Arzt mit einigen seiner persönlichen Ablenkungen beschäftigt war. Aus diesem Grund gelang es ihm nicht, eine lebenswichtige Wunde zu heilen, weshalb er von den Dorfbewohnern gedemütigt wurde.
Der Film zeigt, wie schwierig es für Ärzte wird, da Patienten und ihre Familien von ihrem Beruf immer alle Unmöglichkeiten erwarten.
Die Bewegungen der Animation sind sehr gekonnt und clever und das Gleiche gilt für einen Sound, der gut in jede Szene passt.
Insgesamt ist es ein hübsches Werk sowohl für die Macher als auch für den Fan derjenigen, die sich für Psychologie und philosophisches Kino interessieren.
Das nächste in der Reihe ist das Haus der Flammen, das sich mit Geschichte und Mythologie beschäftigt. Da es sich um eine Geschichte und Mythologie handelt, ist das Übernatürliche eines der anderen Themen, die im Film präsent sind.
Die Geschichte handelt von einer jungen Frau namens Unai Otome, die in einem Dorf lebt. Wegen ihrer Schönheit verliebten sich zwei Männer, was zu Verwirrung bei der Auswahl führte.
Um sich für eine der beiden Optionen zu entscheiden, entschied sie sich für die dritte und nahm sich das Leben.
Die Geschichte reist dann viele Jahre, wo ein Pilger in der Nähe ihres Grabes arbeitete und eine junge Frau traf, so dass die Geschichte noch einmal aus der Zeit aufsteigt.
„The Closet“ ist ein Dramafilm, der sich mit den Themen Eifersucht und Familienbeziehungen beschäftigt. Die Geschichte handelt von einem jungen Mädchen, das sich die ganze Aufmerksamkeit seiner Mutter wünscht, während es sich um sein kürzlich geborenes Baby kümmert.
Aus Eifersucht einer jüngeren Schwester begann das Mädchen, ungewöhnliche Aktivitäten auszuführen, die als disziplinlos angesehen werden könnten.
Was die Animation und die Charaktere angeht, hätte es besser sein können, aber wenn man es als das Erstlingswerk von Satomi Maiya betrachtet, dann ist es ganz gut, wenn Koji Yamamura der Produzent des Films ist.
Der Film, der am 11. November 1966 in die Kinos kam, erfreute sich zu seiner Zeit und auch in der Gegenwart großer Beliebtheit.
Es ist eine Komödie mit einem tollen Animationsanteil, aber ohne Dialoge. Die Geschichte handelt von einigen Hauptfiguren der modernen Gesellschaft, darunter unter anderem ein selbstbesessener Mann und ein plastischer Chirurg.
Es gibt uns das Thema der Zivilisation, die manchmal sowohl am besten als auch am schlechtesten wird. Die Kunst und Animation von „Pictures at an Exhibition“ wird zu den Favoriten, da sie einen kreativen Ansatz mit hoher Qualität verfolgen.
Auch die Hintergrundmusik ist selbst im 21. Jahrhundert großartig.
Die Geschichte begann mit einem fröhlichen Ton, als man vier Arbeiter am Lagerfeuer sah, wie sie ihr bestes Leben genossen.
Drei von ihnen sind mit unterschiedlichen Gesprächen und anderen Dingen beschäftigt, aber plötzlich sind seltsame Geräusche zu hören. Die seltsamen Geräusche erregten die Aufmerksamkeit der drei Arbeiter, die untereinander zu diskutieren begannen, was dazu führte, dass der schlafende Begleiter geweckt wurde.
Als er zum schlafenden Begleiter kommt, wacht er auf und schläft wieder ein, nur um zu träumen. Der Film hat ein psychologisches Thema mit einem Teil des Lebens und der Fantasie.
In weniger als 27 Minuten haben die Macher ihr Bestes gegeben und man kann sich in die künstlerische Gestaltung und den Soundeffekt des regionalen Dialekts verlieben.
Die Geschichte trägt eine sehr moralische und lebensphilosophische Grundlage, in der alle gleich sind, und zeigt, wie das Leben von Arm und Reich gleich ist.
Es begann mit einem armen Arbeiter, der aus seiner Fabrik entlassen wurde, um seinen Lohn zu erhöhen. Aufgrund der Armut wurde das Überleben seiner Mutter zum schwierigsten Teil und sie geriet bald in das Spinnrad der Natur.
Die Geschichte ändert dann plötzlich ihren Ton, als ein großer Sturm alle Menschen in der Stadt erfasst, ohne sich um die Frage zu kümmern, ob sie reich oder arm sind.
Die Animation wird in Schwarz-Weiß-Ansicht gezeigt, was die Atmosphäre des typischen späten 20. Jahrhunderts vermittelt.
Die Macher haben sich entschieden, Hoffnungslosigkeit und Leid durch Horror zu demonstrieren.
Der Film, auch bekannt als „Feeling From Mountain And Water“, hatte ein musikalisches Thema von weniger als 19 Minuten. Da es sich um einen Musicalfilm handelt, kann man leicht die Perfektion des Klangs hören, der durch Wasser und Wind entsteht.
Die Geschichte handelt von einem jungen Mädchen und einem älteren Mann und wird in einem friedlichen Szenario gut dargestellt.
Dem jungen Mädchen liegt dieser Älteste sehr am Herzen und deshalb beschloss er, ihr Unterricht in der Guqin zu geben.
Die Animation ist sehr flüssig mit wunderschönen visuellen Kunstwerken. Abgesehen von friedlicher Musik kann man sich auch für die Präsentation und die Auswahl der Charaktere entscheiden, da sich die Macher für nur zwei entschieden haben.
Der am 4. April 2012 erschienene Film beschäftigt sich mit dem Genre eines Ausschnitts aus dem Leben, der weniger als 10 Minuten läuft.
Über Crunchyroll, das die Geschichte von Daru zeigt, kann man leicht auf Anime zugreifen. Daru ist ein Stofftier, das am Flughafen verloren gegangen ist und von seinem Besitzer getrennt wurde.
Mit der Mission, ihren Besitzer zu finden, begab sie sich auf eine Reise durch die ganze Welt. Doch mit der Zeit vergaß die Besitzerin ihr Stofftier, aber Daru erinnert sich immer an die Besitzerin.
Der Film hat ein moralisches Thema ohne Dialog, außer zwei Sätzen, die auf Englisch endeten. Verschiedene Bilder in jeder Szene sind mit einem großartigen Ton versehen, der die Kunst zu einer spektakulären Form machte.
Mit Geschwistern zusammenzuleben ist eines der schönsten Dinge, aber gleichzeitig wird es noch schlimmer, wenn die beiden eine unterschiedliche Einstellung und ein unterschiedliches Leben haben.
Das Gleiche geschah im Film „Tomato Confit“. Es handelt von der Geschichte zweier Brüder, die in einer Stadt lebten, in der der Ältere allein lebte, während der Jüngere bei seinen Eltern lebte.
Der Konflikt zwischen den beiden Brüdern erreichte einen Höhepunkt, sodass sie sich gelegentlich gegenseitig anriefen. Der ältere Bruder ist sowohl emotional als auch ungeduldig und arbeitet nicht, während der jüngere immer versucht, seinen Weg zu finden.
Die Geschichte erhält ihren Titel und nimmt eine Wendung, als sich der ältere Bruder in ein Tomatengesicht verwandelt. Dieser Regiefilm von Mayuko Yamakita ist vor allem für seine Animationen bekannt, weist aber in vielen Szenen auch nicht die gleiche Kategorie auf.
In der Little Witch Academy geht es um junge Hexen, die sich von einem Zauberer namens Shiny Chariot inspirieren ließen. Unter ihnen ist Atsuko Kagari, die schon immer so werden wollte wie ihr Idol und in die Little Witch Academy mit dem Traum eintrat, sowohl großartig als auch cool zu werden wie ihr Idol.
Dieser Kurzfilm lässt Raum für Erweiterungen, weist aber gleichzeitig viele offene Fragen in seiner künstlerischen Struktur auf.
Die Vielfalt der Charaktere ist bemerkenswert, da sie keinen Stereotypen, sondern ihrer eigenen Identität folgen. Obwohl der Film über eine gute Animation verfügt, ist er in einigen Szenen etwas überlastet, was flüssiger und flüssiger werden muss.
Kujira no Chouyaku ist ein Fantasy-Dramafilm, der am 14. November 1998 in die Kinos kam. Der Film ist in Japan sehr bekannt und seine Popularität lässt sich durch den Hauptpreis beim zweiten Japan Media Art Festival belegen.
Die Geschichte handelt von einem glasklaren Ozean und einem Wal, der einen halben Tag anmutig am Himmel verbringt.
Das Wasser der Ozeane und Gletscher wurde in bewegungsloser 3D-Computergrafik dargestellt, die dem Film Transparenz verlieh.
Alle Charaktere, ob Wal, Menschen oder Schiffe, sind von Hand gezeichnet und laden das Publikum in ihre Welt ein.
Da es sich bei diesem Film um eine in Gedichten verfasste Animation handelt, erweckt er beim Publikum eine wahre Fantasie.
In diesem Film geht es um die Neuinterpretation der Getter Robo-TV-Serie. Es gibt eine Menge Action, die mit dem Tod von Musashi begann und die Einführung von Getter Robo G beinhaltet.
Abgesehen davon geht es auch um Benkei, der dem Team beitritt, und um Great Mazinger, der mit Hilfe eines neuen großartigen Boosters in die Geschichte einsteigt.
Es gibt so viele Ereignisse im Film, die dazu führten, dass es an Dramatik und Spannung mangelte. Das erkennt man daran, dass Benkei keine Einleitung hat und die Figur des Getter Robbo überhaupt keine Aufregung hat.
Beim Antagonisten handelt es sich um Pikadron, ein mechanisches Monster, dessen Körper von Lichtstrahlen umgeben ist.
Trotz vieler Fähigkeiten scheinen die Geschichten recht vorhersehbar zu sein.
Die Geschichte handelt von Duke Fleed, einem Flüchtling des Planeten Fleed. Als die Armeen von Vega die Macht innehatten, beschlossen sie, ihn vom Planeten zu vertreiben, was zu einer lebensverändernden Erfahrung führte.
Der Film zeigt dann eine Romanze zwischen dem Herzog und der Tochter von Vega, die vor den Kriegen auf dem Planeten begann.
Obwohl die Liebessequenz bekannt war, beschlossen die Armeen von Wega und Fleed, in den Krieg zu ziehen, sodass die Action vorherrscht.
Dieser Film ist einer der empfehlenswertesten für diejenigen, die gerne klassische Zeichentrickfilme sehen, da er tolle Charaktere und passende Themen hat.
Allerdings blieben die Szenen flach und die Handlung etwas verwirrend.
Der Film kam am 22. November 1997 in die Kinos und hat eine Laufzeit von nur 15 Minuten. Es ist eine Action-Science-Fiction voller Fantasie.
Der Film spielt irgendwo in der Zukunft in einer imaginären Stadt namens Cahmpon. In dieser Stadt beschloss ein Wissenschaftler, eine synthetische Firma zu gründen und gab ihr den Namen Noiseman.
Die Aufgabe dieses Noiseman besteht darin, in der Luft vorhandene Musik zu löschen und in Kristalle zu verwandeln.
Die Animation des Films ist sehr solide, da sie die Qualität einer Fernsehserie und eines Spielfilms in sich trägt.
Auch der Ton entspricht den Erwartungen und ist vielleicht einer der beeindruckendsten in kurzen Anime-Filmen.
Über den Film ist nicht viel Besonderes bekannt, außer der Tatsache, dass es sich um einen kleinen Jungen in Matrosenkleidung handelt.
Das zeigen einige der japanischen Schriftzeichen, die mit „ein bewegtes Bild“ übersetzt werden. Bald war dieser Junge mit dem Schreiben seiner Sätze fertig, dann wandte er sich dem Publikum zu und zeigte seinen Respekt.
Für diesen Film gibt es kein festes Jahr, man geht jedoch davon aus, dass er irgendwo zwischen 1905 und 1911 entstanden sein muss.
Als eine der ältesten Animationen Japans ist sie zu einer archaischen oder klassischen Form von Anime geworden. Wenn wir die Geschichte nachschlagen, bleibt sie aus dem Kontext gerissen. Die Kunst ist jedoch sehr gut, da sie den Stil dieser Ära zeigt.
Es ist ein Stummfilm, der den Zuschauer schockiert.
Mit einer Laufzeit von 7 Minuten ist der Film beim Publikum für sein Avantgarde-Thema bekannt. Der Film spielt in einer Höhle voller Bilder von Bäumen und Umgebung.
Neben den Bildern von Bäumen enthält es auch Bilder von Gemälden mit vielen gemischten Farben. In diesen Gemälden kann man leicht den Klang der Funkkommunikation während des Krieges wiederfinden und auch eine harmonische Komposition, die durch Bombenangriffe entstanden ist.
Der Film ist eher dokumentarisch als fiktiv. Und das ist der Grund, warum jeder Aspekt darin alle literarischen Standpunkte widerspiegelt.
Der 4-minütige Regiefilm von Junichi Kouchi ist mit Komödie und Samurai verbunden. Die Geschichte handelt von einem Samurai, der jedes Mal verliert, wenn er seinen Gegner angreift.
Der einzige Grund für seine verlorenen Schlachten sind die langweiligen Instrumente, der Titel des Films. Um das Schwert zu verstehen, versucht er immer, es zu benutzen oder Passanten anzugreifen.
Anstatt diese Dinge auf die leichte Schulter zu nehmen, begannen die Stadtbewohner, mit ihm zu kämpfen und ihn völlig niederzuschlagen. Es ist ein 10-gegen-10-Anime, da er einen herrlichen Blick auf seinen Charakter und auch auf die Szenen bietet.
Die visuelle Animation dieser Zeit wird sehr stark präsentiert und ist im 21. Jahrhundert relevant.
Der am 25. März 1943 erschienene Film thematisiert Militär und Geschichte. Es handelt sich um einen 36-minütigen Film, bei dem Mitsuyo Seo Regie führte.
Obwohl der Film gemischte Kritiken erhielt, zeichnet er sich durch seine Animation und Kunst aus, die ihn zu einem der besten Beispiele eines Klassikers machten.
Die Erzählung ist sehr synchronisiert und basiert auf der Perspektive der Bombardierung von Pearl Harbor und den Angriffen des Zweiten Weltkriegs.
Es handelt sich um eine Schwarz-Weiß-Animation, die mit aufblitzenden Wolken begann und sehr real wirkte. Wasserwellen zu formen und Charaktere mit realitätsnahen Charakteren zu erschaffen, ist wieder eines der besten Geschenke im Film.
Auch die Sounds erinnerten an einen typischen Filmklassiker, vermittelten aber auch ein tolles Gefühl von Modernität.